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La película de la semana

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Blog de la AMPA

MARE OF EASTTOWN (BRAD INGLESBY)

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Mare es una detective de mediana edad que desempeña su trabajo en su ciudad natal, Easttown, un lugar
endogámico, con pocas expectativas para los jóvenes, donde las drogas, la prostitución, la violencia y la
maternidad adolescente son habituales.

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Mare se encuentra en el punto de mira al no haber sido capaz de hacer avances en el caso de una joven desaparecida hace ya un año, ya que da por hecho que nunca la encontrarán, puesto que probablemente
esté muerta y abandonada. Por este motivo, ante el asesinato de otra joven, recibe, pese a su resistencia, a
un nuevo compañero para ayudarla en sus pesquisas.

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Su vida personal tampoco se encuentra en el mejor momento, pendiente de si perderá la custodia de su
nieto, sin haber asumido todavía el duelo por la muerte de su hijo y siendo testigo de que su marido va a
rehacer su vida con una nueva pareja.

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Mare es honesta, directa y poco complaciente, se refugia en su trabajo para no sentir dolor ni culpabilidad
por acontecimientos pasados y su determinación la llevará a sospechar de todos, así como a desentrañar
una maraña de secretos familiares que se esconden en las relaciones tóxicas entre primos, amigos y
vecinos de toda la vida.

Patricia Chavarrías (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

LOS MITCHEL CONTRA LAS MÁQUINAS (MICHAEL RIANDA)

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Esta película de animación de Netflix que lleva varias semanas en la lista de los
TOP10 de películas más vistas, aúna muchos condicionantes para que sea un buen
plan de peli y pizza para el fin de semana tanto paraa adultos, como para jóvenes y niños.

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Kaitie Michel, la hija adolescente, es aceptada en la universidad de cine de sus sueños
y está deseosa de comenzar. La relación con su padre es muy distante y para
compensar esta carencia, su padre decide cancelar su vuelo y que toda la familia le
acompañe a la universidad, comenzando un largo viaje por carretera.

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Durante el viaje comienza el robopocalipsis y el levantamiento de los robots y la
tecnología que le ha dado a Katie la oportunidad de escapar de su familia se vuelve en
su contra.

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Los Mitchell durante su viaje se encuentran luchando contra teléfonos inteligentes, y
robots mientras su viaje por carretera se convierte en una búsqueda épica por la
supervivencia de la humanidad y que termina reconciliando a la familia de los Michel.
Una película llena de humor y con una estética, dentro de la animación, original y con
enganche.

Elsa Bermejo (Departamento de Música)

MOXIE (AMY POEHLER)

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Una adolescente cansada de situaciones machistas y sexistas en su instituto, realiza anónimamente unos folletos feministas que deja en los baños de las chicas. A partir de este momento varías adolescentes impulsan diferentes acciones para reivindicar más igualdad entre chicos y chicas.

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Yo recomiendo que veáis esta película, porque está muy bien y nos puede hacer reflexionar sobre el feminismo.
¿Os animáis?

Adriana Pallás 1ºESO B

NOMADLAN (CHLOÉ ZHAO)

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Y ha llegado el turno de reseñar la película que en esta ocasión se ha alzado con el Oscar a la
mejor película. Nomadland, una producción independiente que, paradójicamente, parece
contrariar ese estilo de vida que predica Hollywood. Aún más chocante puede resultar que su
disfrute no ya en cines, sino en plataformas digitales, pueda hacerse desde ya a través de
Disney+, poderosa multinacional que tampoco encarna ese tipo de vida alternativa que nos
muestra esta película.

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Pero nada debe extrañarnos en estos tiempos pandémicos que nos tocan vivir, en los que
quizás no venga nada mal el que a través del cine nos asomemos a esas vidas alternativas de
los que poco o nada tienen, de los que viven (bien por obligación, bien por decisión propia) de
espaldas a ese mundanal ruido en el que muchos estamos inmersos.

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Nomadland expone el retorno a una vida basada en la ayuda mutua y la sociedad de trueque.
Vida errante apegada a la tierra y a la caravana. El rostro de Francesc McDormand, quien
también obtuvo el Oscar por su interpretación (transformándose en una de las actrices con
más estatuillas de la Historia del Cine) reflejando la resignación, el dolor, también la alegría de
un mundo paralelo al nuestro, que entiende lo distinto como posibilidad.

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Y el paisaje como telón de fondo, subrayando la propuesta con atenuado bucolismo.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Española y Literatura)

GATTACA (ANDREW NICCOL)

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Gattaca es un film de Andrew Niccol de ciencia ficción-drama que vió la luz en 1997, y fue nominada a un Óscar a la mejor dirección artística. Destaca entre las películas de crítica hacia el impacto de la tecnología en la sociedad, actualmente se considera una película de culto, tanto para los amantes de temas científicos como para las mentes más filosóficas, la historia descrita como distopíatranshumanista es un clásico recurso para abrir debate tanto en clases de Biología, Filosofía o Valores por su rica trama y la cantidad de situaciones que nos ponen en un entresijo ético.

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Gattaca nos sitúa en un ‘futuro no muy distante’ para tratar temas muy actuales como los asuntos de la privacidad de los datos genéticos, el determinismo genético, la discriminación atendiendo a tu genoma, la eugenesia y los hijos a la carta, así como de los eternos temas filosóficos acerca de la identidad individual. Todo esto puede resultar familiar si has leído “Un mundo feliz” de Aldous Huxley que impacta por tanto por su contenido, como por la sociedad (¿tan avanzada?) que consiguió idear a principios del siglo 20. Aunque en aquella época gran parte de la tecnología utilizada para obtener descendientes de distintas castas – alfa, beta o gamma – por determinación genética y los condicionamientos a los que los someten a temprana edad, podría parecer totalmente inaudito, hoy en día podríamos no estar tan lejos de llegar a ver algo similar.

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A pesar de que la historia de Huxley no ha sido adaptada aún a la gran pantalla, Gattaca, se centra en uno de los elementos principales que aparecen en la novela: la manipulación genética como base para la sociedad perfecta, de manera que se plantea un mundo que encaja en las expectativas de la República de Platón.

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En ese futuro, la normalidad es que los niños sean concebidos in vitro y con técnicas de selección genética. Sin embargo aún quedan seres intrépidos que se saltan las normas establecidas para concebir de manera natural, Vincent (Ethan Hawke) es uno de los últimos niños concebidos de esta manera, pero nace con una deficiencia cardíaca por la cual no le otorgan más de treinta años de vida. Lleva la etiqueta de “no válido”, alguien condenado a ocupar los puestos menos gratos de la sociedad. Por el contrario, su hermano Anton ya es concebido mediante técnicas artificiales y recibe lo mejor de la carga genética de sus padres, lo cual le garantizará el acceso a infinidad de oportunidades. Cabe mencionar que los válidos no tienen cualidades supra-humanas, pero poseen lo mejor de los humanos: inteligencias superdotadas y físicos perfectos. Frente a ellos se encuentran los no válidos o in-válidos (Hijos de Dios o Nacidos por fe) que son personas cuya configuración biológica aún ha dependido del azar y que conforman la nueva clase baja. En esta sociedad tan predeterminada, Vincent, desde niño, sueña con ser astronauta e ir al espacio pero por su condición de no válido, es consciente de que nunca podrá ser elegido haga lo que haga, ya que sus aspiraciones vienen determinadas de nacimiento. Durante años ejerce toda clase de trabajos hasta que un día contacta con un hombre que le proporciona la llave para pasar a la élite: adoptar la identidad de Jerome (Jude Law), un deportista válido que se quedó paralítico por culpa de un accidente. En esta sociedad se puede seleccionar lo mejor de la genética, pero no esquivar los caprichos del destino. Así Vincent tendrá una oportunidad de acceder a la Corporación Gattaca, una industria aeroespacial, donde es seleccionado para una misión a Titán. Para hacer frente a las constantes pruebas genéticas a las que es sometido, deberá emplear inteligentemente las muestras de sangre y tejidos que Jerome le prepara. Todo irá bien hasta que el director de la misión es asesinado y las consecuentes investigaciones irán generándole dificultades para poder proseguir con su plan.

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Como curiosidad, no puedo dejar de comentar el nombre de la película, que para nada está escogido al azar, Gattaca está formada por letras del ADN (guanina, adenina, timina, y citosina) y la simbología genética es omnipresente en todo el film, el principal exponente es la gran escalera espiral del apartamento del protagonista junto con unos decorados fríos y funcionales que la han convertido en una película de referencia.

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Espero que la historia te despierte la curiosidad por disfrutar de su trama, estoy segura de que vendrá acompañada de reflexiones y conversaciones interesantes, nunca deja indeferente.

Ana Palmero (Departemento de Geología y Biología)

HÉROES: SILENCIO Y ROCK & ROLL

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Es un documental de Netflix que narra el ascenso de un grupo de provincias, como así
se denominan los propios componentes, Héroes del Silencio, que consiguió situar en
el mapa a Zaragoza. Héroes del silencio es, porque a pesar de la separación de la banda siguen igual de
vivos, un grupo de rock de gran trascendencia en los 80, liderado por Enrique Bunbury
y con un sonido cada vez más duro.

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Cada uno de sus componentes tocaban en diferentes formaciones de más o menos
éxito local. Ensañaban en garajes cercanos y coincidían tomando algo en los bares
próximos a sus locales de ensayo. Deciden unirse y formar juntos una nueva banda.

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Cuatro chicos que tenían muy claro qué querían hacer, cómo querían sonar, trabajadores y con un sueño común.
Recuerdo que cuando ya habían cosechado más de algún éxito, las hermanas de mi
amiga Belen, algunos años mayores que nosotras, bebían los vientos por la rubia
melena del cantante y se emocionaban al contar que ya los habían visto actuar
subidos a un remolque de tractor como escenario en una pedanía de mi pueblo. Así
empezaron Héroes. Tocando donde les dejaban, recorriéndose cualquier lugar de la
geografía de la provincia y ampliando este espectro poco a poco. Compartían esta
admiración con artistas como Ole Ole, Alaska, Loquillo… y a mi la verdad, que no me
terminaban de emocionar… cantaba sus canciones los sábados por la noche porque
era inevitable no sabérselas… sonaban a todas horas en las dos únicas cadenas de
televisión que había y en los 40 principales. Nunca llegué a comprarme ninguno de
sus discos.

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Rechazaron a grandes productores porque su sonido no era lo que ellos
representaban en sus conciertos y lo que les gustaba. Eran exigentes. En directo eran
inmejorables. De hecho, llegaron a la televisión y como quien no quiere en 1987
llegaron a oídos de Gustavo Montesano (guitarrista de Olé Olé) y Roberto Durruty,
ambos productores que buscaban nuevos talentos. Aunque a Gustavo no le
impresionaron, acabaron yendo a verles en directo. Cuando llegaron a Zaragoza y
vieron que la gente se pegaba por ver a los Héroes del Silencio el olfato les dijo que
ahí había algo. Y cuando les vieron tocar… se enamoraron de ellos.

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Consiguieron un contrato con EMI después de que les retaran a grabar un single y
vender 5.000 copias. Grabaron Héroes de Leyenda y vendierón 30.000 copias. Ahí es
nada. Pero EMI les pidió que vivieran en Madrid, les quiso meter unas trompetas para
que sonaran más pop, más vendibles… y de nuevo la cabezonería maña se impuso.
NO. Fue la respuesta del grupo que iban a una.

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La crítica musical era muy dura con ellos pero nunca les importó. Solo querían hacer lo
que más les gustaba, y el público los adoraba. Cada vez eran más respetados. Se les
acusaba de ser bordes con la prensa pero ellos se defendían diciendo que eran fieles
a su estilo. Las giras eran interminables, los seguidores se sumaban por todos los rincones del mundo: Alemania, Bélgica, Francia, Inglaterra…. Hasta saltaron el charco a hacer las américas.

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Empezaron sin tener un estilo definido y acabaron con un sonido cada vez más duro.
Empezaron sin un objetivo claro. Querían éxito. No buscaban la fama. Enrique tocaba
el bajo, pero pronto se dieron cuenta que necesitaba más libertad de movimiento en el
escenario así que ficharon a un bajista, Joaquín Cardiel. Ya estaban los cuatro: Enrique
Bunbury, Juan Valdivia, Pedro Valdivia y Joaquín Cardiel. Más tarde ficharían al
guitarrista Alan Boguslavsky para apoyar a Juan.

Carmen Moliner (Departamento de Lengua Española y Literatura)

DARK (BARAN BO OBDAR Y JANTSE FRIESE)

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Dark es una serie de televisión alemana, catalogada en el género de la ciencia ficción, con un formato de thriller o suspense. Fue creada por Baran bo Obdar, director y guionista alemán y Jantje Friese, coproductora y guionista de la serie. Ya habían trabajado previamente juntos en la producción de la película Who I am- No system issafe, en 2014, y cuyo guion fue nominado al mejor guion en los German Films Awardsen 2015.

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La serie Dark fue la primera emitida en alemán, aunque también está disponible en otros idiomas como el castellano, en la plataforma de streaming Netflix el 1 de diciembre de 2017, recibiendo numerosas reseñas positivas y comparándola con la serie Stranger things, emitida en la misma plataforma. Tras su éxito, decidieron crear dos temporadas más, con un final cerrado, que vieron la luz en junio de 2019 y junio 2020 respectivamente.

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Con solo visualizar la introducción ya se puede presuponer que se trata de una serie totalmente diferente a lo que hayas visto anteriormente, y que no te va a dejar indiferente. Esto es debido a las imágenes simétricas que se suceden al ritmo inquietante y a la vez pegadizo, de la melodía del grupo Apparat, llamada “Goodbye”.

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La trama se desarrolla en la localidad ficticia de Winden, una pequeña ciudadgermana cuyo principal reservorio natural es un bosque húmedo con cuevas en su interior que albergan misterio y desconcierto. Además, posee una central nuclear que nutre de trabajo a sus habitantes, pero sobre cual la se cierne la sospecha de oscuros secretos relacionados con la desaparición periódica de niños, algunos de los cuales reaparecen en el futuro, en una época que ya no les corresponde.

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Ya en los primeros capítulos de la primera temporada queda claro el argumento principal de la serie, siendo ni más ni menos que los viajes en el tiempo- espacio. Titilan las luces de la ciudad, aparece música inquietante de la maravillosa banda sonora y los arrendajos empiezan a caer de forma masiva en el asfalto, todo ello es un signo de que algún habitante a abierto la puerta de la cueva custodiada por la central nuclear, para viajar en el tiempo y/o en el espacio (mundos paralelos).

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“Sic mundus creatus est” reza la entrada a la cueva que permite saltar en el tiempo tanto hacia adelante como hacia atrás; siendo el lema de los viajeros en el tiempo que la utilizan para llevar a cabo su plan, y cuyos linajes se entrelazan, siendo casi hasta necesario lápiz y papel para no perder detalle de la genealogía repartida en cuatro familias: los Nielsen, los Doppler, los Kahnwald y los Tiedeman. Con sus respectivos oscuros secretos cada una de ellas.

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Sin duda los grandes protagonistas de la serie son Jonas Kahnwald, con su característico chubasquero amarillo, que trata de resolver un problema familiar que le impide conciliar el sueño cada noche; y su amiga-amante Martha Nielsen, una joven chica de instituto, hija de uno de los más conocidos policías de la ciudad y de la directora del instituto. Ambos van a protagonizar una historia de amor utópico, con la esperanza de que sus acciones a lo largo de la serie hagan que sus caminos se junten para siempre y/o puedan salvar a los habitantes de Winden de una terrible catástrofe.

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Conforme transcurren los capítulos, la trama se hace más complicada, con viajes entre universos paralelos, además de en el tiempo, y sin la necesidad de entrar a la famosa cueva, solamente con el uso de la llamada partícula de Dios, utilizada por la comunidad de viajeros del espacio-tiempo que está dividida en dos bandos con misiones opuestas: el de Adam y Eve.

La gran complejidad de la serie va abriendo paso a una infinidad de elucubraciones por parte del espectador sobre el desenlace, totalmente inesperado desde mi punto de vista, y cerrado, agradeciendo así el poder conectar una serie de acciones que se suceden entre los personajes a lo largo de los capítulos.  

Con buenísima valoración por los críticos tanto profesionales como amateurs, este thriller distópico hará que te quedes pegado a la pantalla, inamovible, sin querer perder ni un detalle, y disfrutando en cada momento de los giros de guion, así como de los posibles entramados que tu mente diseñará tras su visionado para encajar las piezas de este gran puzle.

José Antonio Sanz (Departamento de Biología y Geología)

EL HOMBRE QUE PUDO REINAR JOHN HUSTON (1975)

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Reciente aún la desaparición de Sean Connery, me ha parecido oportuno recordar otro de sus títulos mas emblemáticos. La Película de la Semana viaja así al siglo XIX. En este caso en el contexto del colonialismo británico en plena “Era Victoriana”.

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Evidentemente no es la única muestra de esta temática.  Recordemos ciertos títulos que recrean el mundo colonial “victoriano” como “Las montañas de la luna”. Este género (o subgénero) al que se le ha denominado también como de “aventuras colonialesrecrea el momento de apogeo del Imperio británico como “Revuelta en la India” (sobre la rebelión de los “cipayos”), “Kim de la India”, cualquiera de las versiones de “Las cuatro plumas” o las más críticas “Zulú” y “Amanecer, Zulú”. Constituiría además, una suerte de “género bélico del siglo XIX”.

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Siguiendo esta línea, escapando al “mundo colonial”, pero situada en la misma época y dentro de la tensión entre las potencias europeas, aparece la magnífica producción  “La última carga”.

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En este contexto que estamos detallando, se situaría la que no podía faltar entre los clásicos del cine de “recreación histórica” y “de aventuras” de “La Película de la Semana” y que hoy nos ocupa: “El hombre que pudo reinar”.

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Este largometraje está basado en  el  relato del mismo título de Rudyard Kipling (1865-1936), el famoso escritor británico nacido en la India, autor así mismo de obras de referencia como el ya citado “Kim de la India” (1901) también llevado al cine, y por supuesto “El Libro de las Tierras Vírgenes”(1894) más conocido como “El Libro de la Selva”. El relato, de cuya puesta en escena hoy tratamos, fue publicado en 1888. Trazar aquí una biografía de este Premio Nobel y símbolo cultural del colonialismo británico nos ocuparía bastante espacio, así que nos conformaremos con una breve alusión a sus dimensiones de periodista, escritor o masón, recogidas también en el largometrajeobjeto de la presente reseña.

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¿Por qué reseñar “El hombre que pudo reinar”?  La respuesta podía ser otra pregunta ¿Por qué no antes? Además de la magnífica recreación de lugares, ambientes, vestimentas, el reflejo de las mentalidades es fundamental. La reflexión en torno al colonialismo, a la “civilización”, el imperialismo británico, la famosa “carga del hombre blanco” (en varios sentidos) a la que el propio Kipling se refería. Todo esto abordado con un constante sentido del humor, las frases socarronas que van jalonando el largometraje dotándolo de una ironía insuperable que ayudan además a hacer mas patente y eficaz su carga crítica.

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Por otro lado ese constante vitalismo, optimismo, espíritu de aventura, va de la mano de unas localizaciones, unos paisajes magníficos.

La película de hoy reúne todas las características del cine al que nos estamos refiriendo en los párrafos anteriores y además cuenta con razones  de peso desde el punto de vista de la pareja protagonista, Michael Caine  y por supuesto el ya citado Sean Connery, sin demasiado espacio de nuevo aquí para hablar de sus magistrales carreras (aunque ya señalamos hace unos meses titulos relacionados con este último que además abre la reseña de hoy) si a esto añadimos la figura de su director, John Huston, las razones para el visionado de este largometraje son claras.

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Este realizador, ya nos visitó en una ocasión con una obra ambientada en la Edad Media donde debutó su hija Anjelica, “Paseo por el Amor y la Muerte” y es además el responsable  de otros títulos de referencia como “El halcón maltes”, “El secreto de Sierra Madre”, “La reina de África” o“Dublineses”.

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Completan la ficha técnica el magistral director de fotografía Oswald Morris y el genial músico, autor de partituras cinematográficas Maurice Jarre, ambos galardonados en numerosas ocasiones.

Para acabar, qué mejor que mencionar  las opiniones autorizadas de dos periodistas:

Película inolvidable, cumbre del espíritu aventurero del director, y una nueva incursión en el terreno de los personajes perdedores y desengañados que se alimentan de ilusiones y de dignidad (…) Todo ello envuelto en unas imágenes bellísimas y un ritmo narrativo apabullante.

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Miguel Ángel Palomo: Diario El País.

La más bella película de aventuras de todos los tiempos“.

Maruja Torres: Diario El País.

Pedro Vizcaíno (Departamento de Geografía e Historia)

ADIVINA QUIEN VIENE ESTA NOCHE (STANLEY KRAMER, 1967)

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Una pareja de enamorados desciende de un avión que acaba de aterrizar en San Francisco y, entre mimos y arrumacos, se hacen con sus maletas y cogen un taxi. Si añadimos que ella es blanca y él es un chico de color, hoy en día no estaríamos aportando un detalle muy significativo, pero si nos vamos a 1967, estamos ante una de las películas más taquilleras del momento, llegando a los 21 millones en su estreno en EEUU y ganadora de dos Oscar, mejor actriz de reparto (KatharineHepburn)  y mejor guión original (William Rose).

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Actores de la talla de Spencer Tracy, Katharine Hepburn y SidneyPoitier, hacen de esta película una delicia, que servirá para catapultar a Katherine Houghton (sobrina de Hepburn) hacia un gran éxito profesional en el teatro y el cine.

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Personalmente me gusta mucho el clima que se crea a lo largo de la película, la música, las conversaciones llenas de cordialidad, tratando temas delicados de una forma muy elegante, la simpatía que generan algunos personajes, etc.; es una película que se disfruta desde el principio.

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Adivina quién viene esta noche es la historia  de un amor interracial, en una sociedad en la se empezaba a luchar por la igualdad de los derechos de todas las personas, pero en la que aún los mundos de “blancos” y “negros”  estaban  separados por unos límites muy claros, y este tipo de relaciones hacían aflorar muchos prejuicios en los ciudadanos.

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Matthew Drayton (Spencer Tracy) es un editor con gran prestigio, él y su esposa Christina (Katharine Hepburn) han educado a su hija Joanna ( Katharina Houghton) con unos valores poco comunes en aquellos tiempos, defendiendo siempre la igualdad entre todas las personas independientemente del color de su piel, haciendo de Joanna una persona libre de prejuicios, tanto que se enamora de Jonh Prentice(Sidney Poitier) un apuesto y elegante médico de color.

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Convencida de que sus padres, muy liberales, van a celebrar con orgullo y felicidad su noviazgo, llega a casa para presentarles a su prometido, que no está tan seguro de que las cosas vayan a ir tan bien como Joanna espera, y efectivamente, así es.  Christina no puede oponerse a esa relación, pues ve a su hija muy enamorada y feliz, sin embargo, su padre muestra cierto recelo y rechazo, es entonces cuando se desata la tormenta en forma de sustanciosas e interesantes conversaciones entre los personajes implicados.

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La familia de Jonh será invitada a cenar con ellos esa noche, con la intención de ayudar a Matthew a hacer ver a sus respectivos hijos que están cometiendo un error. Las discusiones se sucederán entre Matthewy su esposa, Matthew y un buen amigo, monseñor Mike Ryan (CecileKellawey), que trata de arrojar calma al asunto, y entre Jonh y su padre, que acaban su conversación con estas palabras:

“Papa, tú eres mi padre, yo soy tu hijo, te quiero. Pero tú te consideras un hombre de color. Yo me considero un hombre.”

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Llega la hora de la cena y Matthew ha tomado una decisión, su precioso discurso lleno de mensajes de amor hacia su mujer será la clave del desenlace de esta bonita historia.

Alicia López Cerezuela (Dpto. Biología y Geología)

PHANTASMA (DON COSCARELLI)

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Esta va a ser una reseña especial, puesto que hoy voy a hablarte de cómo una película puede transformarse en uno de esos títulos favoritos que nunca vas a cansarte de ver ya que supusieron algo especial. De hecho, Phantasma(Don Coscarelli, 1979) tiene la virtud de transportarme a otra época, cuando yo tenía entre cinco y seis años y el mundo era muy diferente.

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No había Internet, y tan solo podíamos disfrutar de un par de cadenas de televisión que emitían durante algunas horas, por lo que (si a ello le añadías el ser un niño) ciertas cosas adquirían unas tonalidades maravillosas. Y eso fue lo que me pasó con Phantasma, una película que me tenía loco ya desde su mismo título, con aquella extraña “Ph” en lugar de la característica “F”, y cuyo cartel, que me asaltó durante un paseo familiar en los porches del paseo de la Independencia, todavía lo llevo clavado en la retina.

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De hecho, no ya el cartel me parece uno de los más atractivos y originales de toda la Historia del Cine de Terror, sino que su “slogan” resulta, incluso hoy, absolutamente impactante: “Si usted no se asusta viendo esta película, es que usted está muerto”.

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¿De qué trataría aquello? ¿Quién sería la extraña mujer del cartel? ¿Por qué ese título? Mi imaginación de niño potenciaba aquellos misterios, elucubrando respuestas y posibilidades que hacían de Phantasma un atractivo misterio. ¿Pensáis que satisfacer la curiosidad era tan fácil como pagar una entrada de cine? ¡No! En aquel entonces la entrada a menores estaba prohibida para las películas calificada para mayores de 18 años.

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Y por si fuera poco, la televisión colocaba un anuncio (bueno, hoy se dice “trailer”) de la película en, por ejemplo, las pausas del 1, 2, 3 (el concurso más popular de la televisión de la época, que veíamos todos los niños) para la publicidad. Aquello era capaz de hacer enloquecer a cualquiera

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Que me contaran la película. Esa era la solución. Que mi padre (que también era aficionado al cine de terror) fuera a ver Phantasma y, al volver a casa, me contara detalladamente todo lo que ocurría en la pantalla. Y lo hizo, y bastante bien, y no sólo una vez, respondiendo de paso a todas las preguntas que yo le hacía. Así que, entre el cartel, el anuncio y aquella narración, Phantasma, uno de los grandes clásicos del cine de terror moderno, cobró vida en mi imaginación y se transformó en una de las películas que, como ya os he dicho, más me gustan.

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Sí. Phantasma, hoy por hoy, forma parte de mi colección, junto al resto de títulos de la saga (puesto que tal fue el éxito y su popularidad que son ya cinco las partes que la conforman). La he visto infinidad de veces y me conozco de memoria su pegadiza melodía. Los marmóreos pasillos de la cripta, el hombre alto, los encapuchados esclavos, la foto del cochero, los dedos que se transforman en un extraño insecto, la esfera asesina, la puerta a otra dimensión… son algunos de los irrepetibles elementos que os vais a encontrar en esta obra maestra que sustituye la falta de presupuesto por una desbordante imaginación.

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Una película única, que cuenta con legiones de fans, entre los que se encuentra J.J.Abrams, responsable de algunas de las últimas películas de Star Wars, quien no dudó en bautizar a uno de los personajes de la saga galáctica como Phasma, homenajeando a la película de Don Coscarelli.

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Y por si ello fuera poco, también le debemos la reciente actualización de la película a 4K, lejos de las borrosas texturas del vídeo Betamax en el que yo pude verla por vez primera.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Española y Literatura)

EL DILEMA DE LAS REDES SOCIALES (JAMES ORLOWSKY)

Caí por casualidad en este documental de Netflix atraída por su título. Me gustó lo de “dilema” por aquello de cuestionarme todo lo que tengo alrededor. Sí, llamadme friki, pero me gusta conocer todas las versiones, posibilidades, conductas, soluciones… De todas ellas me convence algo.

Y en este tema de las redes sociales, yo ni estoy muy puesta, ni me atraen en exceso, ni se me dan bien; y me interesan lo justo.

Empecé a usar Facebook como una herramienta de difusión y publicidad en mi trabajo. Twiter como una forma de estar al día de noticias de manera rápida y resumida, pero de la que tengo que reconocer, que pocas veces consulto y menos tiro del hilo de los twits principales que recibo. Youtube lo uso mucho para ver dibujos con mis hijos y algún video que me he grabado dando clases durante el confinamiento, en un canal, que prefiero no mentar, porque me da vergüenza la simplicidad de los videos que tengo colgados. En Instagram solo acepto a los más cercanos y aún así no cuelgo casi fotos personales porque tengo miedo de que, al hacerlo, se haga un mal uso de ellas por la cesión de la propiedad de dichas fotos que das de manera explícita al aceptar las condiciones de descarga de la red. Watshap es la que más uso. A veces tomo conciencia y me asusta las veces que consulto el móvil para ver si me ha llegado alguno. Y no considero que tenga un problema de adicción. Pero reconozco que lo miro a menudo. Desde que mi trabajo no me exige una línea de teléfono a cualquier hora, tengo por costumbre dejar el teléfono en silencio en otra habitación distinta a la que me encuentro. Incluso salgo de casa sin el móvil. Y confieso que, a pesar de que lo practico desde hace algunos años, sigue produciéndome una sensación infinita de libertad y de paz.

Recibir una notificación, sacar el móvil del bolsillo y contestar. Es un sencillo gesto que ya hemos naturalizado y que, según desvelaron ejecutivos de Apple, realizamos unas 80 veces al día. Cada vez que desbloqueamos el teléfono e interactuamos, una empresa está luchando para que pasemos más tiempo en su aplicación, ya sea WhatsApp, Instagram o Twitter. El nuevo capital es la atención. Y eso es justo lo que pretende denunciar El dilema de las redes sociales, un documental recientemente estrenado en Netflix. El largometraje de Jeff Orlowski pretende que tomemos conciencia sobre el peligro de los algoritmos, pero lo hace desde la reina de las plataformas VOD que los usa permanentemente.

Aunque no es el exceso de uso de las redes lo que me produjo mayor dilema y preocupación, sino lo que el simple uso de las mismas acarrea.

Este documental cuenta con extrabajadores e incluso creadores de Google, Twitter, Pinterest, Instagram, Youtube, Facebook… Y es de esta última red, una de las mayores banderas de la adicción en la red: el botón de “like”. A todos ellos se les pregunta por cuál es el problema de las redes. Todos explican lo que en el reportaje llaman “el capitalismo de vigilancia”. Y es que se beneficia del seguimiento de grandes empresas tecnológicas cuyo modelo es asegurar que los anunciantes tengan éxito. Es un nuevo tipo de mercado dedicado a negociar con los datos de millones de personas para mantenerlas pegadas a las pantallas. Cuantos más minutos, más audiencia y, por tanto, más inversores interesados en esa marca. Y eso es justo lo que hace Netflix. Como explican en Wired, una página especializada en tecnología, la mayoría de lo que se decide ver en Netflix está determinado por un complejo algoritmo que no solo tiene en cuenta qué ves, también qué viste hace un año, la hora del día o incluso si empezaste un programa pero lo abandonaste a los 10 minutos. La plataforma de streaming se alimenta de dos tipos de datos: explícitos, cuando el usuario señala que le ha gustado una serie, e implícitos, basados en las pautas de comportamiento. “No nos dijiste explícitamente ‘Me gustó Unbreakable Kimmy Schmidt, simplemente te bebiste la serie y la viste en dos noches, así que lo entendemos de manera conductual. La mayoría de datos útiles son implícitos”, señala Wired Todd Yellin, vicepresidente de innovación de productos de Netflix.

“Cada acción que uno realiza es vigilada y registrada. Exactamente qué imagen miras y cuánto tiempo la miras”, dice en el documental Jeff Seibert, ejecutivo de Twitter. Pero no es la única que practica estos métodos.

En el documental hablan de cómo estos algoritmos explotan las vulnerabilidades de la psicología humana, pero lo hace a través de una plataforma que tampoco queda exenta de estas prácticas. Como si Amazon nos alertara sobre que debemos fomentar la compra en comercios de barrio y al mismo tiempo continuara vendiéndonos productos con ofertas rompedoras.

Además, no hace ni una sola referencia a uno de los escándalos más importantes de la última década: el de Cambridge Analytica. Facebook perdió 37.000 millones de dólares en un solo día por verse envuelto en acusaciones de robo de datos e interferencia política. El revuelo llegó hasta el Congreso y el Senado de EEUU, donde Mark Zuckerberg se encargó de dar testimonio. Entre otras cosas, este suceso provocó que entrara en vigor el Reglamento General de Protección de Datos de la Unión Europea (GDPR, en inglés).

Otro de los aspectos en los que incide el documental es en cómo las fake news campan a sus anchas en redes sociales en general y en Facebook en particular. Jaron Lanier, informático y pionero de la realidad virtual, pone un ejemplo: “Imagina por un segundo que Wikipedia dice: ‘Vamos a dar a cada persona una definición diferente y nos pagarán por eso’. Wikipedia te espiará y calculará qué puede hacer para que esa persona cambie por algún interés comercial. Y luego cambiará la entrada. ¿Te lo imaginas?”.

Es precisamente lo que pasa en Facebook, YouTube o incluso Google, que varía el resultado de buscar términos como “cambio climático” según la localización. En redes sociales se despacha al gusto del navegante, lo cual genera microcosmos de personas con sus propias realidades y sus propios hechos. Incluso si son mentira. Con el tiempo tienes la falsa sensación de que todos coinciden contigo porque todas tus noticias piensan como tú ¿Las consecuencias? La extrema polarización de la opinión pública y el florecimiento de teorías conspiratorias.

“Es fácil pensar que solo convencen a unos pocos estúpidos, pero el algoritmo es cada vez más inteligente. Hoy te convencen de que la tierra es plana, pero mañana te convencerán de otra falsedad”, observa Guillaume Chaslot, ex encargado de trabajar en las recomendaciones de YouTube. Es algo que hemos visto con los negacionistas del COVID-19, que evitan usar mascarillas y señalan a la telefonía 5G y a Bill Gates como responsables de la pandemia para implantar microchips a través de vacunas y así controlar las mentes de los ciudadanos.

En esta época de pandemia en la que los médicos mejor que nadie nos enseñan la importancia de hacer triaje, es decir, clasificar a los pacientes en función de su dolencia y la urgencia de su atención y luchar contra el edadismo, o lo que es lo mismo, no discriminar a ningún paciente por su edad. Pues bien, creo que la verdadera pandemia es que tomarse tiempo para contrastar la realidad se ha convertido en una práctica en peligro de extinción.El pensamiento único nos destruirá como humanidad. No nos va a permitir crecer.

Mª Carmen Moliner (Departamento de Lengua y Literatura)


LOS SIMPSON

La serie muestra el día a día de una familia de clase media de Estados Unidos que vive en el pueblo de Springfield.

Los personajes principales, los miembros de la familia son: Marge, Homer, Bart, Lisa, Maggie y por último Abraham Simpson, el abuelo. Cada uno tiene su papel en la familia. Homer, el padre, trabaja en la central nuclear, está todo el día en el bar de Moe y se lleva bastante mal con Bart, su hijo. Marge, su mujer, es una maniática del orden y siempre discute con Homer. Bart, tiene ataques de hiperactividad y se mete constantemente en líos. Lisa, la hija mediana, siempre quiere ser perfecta y es muy egocéntrica. Maggie, es la hija pequeña, ha usado en ocasiones armas de fuego y también ha agredido a gente. Abraham, el padre de Homer, es el abuelo, una carga para la familia, por ello está en la residencia de Springfield. 

Los episodios más vistos son los número 128 y 129 de la temporada 6 y 7, tratan de quién mató al señor Burns, otro episodio mítico fue “El enemigo de Homer”, episodio 176 de la temporada 8, que trata de que después de que el señor Burns ve un reportaje sobre la vida de Grimes decide contratarlo en la Planta Nuclear, en el mismo sector que Homer, y es allí cuando se inician los problemas entre ellos.

Una serie larga, muy larga, pero muy, muy divertida.

Claudia Badules (3º B)

LA LIBRERÍA (ISABEL COIXET)

Hace unos meses circuló por change.org -la plataforma social de peticiones en la que individuos o grupos solicitan la adhesión de las personas que siguen esta red a causas de lo más variopinto- una petición para declarar a las librerías de toda España como un servicio esencial que abastecen de un producto de primera necesidad, los libros, de tal forma que los ciudadanos pudieran acudir a las librerías en las zonas con restricciones y limitaciones comerciales o en caso de confinamiento domiciliarios como consecuencia de la pandemia. Los promotores de la iniciativa, más bien las promotoras, pues eran mujeres quienes lanzaron esta petición, esgrimían entre otros argumentos “que los libros son siempre un buen refugio. Pero en estos tiempos que nos ha tocado vivir, para millones de personas están siendo un auténtico salvavidas en el que buscar consuelo, evasión, esperanza, entendimiento… y libertad.”

Esta petición me ha traído a la memoria una película del año 2017, dirigida por Isabel Coixet, que subraya, trasciende y hace suyo también el argumento principal de la petición que circuló por change.org: al fin y al cabo, los libros son siempre un salvavidas en los que encontrar consuelo, evasión, esperanza, entendimiento y libertad.

La película, ganadora de tres premios Goya en 2017 a la mejor película, la mejor dirección y el mejor guion adaptado, escrita y dirigida por Isabel Coixet, es la adaptación de “La librería”, una novela de la escritora británica Penélope Fitzgerald. La película retrata con ternura y sensibilidad las vicisitudes de una mujer, viuda de guerra, que, en los años 50 del siglo pasado, decide abrir una pequeña librería que le permita ganarse la vida (¡y no solo eso!) en una localidad de la costa inglesa.

Florence Green, la protagonista, hace algunos años que ha enviudado; su marido murió en la II Guerra Mundial. Juntos habían trabajado entre libros en una gran librería londinense y siempre tuvieron la idea de abrir una librería fuera de Londres. La guerra truncó ese sueño y Florence decide dejar Londres y hacerlo realidad en una pequeña localidad de la costa británica. El nombre de la localidad, imaginado por la autora de la novela, Hardborough(pueblo duro), es toda una premonición de lo que le espera a la dulce Florence. Su inocente pretensión de abrir una librería desatará, para su sorpresa, todo tipo de reacciones, y no siempre amistosas, entre los habitantes de la localidad.

Su principal antagonista, Violet Gamart, otra mujer, una de las notables del pueblo, rica, influyente y acostumbrada a que la comunidad se pliegue a su voluntad, se opondrá a que la librería se instale en el local que Florence ha alquilado y tratará por todos los medios para que desista de su proyecto. Florence sólo goza del apoyode una niña de diez años, Christine, a la que contrata fuera del horario escolar para que la ayude en la librería y con el respaldo de un hombre solitario, Edmund Brundish, un tanto misántropo, algo mayor que ella, inteligente, lector empedernido y sobre el que circulan curiosas leyendas en el pueblo que refuerzan su solitaria existencia.

Sobre esta anécdota se sustenta el desarrollo de la película. No es una película de acción trepidante. Es más bien unrelato lleno de sensibilidad, de matices, de situaciones y diálogos sutiles en los que afloran los estados de ánimo de los personajes y dejan traslucir la maldad por la maldadque los poderosos que intentan doblegar a quienes no se pliegan a sus deseos, la abrumadora indiferencia de una comunidad que se mantiene al margen de una situación tan injusta como contraproducente para sus propios intereses (el cierre de la librería). Pero también la solidaridad y quién sabe si el amor sublimado del empedernido lector solitario, el señor Brundish, que decide movilizarse frente a la arbitrariedad de Violet.

El final de la historia de nuestra librera en Hardborough es más o menos previsible dada la intensidad y la naturaleza de las fuerzas en conflicto. Aunque también hay una esperanzadora, curiosa y asombrosa sorpresa en el final de la película, no desvelamos nada si decimos que la historia acaba de forma bastante realista, es decir, de la forma en la que suelen terminar este tipo de enfrentamientos.A lo largo del metraje asistimos a la ilusión de una mujer por hacer realidad su sueño en una Inglaterra que en 1959 no ve con buenos ojos que una mujer sola tome las riendas de su destino y quiera escribirlo a su manera. Su tozudez y su verdad conseguirá inicialmente su propósito, pero la maldad gratuita, personificada en el caprichoso proyecto que Violet Garmat tiene pensado para el local en el que Florence Green ha instalado su librería, la amenazará constantemente. De esta manera, la humilde librería adquiere una importante carga simbólica como expresión de un mundo que se desmorona, en el que la cultura parece no importar a pesar de los esfuerzos de nuestra librera por conectar a los habitantes del lugar con la letra impresa que está haciendo época en ese momento en Inglaterra (Nabokov y Bradbury principalmente), aun cuando la mayor parte de las ventas que sostienen económicamente el negocio sean manuales prácticos y los textos utilitarios que compran los vecinos del lugar.

Los acontecimientos se suceden sin estridencia alguna, sin ninguna salida de tono. El desarrollo de la historia que se adivina está tratado con esa contención tan característica que de forma tópica podemos atribuir a los ingleses. El trabajo de los actores, impecable, ayuda enormemente en este sentido. Su talento, al servicio de una puesta en escena sutil y armónica, nos hace disfrutar de cuidados diálogos, de silencios y de apenas perceptibles y reveladores gestos que trasmiten la fuerza interior y las pasiones que atraviesan a los diversos personajes aun cuando exteriormente mantengan esa capa de educación y control que puede hacerlos parecer en una primera contemplación fríos y distantes.

Es una película para espíritus sensibles. Bella, trágica, que habla sobre personas que defienden la dignidad humana y la calidad de la literatura contra los prejuicios y las maledicencias de la sociedad. No gustará a todo el mundo porque la acción es prácticamente inexistente y la anécdota que la sostiene es bastante sencilla. Pero a pesar de ello, o quizá por esa razón, “La librería” es unamaravillosa metáfora de la lucha entre la mezquindad que existe en cualquier lugar del mundo y la firmeza, labondad y la fuerza de los sueños que se le oponen. Como dijo la propia Coixet, su directora, de trata de la historia de “una sociedad que distingue entre exterminados y exterminadores”.En esta desigual controversia los libros suelen ser de gran ayuda. Aunque no lo parezca.

Charo Gómez García (Departamento de Biología)

LOS BRIDGERTON (CREADA POR CHRIS VAN DUSEN)

El bullicio reina en casa de los Bridgerton. Daphne, la mayor de las hermanas, va a ser presentada como debutante ante la reina, como corresponde a una señorita de su condición social. El objetivo, formar parte de la sociedad y conseguir una proposición de matrimonio adecuada.

Tras haber sido nombrada como “el diamante de la temporada” por la propia reina, la actitud de su hermano acaba dejándola sin pretendientes, por lo que llegará a un acuerdo con el Duque de Hastings para fingir un interés mutuo que la haga más deseable y librar a este  último, que no desea casarse, de la persecución a la que se encuentra sometido por las madres de la alta sociedad.

 Como podemos imaginar la situación se complicará y aparecerán sentimientos que pondrán a Daphne en un situación comprometida.

 La búsqueda del amor, la reputación social, el honor y las obligaciones familiares se reflejan en esta serie situada en Inglaterra durante el periodo de Regencia, que cuenta con una narradora excepcional,  Lady Whistledown, una voz que, escondiéndose tras el anonimato, publica una crónica social a la que ningún secreto se escapa.

 La serie recrea de forma excepcional los elementos más estéticos  y atractivos de la época, en un desfile de vestidos, peinados, bailes y fiestas que seguro dejarán su influencia en algún detalle de nuestros vestuarios.

Selección y reseña: Patricia Chavarrías (Departamento de Lengua Española y Literatura) 

AMADEUS (MILES FORMAN)

Perdóname, Mozart, fui yo quien te destruyó” – susurró en medio de la noche un viejo gravemente enfermo. Era 1823 cuando el ex compositor de la Corte austríaca Antonio Salieri, recordó a su más talentoso rival, Wolfgang Amadeus Mozart. Y de eso va nuestra siguiente película, del recelo, de la admiración teñida de envidia, de la pelusa que da que alguien te desbanque por tener un talento innato fuera de lo común… Sin embargo, hay quienes defienden que el argumento de la misma está sólo vagamente relacionado con la verdadera realidad que los compositores vivieron en la Corte del Emperador austriaco Jose II. 

Sea como fuere, la intención tanto de Shaffer, el autor de la obra de teatro original,  como de Forman, el director de la cinta, no era plasmar una biografía oficial o documental sobre Mozart; la idea era crear una fantasía basada en un mito popular en los siglos XVIII y XIX (Mozart vs. Salieri), para así presentar el verdadero tema de la obra: el hombre en contra de Dios. De esta manera, la película construye un gran mito que para algunos seguidores de Mozart fue incluso ofensivo y se llegaron a realizar protestas en contra del papel que había tomado la productora, ya que presuntamente había contribuido a dañar la imagen de Mozart y degradarla del estatus de genio musical al de estúpido con suerte. Protestas aparte, lo cierto es que Amadeus muestra a un Mozart cinematográficamente apasionante y efectivo.

Tanta trascendencia tuvo el filme que estamos reseñando, Amadeus, estrenado en 1984, que fue todo un éxito a nivel mundial. La cinta fue galardonada con 40 premios, entre los que destacan 8 premios Óscar, 4 BAFTA, 4 Globos de Oro y un Premio del Sindicato de Directores.

Su director Milos Forman, ha sido uno de los más consagrados del séptimo arte, a pesar de no contar con una extensa filmografía. Algunas de sus cintas más laureadas han sido Alguien voló sobre el nido del cuco o la que ahora nos ocupa, Amadeus, rodada casi íntegramente en la ciudad checa de Praga. 

La película nos acerca a la vida de dos importantes personajes dentro de la música clásica, y digo clásica porque nos referimos al periodo conocido como Clasicismo, que se desarrolló entre 1750, tras la muerte de J.S. Bach y 1820, cuando Beethoven comienza a introducir sonoridades e instrumentaciones más acordes al nuevo estilo romántico. El primer protagonista es el músico Antonio Salieri, maestro de capilla en la Corte Imperial vienesa, encarnado por F. Murray Abraham, y el otro, uno de los más grandes y reconocidos compositores de todos los tiempos, Wolfgang Amadeus Mozart, en la piel de Tom Hulce. El film cuenta la vida de este último, narrada desde su rival Salieri, tanto en su infancia, su juventud hasta su muerte.

De Antonio Salieri, podemos destacar que fue un buen músico, dotado de especial talento y con habilidades para la enseñanza. Sin embargo, su nombre se ha visto ligado a una presunta (y no demostrada) rivalidad con Wolfgang Amadeus Mozart, acusado además de plagio y de haber causado la muerte del compositor salzburgués. Este acontecimiento, sin ninguna base histórica, fue recreado primero en un poema de Aleksandr Pushkin, en el que se inspiró el compositor ruso Nikolai Rimski-Kórsakov para componer su ópera Mozart y Salieri y más tarde, por el escritor británico Peter Shaffer para escribir la obra de teatro Amadeus, que inspiró directamente a Forman para rodar esta cinta. 

Y qué decir de Mozart, ese niño prodigio que fue pianista, violinista, compositor, director de orquesta… vamos, un músico completísimo. Apreciado por la realeza y la aristocracia europea, con sólo 17 años ya trabajaba en la corte de Salzburgo; sin embargo, su afán por aprender, por superarse y por ascender en su posición social, le llevó a viajar por Europa y a instalarse en Viena, cosa que no le salió del todo bien, ya que pasó por bastantes penurias económicas. Vivió en una época de grandes cambios (basta recordar la toma de la Bastilla en 1789), poco antes de su muerte, momento en que la nobleza, agonizante, agotaba sus privilegios para dar paso a la burguesía dominante. 

Volviendo a la película, decir que Amadeus narra de forma espectacular el encuentro entre la locura y la genialidad, la culpa y la envidia. Desde el punto de vista técnico es maravillosa y su banda sonora no tiene parangón. Pocas veces se ha visto en el cine una simbiosis tan perfecta entre cine y música. La historia se inicia en la Viena de 1781, cuando Wolfgang Amadeus Mozart llega a la corte a la edad de 25 años. Con su carácter un tanto infantil y un talento innato asombroso, enseguida consigue conquistar al rey pero también liberar un sentimiento de odio y pelusa en Salieri, quien desde el primer momento reconoce su terrible genialidad. Es por ello que desde el comienzo, la película se convierte en un doble relato, donde cada triunfo de Mozart supone un mazazo para Salieri, carcomido por la envidia que le provoca el saberse mediocre. Toda esa aversión, sólo podrá tener un desenlace: la muerte de su émulo.

No cabe duda de que nos encontramos ante una obra maestra de la historia de la cinematografía, llena de energía y con una espléndida narrativa. El guión es soberbio, al igual que la dirección que Forman plantea, lo que incluye al filme en la lista de títulos imprescindibles.

Selección y reseña: Ana Lahoz (Departamento de Geografía e Historia)

GRACE AND FRANKIE (NETFLIX)

Grace and Frankie es la última serie de Netflix a la que me he enganchado y que me gustaría compartir con vosotros. Pertenece al género de comedia y está creada por Marta Kauffman (co-creadora de la popularserie​ Friends​)y Howard J. Morris (​Sullivan&Son)​.ProducidaporPaula Weinstein a través de Skydance Productions, la serie está protagonizada por Jane Fonda (​Barbarella)​ y Lily Tomlin (​Extrañas coincidencias​). Al dúo de actrices las acompaña un reparto compuesto por Sam Waterston, Martin Sheen, Brooklyn Decker, Ethan Embry, entre otros. Sin duda, la serie brilla por este elenco veteranos de actores y actrices.

Como dato curioso, tengo que comentaros que Jane Fonda y Lili Tomlin son amigas desde 1980, cuando rodaron la comedia, ​Cómo eliminar a tu jefe​. Ahora, 40 años después, bordan una serie que bien puede convertirse en serie de culto como lo hizo en su día ​Friends y que nos adentra ​en la vida de estas dos mujeres septuagenarias en las que un hecho totalmente inesperado, las hace empezar desde cero.

El hecho inesperado tiene lugar en el primer capítulo de la serie cuando, Robert y Sol, esposos de Grace y Frankie, viejos amigos y socios, les piden a ambas el divorcio después de 30 años de matrimonio, para casarse, ellos dos, “ahora que se puede”. Salir del armario a los 70 es solo la premisa de esta comedia de Netflix acerca de enfrentar nuevos comienzos, aunque sea en el otoño de la vida.

Sin duda, las principales protagonistas son Grace (Jane Fonda) y Frankie (Lily Tomlin) que no pueden ser más antagónicas, Grace es una elegante, práctica y algo fría empresaria retirada, y Frankie una espiritual artista amateur, consumidora de marihuana y otras yerbas. Pero tras la hecatombe que significa para ellas el anuncio de sus futuros ex maridos, las dos deciden refugiarse en una casa playera de San Diego propiedad de ambas familias.

No puedo dejar de mencionar a Martin Sheen, que da vida a Robert, un veterano de la actuación con más de 100 producciones a sus espaldas. Entre los títulos más exitosos destacan ​Apocalypse Now y ​El ala oeste de la Casa Blanca. Por su parte, Sam Waterston, Sol, es famoso por ser un personaje de peso en Ley y Orden, la serie policiaca más longeva de la televisión estadounidense, y en ​The Newsroom.

Es curioso como esta serie que no hizo demasiado ruido en su estreno ha conseguido sobrevivir siete temporadas y enganchar a público de todas las edades. No es una serie para gente mayor aunque, las caderas rotas y la pérdida de la audición estén presentes, pero sus conflictos verdaderos son parecidos a los de cualquiera que haya pasado por la ruptura de una relación larga o quien se haya tenido que controlar para dejar de mandar mensajes a su ex cada vez que se siente triste. Es una historia acerca del paso del tiempo, pero también sobre la capacidad de reinventarse, de perdonar, de permitirse nuevos amigos y nuevos amores, a cualquier edad. Toca muchos temas actuales: LGTB, el feminismo, la amistad verdadera, la invisibilización en la sociedad actual de las personas mayores, de cómo se van enfrentando a las adversidades físicas y psicológicas de la edad, de drogas, de sexo, y de la muerte. Todo ello con mucho humor y de frente, sin rodeos.

La serie, a pesar de no haber ganado ningún premio, ha tenido varias nominaciones a los Emmy y Globos de Oros por el guión y la actuación de Jane Fonda y ​Lily Tomlin​. Ojalá la industria reconozca el trabajo que han realizado, aunque el mejor reconocimiento es llevar siete temporadas en antena y que siga funcionando. ¡No dejéis de verla!

Selección y reseña: Charo Palos (Departamento de Lengua Española y Literatura)

OKJA (BONG JOON-HO)

Bong Joon-Ho se ha hecho mundialmente famoso al ganar el premio Óscar a mejor Película y a mejor director por Parásitos en 2019, una joya del cine de nuestro tiempo indudablemente recomendable.

En Okja (2017), el director surcoreano crea una historia surrealista, pero hermosa y a la vez descarnada, una historia que interpela a cualquier ciudadano occidental.

Corea del Sur, un joven país que ha sido profundamente transformado por la industrialización y el desarrollo en solo unas décadas, es el escenario elegido para hacer una crítica de la sociedad del consumo y del bienestar en la que vivimos.

En esta película algo tan extravagante como un concurso mundial para elegir al mejor supercerdo, propuesto por una multinacional de la industria alimentaria, sirve para cuestionar los sistemas de producción, las campañas de marketing y los alimentos transgénicos.

Bong Joon-Ho muestra con valentía el contraste entre una vida sencilla y tranquila con la codicia y el consumismo propios de la sociedad occidental. Tal y como afirmó el papa Francisco en 2018: “Lo que alimenta la vida no son los bienes, sino el amor; no es la voracidad, sino la caridad; no es la abundancia ostentosa, sino la sencillez.”

En esta cruzada acompañan al director y guionista surcoreano Tilda Swinton (Michael Clayton, El curioso caso de Benjamin Button), Jake Gyllenhaal (Amor y otras drogas), Giancarlo Esposito (Braking Bad), así como Brad Pitt en la producción.

Si tienes Netflix y estás dispuesto a reflexionar sobre nuestro modo de vida no puedes perderte Okja.

Selección y reseña: Mariano Turmo (Departamento de Física y Química)

GRANUJAS DE MEDIO PELO (WOODY ALLEN, 2000)

Mi propuesta de esta semana es una divertida comedia de 94 minutos, escrita, dirigida y protagonizada por WoodyAllen, e inspirada en Rufufú (1958), una comedia italiana de Mario Monicelli.

Imaginad un ladrón ex-convicto, retirado y arruinado, un ratero que no dispone de otra motivación que la de delinquir para obtener dinero, y que por tanto decide reunir a sus secuaces para dar el “golpe definitivo”, el atraco a un banco, y por fin hacerse rico. Este simpático personaje es Ray Winkler (Woody Allen), apodado “la mente” por sus cómplices, que accederán a participar en su infalible plan, hacerse con la pizzería que está al lado delbanco y excavar un túnel para cometer el atraco. Frenchy (Tracey Ullman) es la mujer de Ray y también tomará cartas en el asunto, su rol será regentar la pizzería que será transformada en una tienda de galletas como tapadera, “Sunset Cookies”, con tal éxito y afluencia de gente que  acabará comprometiendo los planes de Ray para excavar el túnel. Tras ser descubiertos, la historia da un giro inesperado, pues aunque el plan de este mediocre ratero y sus caricaturescos compinches fracasa, el destino los lanza a una nueva aventura en un mundo desconocido para ellos, el de los ricos, donde conocerán a David (Hugh Grant) que aceptará ser su maestro para pulir sus modales y que puedan desenvolverse en la alta sociedad.

En esta película Woody Allen hace del humor un elemento constante, pero además tendrá la oportunidad de mostrarnos de forma explícita que el hábito no hace al monje, así como las hipocresías y mezquindades de las altas clases sociales, y cómo el dinero puede acabar transformando a las personas sin hacerlas más felices.

Selección y reseña: Alicia Cerezuela (Departamento de Biología)

LA SOMBRA DEL PASADO (FLORIAN HENCKEL VON DONNERSMACK)

La película de Florian Henckel von Donnersmarck, su director y guionista, remite a la historia reciente de la atormentada Alemania, pasando su protagonista, Kurt Barnett, por tres escenarios: su infancia en la época nazi, su adolescencia y juventud en la Alemania Oriental comunista y sus primeros años adultos en la Alemania Occidental capitalista. Al parecer, la trama argumental se inspira, aunque de forma muy libre, en la biografía de uno de los pintores más destacados del panorama artístico alemán actual Gerhard Richter, considerado uno de los artistas vivos más influyentes.

La película tiene un doble foco: el trasfondo es una crónica histórica, nunca profunda, de la Alemania de los años 30 y 40 -la hitleriana y de inmediata posguerra- y la de los 50 y 60 -la dividida-, que ven como se afianzan dos modelos sociopolíticos contrapuestos y, como símbolo, la construcción del muro de Berlín, ya en 1961; pero, en el primer plano vemos una reflexión sobre el poder del arte para ser un reflejo crítico y emocional de la realidad individual y colectiva.

La cinta comienza con la visita que Kurt, el coprotagonista de la película, siendo niño, hace a una exposición de arte degeneradoEntartete kunst-, un arte que englobaba y representaba todo lo que el totalitarismo nazi consideraba que no favorecía a su causa y provenía de influencias modernas acuñadas por, según ellos, bolcheviques y judíos: obras fauvistas, cubistas, dadaístas, surrealistas,… y múltiples pintores de las diversas vanguardias -en la película se ejemplifica con Kandinski- son objeto de escarnio y ridiculización por parte del régimen nazi, tal como puede verse en las primeras secuencias de la película.

La traumática vivencia del internamiento y eliminación de su joven tía Elisabeth, que se había convertido en su primera mentora, por las autoridades nazis en el marco de sus políticas eugenésicas marcará al protagonista de por vida. Es aquí donde hace acto de presencia el otro protagonista de la película, el amoral Dr. Seeband, encarnado por el actor Sebastián Koch. Él es el que personalmente firma el expediente médico que conduce a la eliminación de su tía. Sin duda, el director y guionista Florian Henckel von Donnersmarck consigue definir de forma magistral a este maquiavélico y mefistofélico personaje incapaz de asumir su pasado y sus crímenes de guerra, y, desde luego, sin ninguna mala conciencia, ni rastro de arrepentimiento.

Pero volvamos a Kurt -encarnado por el actor Tom Schilling- con un rostro inocente y aniñado. Lo encontramos, ya en plena primera juventud, viviendo y bebiendo la pócima de la represión de su creatividad en una Alemania del Este en la que sólo el realismo socialista al servicio del régimen comunista vigente está permitido.  La frustración de nuestro joven protagonista en la búsqueda  de su propia identidad artística en un ambiente imposible, termina por hacerle huir a la Alemania Occidental capitalista, donde, ya con menos trabas, comienza su búsqueda artística y personal en los ambientes artísticos de Dusseldorf. Finalmente, tras diversos intentos fallidos, Kurt encuentra sentido a su búsqueda artística rememorando una frase que su tía Elisabeth le dejó grabada a fuego sólo lo que es auténtico es bello.

En realidad, su trayectoria es la de la propia Historia del Arte -del clasicismo a lo conceptual, del expresionismo al arte pop-, terminando por componer un relato en el que se combinan los traumas individuales y colectivos de Kurt y de una parte del pueblo alemán.

Algo más de tres horas de metraje que logran emocionar, entretener e ilustrar con ayuda de unas interpretaciones notables, de una fotografía sobresaliente, que llegó a merecer su nominación a los Oscar, y de una esmerada banda sonora; técnicamente, La sombra del pasado es, en mi opinión, una película brillante y espléndida, siendo un lienzo extenso, a ratos expresionista, delicado y muy sensible. Muestra con trazos precisos y formas clásicas y académicas, un período de la historia de Alemania de la que muchos alemanes seguramente no se sienten muy orgullosos.

Selección y reseña: Fernando Lahoz.

HOST (ROB SAVAGE)

Host. Una de las sorpresas de la temporada. Una ópera prima, firmada por Rob Savage, que se realizó aprovechando el periodo de confinamiento, coordinando a las actrices a través de sus ordenadores personales. La historia, sencilla, el resultado, una bomba de relojería.

Un grupo de amigas, aburridas de estar en su casa confinadas por la actual pandemia, deciden llevar a cabo una sesión de espiritismo telemática. Como no podía ser de otra manera, lo que comienza como mero pasatiempo acaba complicándose… más de lo debido.

Un cuento de miedo tan clásico como moderno, perfecto para quienes queráis pasar cincuenta tensos minutos (sí, es una película corta). Host fue la película revelación del pasado Festival de Sitges. Una película que, aunque haya sido estrenada en salas comerciales, resulta perfecta para las plataformas de las que todos podemos disfrutar en nuestras casas. Que yo sepa, está ya disponible en Filmin, a través de alquiler, y en Movistar.

No es la primera vez que el terror nos llega a través de esas aplicaciones que todos utilizamos como Meet o Zoom. Los aficionados al cine de terror ya pudimos disfrutar no hace mucho de las dos excelentes entregas de Eliminado, que Host toma como punto de referencia. Estamos ante una variedad muy curiosa del subgénero del metraje encontrado, al que, como sabéis, pertenecen títulos emblemáticos como Holocausto caníbal, El proyecto de la bruja de Blair o Rec. En esta ocasión, el resultado final es el producto del encuentro telemático entre, como os he dicho, una serie de amigas, un grupo de jóvenes actrices que a través de sus miradas, gritos, lloros y rostros desencajados van a contagiaros su pánico. Garantizado.

Puertas abiertas a la oscuridad de la casa que os van a poner especialmente nerviosos, trampillas en el techo que hay que atreverse a abrir, pasillos en los que se ha oído ese ruidito que hay que ir a investigar, umbrales que hay que traspasar y puertas que se abren solas, misteriosamente… y como no, el apoyo de esa cámara con flash con la que vamos a descubrir que esconde la más negra de las oscuridades.

Host. Toda una fiesta. Un carrusel de suspense y sustos que juega con nuestra pandémica situación actual de inteligente manera, haciendo de ella un pretexto perfecto para confeccionar un espeluznante relato, tan moderno como un tablet de nueva generación, tan viejo como el mismo demonio.

Host. No os la perdáis… si os atrevéis.

Selección y reseña: Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Española y Literatura)

EL PROCESO PARADINE (ALFRED HITCHCOCK)

Alfred Hitchcock es uno de esos directores cuya filmografía sirve de perfecta carta de  presentación: Vértigo, El hombre que sabía demasiado, Encadenados, La ventana indiscreta, Psicosis, Los pájaros, Con la muerte en los talones son algunos de los grandes clásicos no ya de su filmografía sino de la Historia del Cine.

Nacido en Londres, la filmografía de sir Alfred queda no obstante ligada a Hollywood desde que en 1940 trabajara para el productor David O. Selznick en Rebeca (la anglosajona y la norteamericana), para quien también va a dirigir la película que hemos elegido en esta ocasión, quizás menos conocida que algunas otras que hemos nombrado, pero tan emocionante, cautivadora e intensa como su trama, que nos cuenta la historia de un abogado inglés (una de las mejores interpretaciones de Gregory Peck) que, a pesar de estar felizmente casado (Ann Todd en el papel de la esposa, regalándonos otro memorable personaje) se enamora de la mujer a la que debe defender de una acusación de asesinato (magistralmente interpretada por Alida Valle).

La película, fotografiada en un excelente blanco y negro (con algunos momentos claramente influidnos por el expresionismo) cuadra su elenco con el personaje de otro de los grandes, Charles Laughton, en el papel del juez Thomas Horfield, porque, obviamente, al margen de la carga de amor y dramatismo, esta es una película de juicios; uno de esos títulos emblemáticos que, en cierta forma, constituyen un género propio basado en la atracción que el cine siempre ha tenido por fiscales, acusados, jueces, abogados… De hecho, Gregory Peck volvió a darnos una lección de interpretación al encarnar en 1962 al abogado Atticus Finch de Matar a un ruiseñor.

En efecto, Testigo de cargo (también con Charles Laughton), Doce hombres sin piedad, Anatomía de un asesinato, Philadelphia, La caja de música, JFK o la reciente El juicio de los 7 de Chicago son algunos de los títulos clásicos que, junto a este Proceso paradine, deberíais ver si os gusta la jurídica tendencia cinematográfica.

Selección y reseña: Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Española y Literatura)

EMILY EN PARÍS (UNA SERIE CREADA POR DARREN STAR)

Emily es una joven publicista americana que, debido al embarazo de su jefa, se ve sorprendida con la posibilidad de pasar un año en París, representando a su empresa en una agencia de marcas de lujo francesa.

Sin  hablar ni una palabra de francés, pero con la cabeza cargada de romanticismo se instala en un piso bohemio de la capital francesa  y empieza su aventura.

Sin embargo, el choque cultural es inmediato, Emily es políticamente correcta y entusiasta del trabajo mientras que los franceses se dedican a la seducción y hacen del lujo y el estilo su forma de vida. Poco a poco irá encajando y aportando su visión americana al negocio, al tiempo que se aficiona a los croissants, hace amigas y se encapricha de su vecino de abajo.

Franceses guapos y bien vestidos, lugares emblemáticos de París, rincones con encanto por doquier y ese je ne saisquoi de la capital francesa nos conquistan en una serie que es como una bonita postal que no podemos dejar de mirar. Emily in Paris es cálida y agradable como un chocolate caliente, lista para edulzarnos esta Navidad.

Selección y reseña: Patricia Chavarrías (Departamento de Lengua Española y Literatura)
INTO THE WILD (SEAN PENN)

Seguro que alguna vez te has sentido saturado, sobrepasado por todas las responsabilidades, la vorágine de la forma de vida, el consumismo, el exceso de información, las exigencias familiares…y en esos momentos de deseperación, te has llegado a plantear romper con todo, irte a un lugar a reconectar contigo mismo,  con la naturaleza, encontrar tu centro y volver a empezar desde un lugar de más equilibrio. Todos estos sentimientos los aglutina Christopher McCandless, el protagonista de Into The Wild, un adolescente que no concibe la forma actual de vida, ni las imposiciones que nos vienen heredadas por nuestra cultura capitalista y egocéntrica. Por todo ello, decide darse un tiempo tras graduarse en el instituto e irse a vivir a Alaslka en plena naturaleza… y hasta aquí puedo contar.

Es una película de aventuras, que habla de romper barreras culturales, de superaciones personales, un film para reflexionar, para encontrarte reflejado por momentos en el personaje que está al otro lado de la pantalla, para disfrutar de los paisajes de naturaleza salvaje y virgen de Alaska, y finalmente, creo que nos invita a plantearnos cómo vivimos nuestra vida, ¿decidimos ser seres alienados que seguimos la estructura vital establecida o decidimos coger las riendas de nuestro destino y asumir todos los riesgos y precariedades? No creo que haya una respuesta correcta, pero sí creo que es una película que no deja indiferente a nadie, que de alguna manera u otra, te toca, y que en muchos aspectos puede llegar a conmover al espectador y removerle sentimientos profundos.

Además, está amenizada con una banda sonora de 10, de esas que querrás volver a oíren bucle, creada por Eddie Vedder, el vocalista y guitarrista del mítico grupo de grunge-rock  Pearl Jam, que nos envuelve sutilmente para meternos de lleno en la historia.

Te invito a verla y disfrutar de ella, ahora que vienen las navidades y con ella, una época de consumismo tan desmesurado, puede ser ideal, o quizás no…pero desde luego te recomiendo que la pongas en tu lista de películas para ver.

Como aperitivo te dejo el vídeo de Society uno de los temas principales de la película:

https://www.youtube.com/watch?v=4v1eOMrcQb8

Selección y reseña: Ana Palmero (Departamento de Biología)

V DE VENDETTA (JAMES MCTEIGUE) 

“Recuerden, recuerden, el 5 de noviembre…”

V for Vendetta (titulada V de Vendetta en España y V de Venganza en Hispanoamérica) es una adaptación al cine de la novela gráfica V for Vendettaperteneciente al sub sello de DC Cómics,  Vertigo Cómics, escrita por Alan Moore e ilustrada por David Lloyd.  La película fue dirigida por James McTeigue y producida por Joel Silver y las hermanasWachowski quienes además se encargaron de escribir el guión. Está protagonizada por Natalie Portman en el papel de Evey Hammond y Hugo Weaving como V.

La película toma como punto de partida la conspiración de la pólvora, ocurrida en 1605 y en la que un grupo de católicos fueron detenidos y ejecutados por intentar destruir el Parlamento inglés con el objetivo de matar al rey Jacobo I y acabar así con la persecución religiosa contra los católicos.

La trama de la película tiene lugar en un futuro ficticio, una distopía,  y muestra a V, un combatiente por la libertad que se oculta bajo una máscara de Guy Fawkes y que persigue la destrucción de un Estado Fascista ubicado en Inglaterra.

“Recuerden, recuerden, el 5 de noviembre. Conspiración, pólvora y traición. No veo la demora y siempre es la hora de evocarla sin dilación”.

El 5 de noviembre se recuerda el intento fallido de asesinar al rey Jacobo I en la conspiración de la pólvora en 1605. Guy Fawkes se convirtió en el símbolo de esta conspiración. Alan Moore integró su leyenda en la conocida novela gráfica ‘V de Vendetta’ que dio lugar a la película producida por las hermanas Wachowski.

Guy Fawkes, el personaje histórico, de reaccionario a revolucionario

Guy Fawkes (York, 13 de abril de 1570-Londres, 31 de enero de 1606), también conocido como Guido Fawkes —nombre que adoptó mientras luchaba junto al éjercito castellano—, fue uno de los integrantes del grupo de católicosingleses que intentó asesinar al rey Jacobo Ien la fallida conspiración de la pólvoraen 1605.

Fue Wintour quien presentó a Fawkes y Robert Catesby, otro católico inglés que estaba planeando asesinar al rey Jacobo Iy restaurar una monarquía católica en el trono de Inglaterra.  Fawkes junto a los explosivos. Detenido y encarcelado, en los siguientes días fue interrogado y torturado, tras lo cual finalmente confesó. Fue condenado a muerte por alta traición, pero inmediatamente antes de su ejecución pública el 31 de enero Fawkes saltó desde el cadalso en el que lo iban a ahorcar y se rompió el cuello, con lo que evitó la agonía de la mutilación que le esperaba.

Fawkes se convirtió en el símbolo de la conspiración de la pólvora, cuyo fracaso se conmemora en Inglaterra cada 5 de noviembre desde entonces en la conocida como Noche de Guy Fawkes, durante la cual se quema su efigie en una hoguera y se lanzan fuegos artificiales.

En la novela histórica Guy Fawkes; or, The Gunpowder Treason (1841), escrita por William Harrison Ainsworth, se retrata de manera simpática a Guy Fawkes, con lo que se creó una imagen popular del conspirador como «un personaje ficticio aceptable». Con el paso del tiempo Fawkes se ha convertido «esencialmente en un héroe de acción» en libros infantiles y novelas de escasa calidad como The Boyhood Days of Guy Fawkes; or, The Conspirators of Old London (Los días de infancia de Guy Fawkes; o Los conspiradores del Viejo Londres), publicada hacia 1905.

Según el historiador Lewis Call, Fawkes es en la actualidad «un gran icono en la cultura política moderna», cuyo rostro ha pasado a ser «un instrumento potencialmente poderoso para la articulación del anarquismo posmoderno”, a finales del siglo xx e inicios del xxi, ejemplificado por la célebre máscara que cubre el rostro del personaje V de la novela gráfica V de Vendetta de Alan Moore y David Lloyd y su adaptación al cine, en los cuales lucha contra un ficticio Estado Fascista inglés.

Anonymous

La máscara que utiliza el personaje, cuyo diseño está basado en los rasgos faciales de Fawkes, fue posteriormente adoptada por los miembros de la Comunidad Virtual  Anonymous  (Anónimo o Anónimos ).  Anonymous es un seudónimo utilizado mundialmente por diferentes grupos e individuos para realizar en su nombre —poniéndose de acuerdo con otros— acciones o publicaciones individuales o concertadas.

Desde 2008 Anonymous se manifiesta en acciones de protesta a favor y lucha por la libertad, del acceso a la información, de la independencia de Internet y en contra de diversas organizaciones, entre ellas, Daesh, la Cienciología, los servicios secretos, consorcios con presencia global, sociedades de derechos de autor y todos los sistemas de censura gubernamentales. En sus inicios, los participantes actuaban solamente en Internet, pero con el tiempo fueron desarrollando también sus actividades fuera de la red.

Alan Moore

Es un escritor británico y guionista de cómics,  labor esta última en la que ha destacado por sus trabajos reconocidos por la crítica y popularmente aclamados como Watchmen, V de Vendetta, From Hell y The League of Extraordinary Gentlemen.

Ha sido catalogado como el «mejor escritor de historietas de la historia»

La obra de Alan Moore ha tenido numerosas adaptaciones no sólo al cine. Ha sido adaptada al teatro y se ha compuesto música inspirada en esta obra.

La película nos deja grandes frases que nos hacen reflexionar:

Justicia, igualdad y libertad son algo más que palabras, son metas”

El pueblo no debería temer a sus gobernantes, son los gobernantes los que deberían de temer al pueblo”

Nos dicen que recordemos los ideales, no al hombre, porque un hombre se puede acabar. Pueden detenerle, pueden matarle, pueden olvidarle, pero 400 años más tarde los ideales pueden seguir cambiando el mundo”

Nadie olvidará esa noche y lo que significó para el país. Pero yo nunca olvidaré al hombre y lo que significó para mí”

Selección y reseña: José García (Departamento de Orientación)

SOMBRERO DE COPA (MARK SANDRICH)

En 1935 el cine ya era sonoro, por lo que el prodigio pudo obrarse gracias a la perfecta fusión de dos figuras del baile: Fred Astaire y Ginger Rogers.

Sombrero de copa es un clásico del género musical. Su tono amable y ligero, salpimentado con bailes y canciones constituyeron un patrón a seguir en otros títulos, también inolvidables, como New York New York o Cantando bajo la lluvia; dos películas que, a diferencia de esta, presentaban sus elaboradas coreografías a todo color.

Lo que menos importa de Sombrero de copa quizás sea su trama, una comedia de enredo basada en la confusión de personajes (como suele ser habitual en el género) que, en el fondo, (como también suele ser habitual) es una bonita historia de amor. Sin duda, lo más significativo es su apuesta por la elegancia (todo transcurre en ambientes selectos y todos los personajes visten y hablan con una perfección inmaculada) y, sobre todo, esos momentos mágicos e irrepetibles en los que ambos protagonistas nos hacen abandonar este mundo para trasladarnos al paraíso a través de su baile.

Como todas las grandes películas, Sombrero de copa ha sido reutilizada por el propio cine en multitud de ocasiones, si bien yo destacaría dos: el momento en el que en La milla verde John Coffey se emociona disfrutando de la película en una sesión carcelaria y, sobre todo, el bonito homenaje que José Luis Garci dedica en Tiovivo al número musical central de la película en su también impecable escena de cierre.

Selección y reseña: Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Española y Literatura)

COBRA KAI

Cuando Miguel Díaz es atacado por un grupo de adolescentes, Johnny Lawrence le rescata y finalmente accede a su petición de enseñarle kárate para defenderse de sus acosadores. Es así como Johnny se convierte en sensei y empieza a formar a su discípulo tal como él fue entrenado en su día.

Esta motivación le empuja a abrir un dojo al que llama Cobra Kai, como su antigua escuela, lugar que conseguirá atraerá a los inadaptados del instituto de Miguel, necesitados de superar la autocompasión para ser capaces de defenderse a sí mismos y enfrentarse a sus miedos y a sus enemigos.

Pero All Valley es un lugar pequeño, y Johnny se cruza con su antiguo rival, Daniel Larusso, quien le venció en el torneo final cuando ambos competían en su juventud y se despertará la vieja rivalidad entre ambos.

Daniel representa el kárate blanco, el equilibro entre el cuerpo y la mente aprendido gracias a su maestro Miyagi, mientras que Johnny fue entrenado en Cobra Kai bajo el lema “sin piedad”, pero si bien los métodos de Johnny no son en absoluto ortodoxos,  ahora su dureza salvará a los más débiles. Finalmente cada uno de ellos encontrará un joven discípulo al que formar.

Cobra Kai, como secuela de The Karate Kid atraerá a aquellos que la disfrutaron en su momento pero seguro que también consigue atrapar a las nuevas generaciones  que buscan su sensei.

Selección y reseña: Patricia Chavarrías (Departamento de Lengua Española y Literatura)

VIAJE A LA LUNA (GEORGE MÉLIÈS, 1902)

Hubo una época, mucho antes de Netflix, HBO o Amazon Video, en el que el cine no se grababa en formato digital, ni tan siquiera era en color, ni tan siquiera tenía sonido. Hubo una serie de pioneros, de directores que, partiendo de cero, sentaron las bases de uno de los mayores entretenimientos de nuestros días.

George Méliès era, antes que cineasta, un ilusionista, un mago enamorado de lo imposible. Así las cosas, decidió llevar a la pantalla una de las más hermosas novelas de otro gran soñador, Julio Verne (de quien te hablo, por cierto, en la reseña de esta semana), gracias a una serie de trucajes cinematográficos que, hoy por hoy, son seminales respecto del sofisticado mundo de los efectos especiales. Méliès, como Segundo de Chomón, como luego Griffith, o Keaton, o Eisenstein, o Chaplin, lo hizo todo partiendo de nada, basándose en algo común a los creadores citados: su inmenso talento.

Viaje a la luna, vista hoy, tiene la belleza y la fuerza de las historias de los viejos pergaminos. En sus escasos quince minutos de duración se intuyen infinitas posibilidades narrativas que, poco a poco, el cine posterior irá explorando, apartándose cada vez más de esa puesta en escena teatral que resulta tan obvia como encantadora en este gran clásico de todos los tiempos.

Es uno de los primeros títulos del cine de Ciencia Ficción (tan visionaria para la Historia del Cine como lo fue Frankenstein en la Historia de la Literatura), inaugurando una larga lista de clásicos en donde nos encontramos títulos del calibre de La guerra de los mundos, 2001, Star Wars o The Matrix.

Si te gusta el cine y tienes curiosidad por conocer el origen de las cosas, no debes perderte esta obra maestra cuyo enlace tengo a bien facilitarte.

https://www.google.es/url?sa=t&rct=j&q=&esrc=s&source=web&cd=&ved=2ahUKEwiB09b49frsAhVwVBUIHU0uBMwQyCkwAHoECAoQAw&url=https%3A%2F%2Fwww.youtube.com%2Fwatch%3Fv%3D5_xcB0-y10E&usg=AOvVaw0KufPFTHcK1aIyxUinMxo1

¡A disfrutarla!

Selección y reseña: Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Española y Literatura)

ROBIN Y MARIAN (Richard Lester, 1976)

Vuelve de nuevo la Edad Media a La película de la semana, periodo histórico que no ha faltado en estas reseñas cinematográficas. Recordemos La papisa Juana,  Paseo por el amor y la muerte o  El séptimo sello.  Por supuesto hablamos  de algunos aspectos de este periodo en el Cine  al visitarnos las dos primeras. En aquella ocasión, me referí también a  películas situadas en ambos periodos (inicios y finales de la Edad Media respectivamente) Sin embargo ésta, abarca la Edad Media “plena”, “clásica”  donde se encontrarían también las basadas en relatos de Walter Scott (Ivanhoe, donde aparece el propio RobinHood, o El Talismán). También la época de las Cruzadas  con una muestra homónima a cargo de Cecil B. de Mile y otra (El reino de los Cielos) de mano del también citado Ridley Scott.

Pero en este caso la figura de Robin Hood bien merece una reseña más detallada. La leyenda del bandido del bosque de Sherwood, aunque situada a fines del siglo XII, se rastrea ya en el siglo XIV. Los hechos que narra se desarrollarían durante el reinado de Eduardo II, es decir más de un siglo después de la historia tradicional que conocemos, en época de Ricardo Corazón de León. El investigador Joseph Hunter, lo relaciona con  el sobrino de un herrero al servicio de un noble y ya lo situaría en Locksley. participando en una revuelta acaudillada por el conde Thomas de Lancaster. Sin embargo será en 1459, cuando el escritor Wyrkin de Worde, en su “Pequeña gesta de Robin Hood”, lo hace aparecer como Robin o Rober Frizhood, conde de Hunttington y sitúa sus andanzas hacia 1160, como un noble desposeído que lucha por recuperar su título. Hacia 1226 aparecen documentos que hablan de un tal Robert Hood como fugitivo de la Justicia. En 1324 volvería a aparecer un Robin “real” en documentos que hablarían de  percepción de salarios de palacio. En cualquier caso podemos suponer, que la leyendase inspira en la existencia de bandas armadas formadas por campesinos y leñadores que se dedicaban tanto al pillaje como a hostigar a la nobleza, tras el triunfo de la invasión normanda, en el siglo XI.

Queda así de manifiesto, que entre el reinado del rey Juan (finales del siglo XII)  y el siglo XV, se sucederían, canciones, baladas y leyendas en las que el nombre de Robin Hood, bien como un personaje concreto o genérico sería habitual en el folklore inglés. Tanto Hood, como Hod  o Hoder eran apellidos habituales entonces; lo mismo sucedía con nombres como Robert o Robin  (hay evidencias de al menos 8 personas antes de 1300 se les aplicó este seudónimo).  A partir de entonces versiones, recreaciones y numerosas investigaciones, intentan apoyar la existencia de dicho personaje.

Volviendo a la Cinematografía, por supuesto hice alusión al “subgénero” Robin Hood, aunque en este caso, citaré más ejemplos. La primera vez que aparece el personaje que hoy nos ocupa en el Cine es en el cortometraje mudo Robin Hood and his Merries Men (1908) dirigido por Percy Stow, tres versiones más nos encontraríamos hasta la más conocida aún en el mudo  de 1922 de la mano del realizador Allan Dwany del actor Douglas Fairbanks.  El año siguiente se produjo una versión titulada Robin Hood and Maid Marian. Será sin embargo,  a finales de la década siguiente, cuando el personaje fije su imagen para gran parte del siglo XX con su imagen más clásica en la versión de Michael Curtiz (1938) con Errol Flynn y Olivia de Havilland al frente del reparto. Habrá que esperar hasta la década de los 90 (Robin Hood, príncipe de los ladrones y  Robin Hood el magnífico), ambas de 1991 para volver con obras de referencia dentro de dicha visión clásica el personaje. En medio series B de varias nacionalidades, parodias e incluso una película de Dibujos Animados de la productora Disney de 1973.   Por otro lado,  algunas series británicas desde los 50 hasta hoy. Ridley Scott haría la última aportación a dichos largometrajes con su versión de 2010 interpretada por Rusell Crowe y Cate Blanchett.

Para finalizar mi referencia a la Edad Media en su aspecto cinematográfico,  remito  al ensayo “La Edad Media en el Cine”, escrito por  J.J. Alonso, E.A. Mastache y J. Alonso Menéndez.

El largometraje que nos ocupa representa quizá la mejor película de su director, Richard Lester(Filadelfia, 1932),  director de las películas de The Beatles, además de Golfus de Roma (ya proyectada en “Cine e Historia”) y algunas versiones muy personales de “Los tres mosqueteros”. Nos lleva a una Edad Media más real, cotidiana con una recreación muy detallada de ambientes, vestuario, mentalidades, etc. (aunque pasado por la especial visión de Richard Lester), donde se rompe el mito del “buen rey Ricardo” y los héroes no son tan infalibles.

En cualquier caso, esta película es un pretexto para glosar la figura  del magnífico Sean Connery(Edimburgo, 1930- Nasau, Bahamas 2020), que desde sus orígenes humildes pasó por diversos empleos tan dispares como repartidor de leche, conductor de camión, socorrista, futbolista o modelo. A finales de los años 50 empezó a trabajar como secundario en diversas producciones. Su oportunidad le llegó en 1962, cuando fue elegido para interpretar el papel de James Bond en la primera película del Agente 007: Dr.No. A partir de ahí su carrera fue imparable (representando en varias ocasiones a dicho agente) y difícil de resumir en pocas líneas. Me referiré tan solo a algunas de las películas de “recreación histórica”: El nombre de la Rosa (por la que recibió un premio BAFTA), El hombre que pudo reinar, El viento y el león o Los intocables(por la que recibió su único Oscar).

Desde joven, estuvo muy vinculado a la causa soberanista escocesa, aunque curiosamente, desde hace unos años había fijado su residencia en Bahamas.

Volviendo
a
Robin y Mariam, ¿qué decir de la pareja protagonista junto a Sean Connery, Audrey Hepburn? Dos estrellas de referencia en la Historia del Cine. Aparte de sus famosísimas Vacaciones en Roma, Sabrina,  Desayuno con diamantes o  Dos en la carretera  Dentro de sus  “películas de época” citaré Guerra y Paz (1956), el western  de  John Huston Los que no perdonan (1960) y  My Fair Lady(1964).

Completarían el reparto actores tan solventes como Robert Shaw,  Richard Harris, Nicol Williamson, Delhom Elliot, Ian Holm o una jovencísima Victoria Abril, pues como otras películas de Lester, fue rodada en España.

Una película muy recomendable para tener una visión distinta de la leyenda de Robin Hood y de la Inglaterra medieval y cómo no, nuestro pequeño homenaje a ese enorme actor que fue Sean Connery.

Selección y reseña: Pedro Vizcaíno (Departamento de Geografía e Historia)

MISTERIOSO ASESINATO EN MANHATTAN (Woody Allen)

Catalogada en el género de comedia negra, Misterioso asesinato en Manhattan combina la
intriga y la tensión del suspense propios de cualquier película de Alfred Hitchkock, me viene a
la cabeza La ventana indiscreta, con el humor inteligente que suele caracterizar a los
personajes protagonizados por Woody Allen. El resultado, ciento cuatro minutos de entretenimiento
que te atrapan por la curiosidad que despierta sobre lo que va a pasar, los ingeniosos chistes
que se suceden durante toda la película, el ambiente neoyorquino, los diálogos enérgicos, las
numerosas escenas cómicas, etc.

Woody Allen y Diane Keaton interpretan, brillantemente, a Larry y Carol Lipton, un matrimonio
consolidado pero anclado en la rutina y el aburrimiento. El hijo fruto de su matrimonio ya es
independiente, ellos se encuentran en la mediana edad y se percatan de que sus intereses
personales son muy diferentes y empiezan a tener lugares comunes con otras personas.

Una noche en la que los Lipton regresan a su piso en Manhattan, se topan con unos vecinos a
los que no conocían, Paul y Lillian House, un matrimonio de avanzada edad muy agradable y
aparentemente bien avenido. Entablan conversación y se generan simpatías recíprocas. Al día
siguiente Lillian muere repentinamente de un ataque al corazón. Será la actitud extraña de
Paul, que no parece tan afectado como cabe esperar, junto a la necesidad de añadir algo de
emoción a su monótona vida, la que despierte en Carol las dudas sobre las circunstancias en
las que se ha producido dicha muerte y la inciten a iniciar por su cuenta, no sin la
desaprobación de su marido (la acusa de fantasear), una investigación para esclarecer los
hechos.

Carol se verá apoyada por Ted (Alan Alda), un viejo amigo que se deja embaucar por sus
sospechas, a la vez que ve una oportunidad de pasar más tiempo juntos. Esta situación avivará
aún más los celos de Larry, que a su vez mantiene una estrecha relación de amistad con una
escritora, Marcia Fox (Anjelica Huston). Se cierra aquí el bucle de celos de la pareja.

Un hecho inexplicable hará que Larry empiece a tomar en serio la posibilidad de un posible
crimen, e iniciará una aventura detectivesca con su mujer. Los cuatro, Carol, Larry, Ted y
Marcia urdirán un plan para “pescar a su sospechoso”.

¿Te vas a quedar sin saber qué pasó?

Selección y reseña: Alicia López (Dpto. Biología y Geología)

AWAY ( JESSICA GOLDBERG)

El mundo se prepara para la primera misión tripulada a Marte por parte de un equipo internacional que poco a poco irá encajando sus distintas perspectivas y caracteres.

Aunque al principio parece que estamos ante una serie de ciencia ficción, pronto veremos que el aspecto emocional de cada uno de los personajes es una parte esencial en la trama, pues nuestras experiencias condicionan inevitablemente quienes somos y cómo actuamos en situaciones límite.

Emma, astronauta y comandante, es una mujer tranquila y conciliadora, que consigue consolidar su liderazgo a pesar de las reticencias iniciales de otros miembros que no la consideran suficientemente fuerte.

Por su parte,  el ingeniero Mischa, al comienzo duro y hosco  y la química Lu, de carácter analítico, provienen de países autoritarios, y están acostumbrados a poner el interés de su país por encima de sus sentimientos personales.

Todos ellos han dejado en la tierra a alguien que aman en busca del sueño dE pisar el planeta rojo y han pagado un precio por ello.

Kwesi, es el personaje más dulce, adoptado por una pareja de judíos, este británico-ghanés es el novato de la expedición y ofrecerá su fe para conseguir esperanza en los momentos difíciles.

Ram, fiel aliado de Emma, es el personaje más solitario, alejado de su familia desde la muerte de su hermano de la que se siente culpable, irá descubriendo el amor.

En esta difícil misión, con un 50% de posibilidades de supervivencia, donde se encuentran solos ante cualquier imprevisto contarán con un aliado en la Tierra, Matt, el marido de Emma, que trabaja en la NASA, y no desfallecerá intentando buscar soluciones a los problemas a los que se enfrenta la tripulación en una aventura trepidante en la que vamos sintiendo la lejanía del planeta azul cada vez más, así como la inmensidad del espacio y el afán de superación del ser humano.

Selección y reseña: Patricia Chavarrías (Departamento de Lengua Española y Literatura)

LO QUE EL PULPO ME ENSEÑÓ (PIPPA EHLRICH Y JAMES REED)

Esta película documental ha sido dirigida por Pippa Ehlrich y James Reed, y ha sido lanzada al público a través de la plataforma Netflix en el verano de 2020. En ella el productor y cineasta Craig Foster comparte el papel de protagonista con un pulpo hembra de la especie Octopus vulgaris (pulpo común).

La película se desarrolla en las costas rocosas del cabo oeste de Sudáfrica, donde se mezclan zonas de oleaje intenso, con remansos de paz como son los bosques poco profundos de algas en los que predomina el kelp, un alga de gran tamaño con hojas grandes y alargadas que bambolean al compás de la corriente disminuyendo su fuerza y creando las condiciones idóneas para albergar una gran cantidad de vida.

El protagonista humano tras pasar un periodo de estrés debido al excesivo trabajo y las preocupaciones cotidianas decide regresar a los momentos más felices de su infancia para intentar recuperar la ilusión su profesión. Y sobre todo lograr desconectar de sus problemas haciendo lo que más le gustaba de pequeño, bucear. En sus inmersiones, Craig transmite una emotiva pasión por el mundo submarino involucrando al espectador, que observa cómo se fusiona con el medio natural al prescindir de botella y neopreno, llevando solo lo imprescindible para realizar apnea. Es como un anfibio que nos va descubriendo las maravillas de un bosque tridimensional en el que no existe la gravedad, flotando así en todas las direcciones con movimientos de cámara suaves y elegantes que descubren una infinidad de seres vivos espectaculares, desde los más sencillos como las medusas y ctenóforos, hasta vertebrados escuálidos como los tiburones pijama que no presentan ningún peligro para el ser humano, pero son los principales depredadores de pulpos en estos lugares.

Durante una de las inmersiones Craig divisa en el fondo una forma extraña que le fascina, parece un amasijo de diferentes conchas que se va moviendo lentamente, coge aire para alcanzar el fondo y descubre en realidad que se trata de un pulpo. Se queda fascinado al instante por su gran mimetismo, y la expresividad de su mirada, con esa pupila extraña de forma rectangular que parece desconfiar de su inesperada presencia.

Craig sale en búsqueda del molusco cefalópodo todos los días durante un año, tiempo que dura su aventura con su amigo invertebrado, representando casi el 80% de la vida de este animal de aspecto alienígena y de inteligencia comparable a la de un perro o un gato, algo totalmente inquietante en la línea de la evolución.

Ambos coprotagonistas crean un vínculo muy íntimo del cual el espectador se hace partícipe gracias al excelente equipo de imagen que consigue unos maravillosos primeros planos, una nitidez absoluta aún a pesar de la espesura de sedimentos en el agua, colores vibrantes y texturas totalmente apreciables y casi palpables desde el sofá. Incluyendo además una narrativa sencilla, emotiva que llega directa al corazón del telespectador.

Durante el recorrido de los 90 minutos del documental, el espectador va a vivir diferentes emociones acordes con las experiencias que van surgiendo en la vida del pulpo y paralelamente en la del cineasta/actor. Observando como los problemas se diluyen en el bosque de algas macroscópicas y despertando el interés por el entorno natural y los seres que en él habitan.

Se trata sin duda de una gran obra en este género documental que incita al espectador a iniciarse en el descubrimiento de los ambientes submarinos o en aumentar la frecuencia de práctica en los ya iniciados en esta disciplina. Fomentando siempre el respeto por todos los seres que allí habitan y dejando un mensaje de conciencia importante de conservación.

Selección y reseña: José Antonio Sanz (Departamento de  Biología-Geología)

LA CASA DE LAS FLORES (MANOLO CARO, 2018 – …)

Si algo bueno me trajo el confinamiento, fue una suscripción a Netflix. Llevaba algún tiempo con la idea por la cabeza, pero hasta que no llegó el Coronavirus no lo hice. Aprovechaba cuando dormía la casa para empezar mi sesión nocturna de series. 

La primera serie con la que me topé fue La casa de las flores. No sabía nada de ella. Nadie me había hablado de la serie. Así que mi decisión vino marcada exclusivamente por la gran Verónica Castro. Hacía años que no la veía en una telenovela, supongo que desde Amor prohibido. Los de mi generación la recordarán por Los ricos también lloran que hizo que adquiriera una gran popularidad. 

Sí, durante mi infancia y adolescencia me ví todas las telenovelas que ponían por la televisión: mexicanas, argentinas, españolas. Y no, no tengo ninguna vergüenza en admitirlo.

La serie está dividida en tres temporadas más dos capítulos especiales. Narra la historia de la familia De la Mora, regentes de una florería (sí, florería y no floristería) con mucha historia familiar. Lo que llama la atención es que cada capítulo tiene el nombre de una flor y su significado. Sin ánimo de hacer spoilers, el primer capítulo lo dedican al narciso que simboliza la mentira. 

Todo arranca con un suicidio y, poco a poco, se va deshaciendo ese ovillo de lana en el que empiezan a salir las miserias humanas. La familia De la Mora, de cara a la galería, se pinta perfecta, pero por dentro son un cúmulo de pecados capitales y de mundos alternativos. Recuerda un poco al universo de Pedro Almodóvar.

La estética, la música, México, Madrid, las flores…todo te atrapa. Pero sin duda, sin menospreciar a Verónica Castro, mi mayor descubrimiento fue Cecilia Suárez.¡Qué delicia! ¡Qué belleza de ser! Su particular forma de hablar, ha dado mucho de sí. Y tengo que deciros que, algunas veces, la imito cuando hablo con alguna de mis amigas. Pero, más allá de esa característica, Paulina De la Mora, es la protagonista indiscutible de esta serie. Es la columna vertebral que intenta que la familia no se desuna, que todo siga como antes y de que se mantengan las apariencias de cara a los demás.

Si sois unos frikis como yo de las variedades diatópicas del español, os recomiendo que veáis el capítulo en el que el hijo de Paulina, mexicano de nacimiento, intenta imitar el acento madrileño. Resulta tan ridículo que hace reflexionar. ¿Se escuchará tan ridículo cuando nosotros decimos “güey”, “órale” y  “¡Qué padre!”? Seguro que sí. 

Lo que más me ha gustado es cómo trata temas con la aceptación del yo y de las diferentes orientaciones sexuales; de cómo en esta vida uno debe decir la verdad y de ser sincero con los demás, pero sobretodo con uno mismo. De lo importante que es despojarse de las cosas que nos restan en nuestro día a día y quedarnos solo con lo que nos suma. De que no hay nada mejor en la vida que ser una buena persona, aunque a veces la vida se nos tuerza y nos lo ponga difícil.

Como he dicho antes, la serie muestra mundos y submundos: descarnados, complejos, situaciones, a veces, incómodas. Hay que tener una mentalidad abierta y madura. Por estas razones, la recomiendo para mayores de 15 años. 

Selección y reseña: Charo Palos (Departamento de Lengua Española y Literatura)

ALIEN (RIDLEY SCOTT, 1979)

A finales de los años 70 el cine fantástico todavía estaba ligado, mayoritariamente, a producciones de bajo presupuesto que confiaban en la buena fe de los espectadores para perdonar efectos escenográficos poco elaborados. Alien irrumpió con fuerza en dicho panorama, sirviendo desde los parámetros de la superproducción una historia de terror ambientada en una remota galaxia.

Desde los primeros planos de la película, Ridley Scott ponía su inimitable talento visual al servicio de una trama llena de sorpresas que irían constituyendo algunos de los momentos e iconos más memorables del cine de género de las últimas décadas, pasando incluso a formar parte de la cultura popular. ¿Quién no reconoce, hoy por hoy, a la despiadada criatura alienígena de lengua asesina, protagonista no ya de un buen puñado de películas sino también presente en tebeos, novelas, videojuegos, camisetas…?

Sin embargo, quizás no sepas que, en origen, Alien era un guión, escrito por Dan O’Bannon e inspirado en una película italiana dirigida por Mario Bava que se titulaba Terror en el espacio. Fue el propio Ridley Scott quien, tras leerlo, intuyó las tremendas posibilidades de aquella idea, que terminó cristalizando en un título de enorme personalidad gracias a la labor de H. R. Giger, uno de los artistas europeos más originales del momento, en quien Scott confiaba plenamente.

De hecho, Giger fue quien diseñó tanto el monstruo como el universo orgánico y oscuro, letal para cualquier humano, en el que transcurre la película.

La elección de los actores supuso también todo un acierto, catapultando a Sigourney Weaver al estrellato, siendo uno de los primeros títulos que jugaban con el concepto de heroína superviviente, eliminando, de manera inesperada en aquel entonces, al supuesto protagonista masculino a la mitad del metraje.

Además, el diseño de sonido (los chirridos de la nave, los gases del planeta alienígena, los gemidos de la criatura…) contribuían de manera indisoluble a crear una atmósfera asfixiante intensificada por la memorable banda sonora que Jerry Goldsmith compuso para la ocasión.

Alien. Una obra maestra en estado puro. Una película irrepetible, de las que no te vas a cansar de ver. ¿Qué me dices? ¿Que no la conoces? ¿Qué nunca la has visto? ¿Y a qué estás esperando? Deja de leer esto inmediatamente y corre a disfrutarla, pero, antes, recuerda que “en el espacio nadie puede oír tus gritos”.

Selección y reseña: Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Española y Literatura)

EL PEQUEÑO LADRÓN (ERIC ZONCA, 2002)

Tras La vida soñada de los ángeles, el director Érick Zonca sorprendía con una película directa, breve e intensa, que exponía los avatares de un chiquillo marginal en la “Europa de bien”. El pequeño ladrón tomaba el testigo del neorrealismo italiano y parecía querer hablar en la misma jerga que utilizara Luis Buñuel en Los olvidados para hablarnos de la realidad de un mal intrínseco a toda sociedad: la pobreza, el hambre y la necesidad.

El pequeño ladrón es una de esas películas que, cámara en mano, perpetra una ficción de carácter documental, capaz de abrir una ventana para que el espectador se asome a esos pozos que lo rodean y en los que quizás no haya reparado.

En apenas 70 minutos, Zonca nos contaba una historia terrible, de incómodo final (como no podía ser de otra manera) que ligaba al director a otros grandes nombres del cine actual ligados al realismo: los hermanos Dardenne, Luis Rosales o Lars Von Trier por citar algunos ejemplos.

Una pequeña obra maestra, filmada desde los parámetros del bajo presupuesto, que recuerda como el género picaresco sigue estando de moda, siendo un fenómeno universal, con la misma carga amargo dramatismo que lo caracteriza.

Selección y reseña: Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Española y Literatura)

TENET (Christopher Nolan, 2020)

Hoy te voy  a recomendar una película apasionante, que acaban de estrenar en salas comerciales y que esta dando mucho, muchísimo de lo que hablar: Tenet. Te habrás dado cuenta de que Tenet es una palabra reversible, que tiene el mismo sentido leída de derecha a izquierda que de izquierda a derecha, introduciendo de esta original manera, ya desde el título, la concepción del tiempo con la que Christopher Nolan (guionista y director de la película) juega, de nuevo, en esta nueva propuesta cinematográfica.

Una palabra original para una película muy especial dentro del habitual panorama cinematográfico, y es que Tenet es una propuesta muy diferente respecto del cine comercial de gran presupuesto, dado que, al igual que ya hiciera en Origen o en Interestellar, Christopher Nolan se atreve a facturar una película de autor con el empaque de una superproducción, un título cuya complejidad conceptual choca con la espectacularidad de sus imágenes, por lo que puede provocar un cataclismo en un gran público que quizás se siente en las salas a disfrutar de sus palomitas sin esperar la exigencia que, prácticamente desde el primer minuto de proyección, este original director impone al respetable.

No hay que engañarse, como te digo, Tenet es una película exigente, que le pide al espectador una atención máxima e incluso un cierto conocimiento acerca de aspectos relacionados con la física cuántica, la teoría de la relatividad, los viajes temporales, las dimensiones paralelas… Como si Albert Einstein o Stephen Hawking se fueran de aventuras con James Bond. ¡Alucinante!

Si admitís tan apasionante propuesta os veréis envueltos en una concatenación de grandes escenas, perfectamente orquestadas, donde se alternan los tiroteos, las persecuciones en automóviles, las peleas imposibles, los robos de aviones y las grandes explosiones; es decir, Tenet no da la espalda a la complejidad temática pero tampoco lo hace con el más puro cine de evasión.  Además, gracias al juego de la paradoja temporal, la película alcanza en algunos momentos unas novedosas e insólitas cotas de originalidad audiovisual. Como suele decirse: vais a ver lo nunca visto. Una película para saborear en más de una ocasión, casi concebida con el propósito de ser revisada para poder ir descubriendo los recovecos que tan solo vislumbramos en un primer visionado.

Al margen de lo dicho, a tener en cuenta las excelentes interpretaciones de todo el elenco, destacando a un John David Washington que por momentos evoca la posibilidad, todavía no explorada por el cine, de un James Bond interpretado por un actor de color; una Elisabet Debicki de magnética belleza, que sabe transmitir perfectamente debilidad y fortaleza; un Robert Pattison que a cada nueva película se reafirma como uno de los grandes actores del panorama actual, en la antesala de ese nuevo Batman que todos esperamos con grandes ganas; y, sobre todo, yo destacaría la labor, que me atrevería a calificar de magistral, de Kenneth Branagh, el gran villano de la función, que sabe construir un personaje tan carismático y complejo como, por momentos, absolutamente aterrador.

Como en otras películas de Christopher Nolan, os vais a encontrar a ese secundario de lujo que es Michael Caine y una banda sonora que corre a cargo de Ludwig Goransson, responsable entre otras de la magnífica música de la serie de televisión The Mandalorian y que para Tenet ha compuesto un “score” que sabe ajustarse perfectamente a las imágenes, fusionando y apoyando perfectamente las mismas, creando esa atmósfera especial que podríamos denominar “made in Nolan”.

Por cierto, estupendo también el diseño y la edición del sonido, siendo, desde mi punto de vista, uno de los mejores trabajos al respecto que he tenido la suerte de disfrutar en una sala de cine en los últimos años.

Tenet. teneT. No os la perdáis.

Selección y reseña: Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Española y Literatura)

Bajo la misma estrella (Josh Boone)

He elegido esta película porque me parece muy bonita y muestra que da igual como seas, si padeces alguna enfermedad… que siempre se puede salir adelante, que puedes tener a una persona que te quiera a pesar de todo lo que tú crees que son defectos.

Bueno, esta película está protagonizada por una chica llamada Hazel Grace Lancaster y un chico llamado Augustus “Gus” Waters. Hazel padece cáncer de tiroides y Gus perdió su pierna derecha a causa de una enfermedad llamada osteosarcoma. Los padres de Hazel la llevaron a un grupo de apoyo donde había más gente que padecía problemas como ella. Allí fue donde conoció a Gus. Se hicieron amigos y empezaron a quedar. Como bien dice aquella frase de “el roce hace el cariño” ambos se enamoraron, y contra más tiempo pasaban justos más se enamoraban. Todo era genial hasta que un día ocurrió algo y nunca volvió a ser como antes.

Selección y reseña: Nerea Sisamón (3º C)

La casa de papel (una serie creada por Álex Pina)

La casa de papel es una serie que ha enganchado a millones de personas en todo el mundo. Por el momento, esta serie consta de cuatro temporadas, y todos esperamos con ansias que saquen la quinta.

Esta serie trata de un hombre llamado “El profesor” que recluta a una serie de habilidosas personas buscadas por la policía por numerosos delitos, que por lo tanto, no tienen nada que perder. El objetivo del profesor es llevar a cabo un atraco a la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre, y para ello, El profesor y dichas personas, a las que nombra con nombres de ciudades, están cinco meses en una mansión abandonada para aprender a la perfección el plan del atraco y recibir una instrucción (todo por parte del Profesor). El plan estaba hecho para arreglar todo tipo de fisuras y cosas que pueden ir mal. Los atracadores se caracterizan por ir vestidos con monos rojos, y llevar puestas unas máscaras de Dalí. Toda la serie está narrada por una de las protagonistas, llamada Tokio. No quiero contar mucho más, porque no quiero hacer spoiler, pero lo demás, ya es historia…

Esta serie se estrenó  el 2 de mayo de 2017, en la cadena española Antena 3, que distribuyó las dos primeras partes de la serie en España, antes de que Netflix la adquiriera a finales de 2017, quien la editó y reeditó, lanzó las dos partes en todo el mundo. El 19 de julio de 2019 se estrenó su tercera parte en Netflix siendo el preestreno en las playas de Málaga el día anterior. El 3 de abril de 2020 se estrenó la cuarta parte.

Esta serie española creada por Alex Pina, protagonizada por numerosos actores como por ejemplo Álvaro Morte (que hace del Profesor), Itziar Ituño (que hace de la inspectora de policía Raquel Murillo), Úrsula Corberó(que hace de Tokio), Alba Flores (que hace de Nairobi), Pedro Alonso (que hace de Berlín), etc. ha alcanzado el éxito mundial.

Lo que más engancha de esta serie, aparte de su trama, es que cuando crees que han cometido un fallo, que los van a pillar, siempre tienen algo planeado que le da la vuelta a la tortilla y hace que te quedes flipando.

Yo personalmente, recomiendo mucho esta serie, ya que es muy divertida y entretenida; y ahora en estos tiempos de cuarentena seguro que te apetece verla.

Selección y reseña: Julia Cano Millán (3º de ESO)

Million Dolar Baby (Clint Eastwood, 2004)

Con 90 años recién cumplidos, rendimos aquí nuestro pequeño homenaje a uno de los últimos clásicos todavía vivos (y en activo) hablando de una de sus películas más memorables: Million Dolar Baby.

Basada en un relato compuesto por F.X. Toole, Clint Eastwood facturó en 2004 una de esas películas que, sobre todo, se destacan por su mágica habilidad para atrapar al espectador. Su narración, impecable, la encomiable labor actoral (con el propio Eastwood como co-protagonista) y su banda sonora (también compuesta por él) hacen de Million Dólar Baby uno de esos títulos prodigiosos que, de vez en cuando, el cine nos regala.

Clint Eastwood no suele apostar por personajes triunfadores; sus películas, ya narren impecables venganzas (Sin perdón) o amores imposibles (Los puentes de Madison) retratan historias cotidianas, factibles, que nos convencen tanto por su sinceridad como por la naturalidad con la que están plasmadas.

El director de Mula (uno de sus últimos y mejores trabajos) rueda con esa claridad que parece heredada de directores de la talla de John Ford, Anthony Man o Howard Hawks (aunque el propio Eastwood ha señalado en más de una ocasión a Sergio Leone y Don Siegel como dos de sus grandes influencias), haciendo de Million Dollar Baby una película tan elegante como falta de artificio, perfecta a la hora de desarrollar el drama que vivirán sus personajes, marcados por el infortunio, incapaces de alcanzar ese sueño que tocan con la punta de los dedos y que, sistemáticamente, se esfuma.

Amor y desamor, lealtad y traición, son algunos de los temas desarrollados (una vez más) por Eastwood en esta obra maestra, de ritmo impecable, fotografiada en bonitos claroscuros, que no os soltará y que os emocionará de principio a fin.

Selección y reseña: Alberto Jiménez Liste (Departamento de Lengua Española y Literatura)

 El hombre elefante (David Lynch, 1980)

El hombre elefante se basa en la relación que el doctor Frederick Treves hizo respecto de la vida de su más célebre paciente, Joseph Merrick (llamado John Merrick en la película), gravemente afectado por el síndrome de Proteus, lo que le propiciaba una deformidad tan extrema que, durante años, fue exhibido en los hoy por hoy desaparecidos barracones de feria especializados en el “freak show”.

Merrick, quien pasó los últimos años de su vida atendido en el hospital Royal London Hospital, despertó la curiosidad de la sociedad victoriana inglesa, llegando incluso a conversar con importantes miembros de la nobleza británica, quienes se interesaron por su caso.

La sensibilidad de David Lynch, uno de los grandes creadores cinematográficos de las últimas décadas, facturó una película delicada, espléndidamente fotografiada en blanco y negro, que obtuvo un buen número de nominaciones al Oscar (incluyendo los de mejor película y mejor director).

Corría el año 1980 y David Lynch acababa de impactar en el medio cinematográfico con una extraña película, de corte surrealista, titulada Cabeza borradora, que entusiasmó al productor Mel Brooks, quien confió en el talento del por aquel entonces joven Lynch para trasladar a imágenes la conmovedora historia de Merrick. La película se convirtió en un éxito tremendo, a lo que no solo contribuyó el gran talento de David Lynch sino también el excelente maquillaje de Christopher Tucker, que recreaba a la perfección la fisonomía del “hombre elefante” en cuestión; las interpretaciones de John Hurt, Anthony Hopkins y John Gielguld; y la adecuada música de John Morris, quien creó una partitura tan inconfundible como inolvidable.

Belleza y tristeza a partes iguales destilan el metraje de esta obra maestra del cine que, tal y como es habitual en los trabajos de de Lynch, contempla la realidad desde un fascinado y poético punto de vista.

Selección y reseña: Alberto Jiménez Liste (Departamento de Lengua Español y Literatura)

ÉLITE (Carlos Montero, Darío Madrona)

De la mano de Netflix y Zeta Producciones llega Élite, una serie española de Darío Madrona y Carlos Montero, creador de la conocida serie Física y química, que nos adentra en Las Encinas, un exclusivo centro para los jóvenes de las familias más adineradas del país.
En la primera temporada, tras un terremoto, la destrucción de un colegio público obliga a repartir a los alumnos de dicho colegio por diferentes centros de la localidad.

Tres de esos alumnos: Samuel, Cristian y Nadia, son becados para asistir a Las Encinas y tras su llegada todo parece empezar torcerse.

Nos encontramos en un ambiente frio en el que hay cierto rechazo hacia los becados por parte de los demás estudiantes, pero hay una chica que destaca: Marina. Marina es la única alumna que se acerca y es amable con los recién llegados, por lo que establece una conexión especial con ellos, sobretodo con uno, Samuel.

Pero entonces, un misterioso suceso tiene lugar; alguien ha matado a Marina. Comienzan las investigaciones; todos son sospechosos, pero nada es lo que parece.

En la segunda temporada, otros tres nuevos alumnos llegan al centro y finalmente se descubre quien fue el asesino. Tras esto, al ver que el asesino no esta dispuesto a entregarse Samuel finge su desaparición para así presionar al cómplice del asesino para que confiese y su hermano, el cual fue incriminado y obligado a abandonar el país. Mientras tanto, el culpable hace lo imposible para esconder las pruebas y asi poder seguir con su vida como si nada hubiera pasado.

Tras el éxito de la primera y segunda temporada, llega ELIT3, la nueva temporada de esta serie ya conocida internacionalmente. En esta nueva entrega conoceremos a Yeray y Malick, dos nuevos alumnos que de primeras no parecen gran cosa pero ponen todo patas arriba con su llegada. Además, cuando todo parecía relajarse con el tema de la muerte de Marina y las cosas volvían a intentar ponerse de nuevo en su lugar, otro asesinato tiene lugar en Las Encinas y parece ser que todos tienen algo que ver y harán lo que sea para protegerse, aunque para ello deban arriesgar ciertas cosas y delatar a sus compañeros.
Con dramas, misterios y romances por el medio, resulta imposible no engancharse a esta serie llena de suspense y giros inesperados que seguro que no te dejaran indiferente.

Selección y reseña: (Oliwia Nitkowska, 4º ESO, grupo D)

DRÁCULA (TERENCE FISHER)

Drácula es el personaje de ficción más veces aparecido en la gran pantalla. La célebre creación de Bram Stoker ha protagonizado películas de todo tipo, desde adaptaciones que se publicitaban como fidelísimas a la novela hasta versiones libres con las que se pueden rellenar páginas y páginas de curiosidades y rarezas cinematográficas.

Dentro de este complejo maremagnum hay títulos que brillan con luz propia, clásicos del cine tremendamente populares como la versión de Friedrich Wilhelm Murnau (Nosferatu), la de Tod Browning (Drácula, con el célebre Bela Lugosi como protagonista) o, más recientemente la adaptación que en los años 90 hiciera Francis Ford Coppola con Gary Oldman como protagonista.

Pero, sin duda, junto a los títulos anteriores, debe figurar el primer Drácula a color (titulada Horror Of Dracula en su versión original), la inteligente adaptación que Terence Fisher hiciera en los años 50, facturando, desde los terrenos del cine de serie b, una película elegante, con una fotografía tan hermosa como su banda sonora y que, además, contaba con la presencia de, quizás, los dos actores más grandes que jamás haya tenido el cine de terror de todos los tiempos, dos iconos absolutos que destilaban una química perfecta en la gran pantalla: Peter Cushing y Christopher Lee.

Ambos protagonizaron decenas de películas, algunas títulos indispensables que todos los aficionados al género deberían conocer (La maldición de Vandorf, El perro de los Baskherville, El cerebro de Frankenstein, Pánico en el Transiberiano…). En esta ocasión, Cushing encarnaría al legendario doctor Van Helsing mientras que Lee encarnaría a su eterno rival: el terrible conde vampiro.

Drácula se estrenó en una época en la que las nuevas tecnologías todavía no habían aparecido, cuando la gente se congregaba, abarrotando las salas, para aterrorizarse ante una pantalla. De hecho, su sólido guión, la violencia de algunas de sus imágenes (hay que tener en cuenta que en aquel entonces el público todavía no estaba “vacunado” ante cierto tipo de recursos que resultaban impactantes) y su sutil erotismo hicieron de esta excelente adaptación un éxito que conllevó toda una irrepetible saga donde destacan títulos como Drácula príncipe de las tinieblas, Las cicatrices de Drácula, El poder de la sangre de Drácula e incluso una tardía y divertida Drácula 73 de curiosa ambientación tendente a la psicodelia de moda en la época.

Selección y reseña: Alberto Jiménez (Departamento de Lengua y Literatura)

BEN – HUR (William Wyler)

El talento de William Wyler hizo posible uno de los más grandes espectáculos audiovisuales de la Historia del Cine: Ben – Hur.

En 1880, Lewis Wallace publicó su más popular, y monumental, novela: Ben – Hur (un cuento de la era de Cristo). La historia del muchacho judío deshonrado por su amigo romano Messala (y su posterior venganza) tenía como telón de fondo un marco no menos impactante: el de los hechos concernientes al nacimiento y muerte de Jesús de Nazaret.

Esta irrepetible narración, llena de fuerza y carisma, sirvió de base para que el talento visual de William Wyller gestara en 1959 uno de los grandes clásicos de la Historia del Cine. Una película que mezclaba hábilmente drama y espectacularidad, brindando algunas escenas memorables que a día de hoy no han perdido un ápice de su eficacia (así el combate naval o la célebre carrera de cuadrigas) y que sirvieron de inspiración para títulos posteriores, muy distintos entre sí, como Star Wars Episodio I: la amenaza fantasma (su famosa carrera de vainas espaciales está directamente inspirada en la escena de la película de Wyler) y Gladiator (de hecho, la trama de esta película recuerda claramente a la del clásico del que hoy os hablo).

Debes también saber que la adaptación de William Wyler no fue ni la primera ni la última; en 1925 se produjo una excelente versión en blanco y negro (que alcanzaba las dos horas y media de duración) y en 2016, con las técnicas digitales de nuestro cine actual, se volvió a llevar a la pantalla (si bien ya estandarizaba su minutaje en dos horas).

Ben – Hur, al igual que otras películas de aquellos años, fue concebida como un espectáculo sin precedentes dado que el cine tenía un reciente enemigo: la televisión. Ese es el motivo del formato de la película, el “cinemascope” (que los antiguos receptores de televisión no podían imitar y que daba una perspectiva panorámica tremendamente novedosa en aquel entonces), y de su excelente fotografía en “technicolor” (que otorga una especial calidez a los tonos, logrando una singular atmósfera que subraya todo el metraje).

Charlton Heston, protagonista de la película, fue otro de los grandes aciertos, brindando una de sus mejores interpretaciones, donde destacaba su eficacia tanto para las escenas de acción como para los momentos melodramáticos, sirviendo su rostro para otro de los inteligentes hallazgos de la película, al reflejar el asombro que provocaba la figura de Cristo, a quien, para resaltar su divinidad, nunca se le muestra frontalmente.

Como suele ser habitual en los grandes títulos, el broche de oro lo puso la memorable banda sonora de Miklós Rózsa (uno de los grandes compositores de música de cine), que se ajusta cual guante a la catarata de imágenes que componen un metraje de más de tres horas de duración, que siguen pasando como si de un suspiro se tratara, y que obtuvo once Oscars, estableciendo un récord todavía no superado, aunque sí que equiparado tanto por Titanic como por El Señor de los Anillos.

Selección y reseña: Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Española y Literatura)

LA NOCHE DE WALPURGIS (Leon Klimovsky, 1971)

El cine de terror es uno de los géneros más populares y versátiles. Producciones tanto de gran envergadura como modestas pretenden aterrorizarnos, a la par que divertirnos, a través de propuestas diversas. Así las cosas, su versatilidad no fue ajena a nuestra cinematografía, de manera que, durante la década de los 70, y buenas parte de los 80, Paul Naschy (nombre artístico de Jacinto Molina Álvarez) fue uno de los iconos del cine fantástico tanto patrio como internacional, con éxitos del calibre de La marca del hombre lobo, El espanto surge de la tumba o la película de la que hoy voy a hablaros: La noche de Walpurgis.

Con La noche de Walpurgis, Paul Naschy retoma uno de sus personajes más famosos, el licántropo Waldemar Daninsky. El director argentino Leon Klimovsky, uno de los artesanos habituales del cine de género de la época, fue el encargado de trasladar a imágenes, con ajustado presupuesto pero tremendo ingenio e imaginación, uno de los impagables guiones del propio Naschy, donde infinidad de elementos característicos del cine de terror se aúnan: cementerios, vampiros, bosques sombríos, hombres lobos, castillos siniestros…

Una película irrepetible, tan desenfadada como lírica, tan divertida como elegante: un tebeo de imágenes en movimiento dibujado con un buen gusto innegable que se transformo no solo en uno de los grandes éxitos de la época sino en uno de los clásicos indiscutibles de nuestro cine.

Selección y reseña: Alberto Jiménez Liste (Departamento de Lengua Española y Literatura)

JURASSIC PARK (STEVEN SPIELBERG)

Jurassic Park es una película que la mayoría de nosotros hemos visto, la pregunta es: ¿Quién no ha escuchado alguna vez su famosa banda sonora? Ésta fue compuesta y dirigida por John Williams para la producción cinematográfica que estoy comentando, cuyo director  fue el conocidísimo Steven Spielberg, que hizo posible que debido al buen recibimiento que tuvo su obra en cines por parte de la audiencia en el año de estreno en 1993 hoy en día podamos contar con una sorprendente saga, de la cual sus seguidores estamos bastante expectantes porque la última dejo un final abierto a la imaginación.

La primera película de la saga, y en la cual me voy a centrar,  recibió bastantes premios en su momento de auge, así como el Oscar a la mejor edición de sonido o el de mejores efectos visuales, y es totalmente verificable porque mientras estás disfrutando de esta película te sumerges tanto en ella que, con la ayuda de las imágenes y los sonidos tan realistas que se utilizaron, somos capaces de meternos en la trama y sentir los momentos más tensos; por supuesto también con la ayuda de los actores. Cabe destacar que claramente, a lo largo de los años, los efectos anteriormente nombrados han ido mejorando en las películas posteriores, pero en esas fechas se aprovecharon al máximo los avances tecnológicos para conseguir un resultado que habla por sí solo.

Ahora sí, comencemos con la acción.

Ésta película nos pone ante una situación que en la actualidad, a pesar de todos los recursos que posee la sociedad en la que vivimos, nos parecería increíblemente  irreal.

Ellie Sattler, quien es representada por Laura Dern, es una profesional paleobotánica  que junto con Alan Grant, interpretado por Sam Neill, está llevando a cabo una expedición arqueológica bastante importante. A continuación aparece en la historia uno de los personajes más relevantes , ya que es nada más y nada menos que el creador de Jurassic Park, un parque jurásico formado por atracciones biológicas vivas, asombrosas, que cautivarían nuestra imaginación. Pues John Hammond, que así es como se hace llamar, ofrece a Sattler y Grant ir a la isla de Nublar en Costa Rica, donde está llevando a cabo este gran proyecto. Tras pensarlo, toman la invitación y junto con el matemático Malcolm (Jeff Goldblum) y el representante de los inversores del parque, Robert Muldoon  visitarán el parque jurásico que les dejará atónitos y ayudarán en lo que sea necesario. Como en la mayoría de las películas, todo se complica con la entrada de un personaje, que en este caso es Dennis Nedry, un informático que ha sido contratado por un científico de manera ilegal para robar los embriones de las quince diferentes especies que posee el parque.

Cuando nuestro grupo de protagonistas pisa el parque se les hace una introducción de cómo funciona todo, y  una de las cosas más importantes y que a cualquiera le llamaría la atención es: ¿Cómo se han creado estos dinosaurios? Pues bien, esto es posible gracias a un simple mosquito que extrajo la sangre de un dinosaurio como otro cualquiera y tras ello cayó en la savia de un árbol que con el tiempo se cristalizó y fue cubierto por capas de sedimentos; con el paso de los años, en una de las excavaciones del señor Hammond, encontraron  la estructura tan codiciada, que como elemento característico observaremos en el mango del bastón del director en todo momento. Después de tomar la muestra se extrajo de la piedra la sangre de dinosaurio, que contenía el insecto, y con la propia estructura de ADN en una gotita de sangre se rellenan los huecos con ADN de rana…y así da por  fin lugar el primer dinosaurio después largos años. Más tarde aparecen los nietos de Hammond, Timy Lex, los primeros niños en tener el placer de visitar el parque jurásico de su abuelo.

Como ya he dicho antes Dennis Nerdy desarrolla un papel que altera todo, ya que, en el momento de entrar en acción para robar los embriones, desactiva la seguridad en las puertas de todo el parque, incluidas las que mantienen a los dinosaurios aislados, y éste es el momento en el que comienza el terror…

En mi opinión, considero que todas las personas a las que les gusten las películas de ciencia ficción, terror y aventuras disfrutarán con este clásico moderno de Steven Spielberg.

Selección y reseña: Mari Luz Montanel (alumna de 4º D)

EL MÉDICO (Philip Stölzl)

Esta película transcurre en una Edad Media donde la vida no era muy fácil que digamos. Está ambientada en una Inglaterra antigua, donde nace un niño en una familia pobre a la que le ocurren varias tragedias. De entre ellas, la más importante es el fallecimiento de su madre a causa de la enfermedad del costado (una apendicitis mortal en la Edad Media). A partir de esa tragedia el niño tiene un deseo, que es aprender a curar esa enfermedad. Al quedar huérfano se interesa por la medicina y consigue ser acogido como aprendiz por un barbero curandero que debido a su interés le enseña su oficio.

Un día el barbero comienza a tener graves problemas de visión debido a una enfermedad de cataratas y decide ir a un médico de origen judío que consigue mediante una operación salvarle la vista. Allí Rob, el niño huérfano, se da cuenta de que la medicina va más allá de las habilidades que el barbero le ha transmitido.

Rob decide averiguar el lugar de procedencia de esas habilidades y consigue la información de que en Isfahán había un médico con un castillo solamente para curar enfermos y enseñar a futuros médicos. Sin dudarlo, se despide de su compañero y se dirige hacia allí, a la otra punta del mundo.

Conoce a una chica en el trayecto la cual le atrae,al llegar tiene algunos problemas para entrar en la madrasay se tiene que hacer pasar por judío. Una vez comenzados sus estudios se encuentra con una epidemia de peste negra que se expande por toda la ciudad creando el terror en Persia.

Ya superada la peste, Rob va más allá de las enseñanzas de su maestro y decide contra las normas de la religión abrir el cuerpo de un cadáver con la intención de saber cómo es el interior de un cuerpo humano.

Gracias a su atrevimiento consigue aprender a curar enfermedades como la enfermedad del costado y supone un avance importante en el campo de la medicina.

Recomiendo la película porque nos sirve para conocer otras religiones y ver como avanzan los conocimientos en el mundo de la medicina pero sobre todo por la historia o trama de la película.

Selección y reseña: Sergio López (alumno 3ºESO C)

EL CHICO (Charles Chaplin)

Con El chico, Charles Chaplin facturó una de esas películas por las que no pasa el tiempo y que, a día de hoy, sigue despertando esas mismas emociones que procuraba en su fecha de estreno: 1921.

Debes saber que en 1921 el cine todavía no había adquirido la naturaleza narrativa que tiene hoy, y los creadores de películas debían ingeniárselas para ir confeccionando una serie de recursos (encuadres y edición, fundamentalmente) que permitieran que la trama avanzara y emocionara al espectador. Era además cine mudo, y la música se tocaba en directo, estando compuesta, en el caso de la obra maestra que nos ocupa, por el propio Chaplin, para piano (quien esto escribe ha tenido el privilegio de asistir a una inolvidable sesión donde se exhibió de esta manera la película).

Por si esto fuera poco, en aquella época tampoco se había descubierto todavía la emulsión que permitiera fotografiar la película en color, por lo que Chaplin tuvo que poner todo su ingenio (que era extraordinario) en el asador para lograr unos expresivos claroscuros que, hoy por hoy, otorgan a El chico una atmósfera irrepetible, única.

Por encima de todas estas peculiaridades técnicas tenemos algo que suele ser habitual en el cine del gran genio anglosajón: la ternura. La quimera del oro, Una mujer de París, Luces de la ciudad o Candilejas  destilan, en algunas de sus memorables escenas, una grata ternura que, en el caso de El chico, subraya todo el metraje.

En esta ocasión, Chaplin nos cuenta la historia de un niño abandonado por su joven madre en un lujoso vehículo que, inesperadamente, va a ser robado y abandonado en un barrio marginal, por lo que el pequeño en cuestión llegará, como no podía ser de otra manera, a manos del vagabundo de inmenso corazón que es todo un icono de nuestra cultura popular.

La película, de poco más de una hora de duración, mantiene un ritmo perfecto, donde el humor y el drama van de la mano, recordando por momentos nuestra querida tradición picaresca (nos cuenta las travesuras de los desamparados personajes para hacer frente a un mundo adverso) y adelantándose en años a la tradición del neorrealismo italiano, donde hemos de cifrar otros incuestionables clásicos como Ladrón de bicicletas.

Selección y reseña: Alberto Jiménez Liste (Departamento de Lengua Española y Literatura)


VOLANDO JUNTOS
(Nicolas Vanier)

Volando juntos, titulada en origen Donne-moi des ailes, es una coproducción franco-noruega dirigida por Nicolas Vanier, protagonizada por Jean Paul Rouve, quien da vida a un ornitólogo que estudia los gansos salvajes y su comportamiento migratorio, y por el joven Louis Vazquez, que encarna a su hijo adolescente.

El film, recomendado para todos los públicos, está inspirado en hechos reales, concretamente en la historia protagonizada por Christian Moullec, científico que hace 20 años realizó un vuelo en un ultraligero desde el Sur de Francia hasta el Círculo Polar Ártico con el fin de mostrar a los gansos salvajes una nueva ruta que los alejase de los peligros, derivados del hombre y de sus acciones sobre el entorno, a los que se enfrentan en sus vuelos migratorios.

El punto de partida de la película es sencillo: Thomas es un chico adolescente como tantos otros (ya sabemos: obsesionado con su móvil, su ordenador y su conexión a Internet) que se ve obligado a pasar una temporada con su padre, un científico centrado en su trabajo que, en algunos momentos, parece más interesado en los huevos de ganso que tiene en una incubadora que en intentar entender al adolescente que tiene a su lado. 

Thomas olvida rápido que no tiene conexión a Internet para observar lo que le rodea y, en especial, los huevos que su padre cuida con tanto mimo. Y tras los huevos, claro, vendrán los polluelos, y Thomas y Christian criándolos disfrazados, fingiendo ser sus padres con la finalidad de lograr que les sigan en su vuelo con ultraligero. Así, Thomas parece querer reflejar esa nueva generación de jóvenes que toman conciencia ecológica y que nos recuerdan, como se dice en la película a modo de cierre, que “la tierra no es una herencia de nuestros padres, sino un préstamo de nuestros hijos”.

Es Volando juntos, no se puede negar, una cinta bastante previsible en su argumento; sin embargo, esa previsibilidad la hace ser plácida y agradable, especialmente si uno ha ido al cine con la intención de relajarse y disfrutar. Resulta fácil imaginar el camino que va a seguir y, más aún, deseamos que suceda lo que al final acaba ocurriendo. Posee imágenes en entornos naturales verdaderamente hermosos y una banda sonora que transmite paz y, por momentos, deseos de trascendencia.  Quizá sean todos estos ingredientes los que la hacen tan fácil de ver y logran que se salga del cine con buen sabor de boca, pensando en una historia que es un como un cuento sencillo, bien contado, y que incluso a un preadolescente (aficionado a las películas de superhéroes de Marvel, cómo no) le parezca una buena película para una tarde de domingo.

Selección y reseña: Esther Herguedas (Departamento de Lengua Española y Literatura)

EL REY PASMADO (Imanol Uribe, 1991)

La película de esta semana nos traslada al Madrid del siglo XVII, concretamente a los inicios del reinado de Felipe IV, la pujanza de la  “Monarquía Hispánica” de su “Católica Majestad”. No es la “época esplendorosa” de Carlos I y Felipe II, pero la crisis que golpeó a los “Austrias menores” aún no ha llegado. El “Imperio español” sigue siendo hegemónico. 

En esta ocasión el argumento viene servido por  el soporte literario de Gonzalo Torrente Ballester, autor gallego de obras tan reconocidas como Los gozos y las sombras  (adaptada para T.V por Rafael Moreno Alba en 1981) o La saga/fuga de J.BLa crónica del rey pasmado  novela en la que se basa el presente largometraje, fue publicada en 1989, es decir dos años antes de su traslado a la  gran pantalla. 

La trama, alineada en un realismo mágico (el carácter “misterioso” se apreciaría en varias escenas y en la atmósfera “de cuento” de la película)  tendría sin embargo, un carácter bastante verosímil en los aspectos de vida cotidiana, protocolo cortesano, mentalidades. Todo esto queda reflejado en  la ambientación (edificios, vestuario, fotografía, banda sonora, diálogos).

Una línea argumental básica  es el peso de la Iglesia, tanto que en vez de convertirse en un apoyo de la “monarquía autoritaria”, la obstaculiza, la lastra. Las luces y las sombras de la época se reflejan constantemente: Inquisición frente a tolerancia, mortificación frente a vitalismo, clarividencia frente a superstición, austeridad frente a sensualidad, sabiduría frente a ignorancia… 

No hay demasiadas películas históricas sobre el “Siglo de Oro” en el cine español, o mejor dicho, no hay demasiados largometrajes de calidad dentro del género. En los años 40 y 50 éstos fueron casi una obsesión dentro de la cinematografía del Franquismo, pero luego casi se huyó de ellos. En las últimas décadas se ha producido una revisión digna y coherente de los mismos El mes pasado me refería a las que transcurren en el siglo XVI (a las que podría añadir  El Dorado, 1988 o Juana la loca, 2001). Lo haré ahora con las que cuya trama se desarrolla  en el siglo XVII como El perro del hortelano, 1996 Alatriste, 2006 o las dos interesantes producciones vascas  Akelarre, 1983;  o Baztán, 2012. 

En cuanto a series que recreen estos siglos recordaré  como hace unas semanas Teresa de Jesús, 1984;  Miguel Servet. La sangre y la ceniza, 1988; Requiem por Granada, 1990 o las más recientes Isabel, 2012  y Carlos, rey emperador, 2015, además de la magistral La peste, 2017. Para viajar a la España del siglo XVII sin embargo, tendremos que ir hasta la genial producción de 1974 dirigida e interpretada por Fernando Fernán Gómez (además de un magnífico reparto),  El Pícaro.  Finalmente, una curiosa “miniserie” de calidad sería la coproducción de RTVE y Televisión de Cataluña Serrallonga, 2008 que sigue la trayectoria vital del bandolero catalán. 

De signo bien distinto, la popularización de esta época ha llegado con productos de lamentable calidad en la recreación histórica pero gran éxito de público como Águila roja, 2009.   

Volviendo a la presente  película, es de destacar el buen hacer de Imanol Uribe (La fuga de Segovia, La muerte de Mikel, Días contados, Bwana o El viaje de Carol) y el reparto que dirige (Gabino Diego, Eusebio Poncela, Juan Diego, Joaquim de Almeida, Javier Gurruchaga, Fernando Fernán-Gómez, María Barranco,  Laura del Sol…), que articularía la calidad de la obra que hoy nos ocupa. 

Surge  así, un largometraje de referencia dentro del cine español y concretamente, dentro del cine de recreación histórica, ganador de 8 “Goyas” hasta la fecha, además de estar nominada a 14 de ellos. Largometraje imprescindible del Cine Español y que por supuesto no podía faltar en LA PELÍCULA DE LA SEMANA.

Selección y reseña: Pedro Vizcaíno (Departamento de Geografía e Historia)

MUJERCITAS (Greta Gerwig, 2019)

No es la primera vez que Mujercitas, la popular novela de Louisa May Alcott, es llevada a la gran pantalla, pero sí que es la primera vez en la que la adaptación no tiene solo en cuenta el texto original sino que lo aprovecha como premisa para mezclar ficción y realidad, contando a través de las imágenes parte de la vida de la escritora, quien sin duda se basó en su realidad inmediata para concebir la célebre narración.

Dirigida por Greta Gerwig (quien debutara en 2017 con la película independiente Ladybird, por la que ya recibiera varias nominaciones al Oscar), en esta ocasión la cineasta cuenta con un mayor presupuesto, que posibilita una ambientación elegante que, sin embargo, no opaca la carga emotiva de una historia que sabe transmitir las dificultades que su protagonista, por su condición femenina, tuvo que superar para ver cumplido su sueño: ser escritora. Así las cosas, la película refleja perfectamente los cánones sociales que condicionaban ese mundo femenino decimonónico (la novela se publicó en 1868) que inspiró la creación de la escritora; un mundo en el que la mujer debía buscar un marido rico, siendo preferible su anonimato antes que su firma femenina como autora.

Pero no estamos solo ante un emotivo homenaje al valor de Louisa May Alcott, sino ante una película que destila sensibilidad y que sabe jugar perfectamente con el espectador, llevándole de manera delicada a través de los senderos ya del drama ya de la comedia, sin caer nunca en excesos, refrenando constantemente cualquier tipo de ampulosidad; por no hablar del precioso homenaje a la literatura que, en el fondo, es toda la película.

El elenco actoral es, sencillamente, soberbio. La música, tanto las piezas clásicas que suenan como la compuesta originalmente para la película, contribuye a subrayar este clásico inmediato del cine de hoy que, con personal estilo, nos habla de un ayer muy, muy reciente.

Selección y reseña: Alberto Jiménez Liste (Departamento de Lengua Española y Literatura)

Jojo Rabbit (Taika Waititi, 2019)

Este filme producido por Taika Waititi, basado en la novela de Christine Leunens, está teniendo
una crítica muy favorable tanto por expertos como por el público en general. Siendo nominada
a seis Óscar, incluida mejor película y guión adaptado.

En esta película un niño de diez años adoctrinado en el régimen Nazi, se va a enfrentar a una
lucha de sentimientos y confrontación de ideologías tras una serie de acontecimientos
relevantes. Aunque tenga una ideología muy arraigada, Jojo (como se llama el protagonista),
no deja de ser un niño, con una imaginación espectacular, en busca de aventuras y con un
amigo imaginario muy especial, ni más ni menos que una versión cómica e infantil del führer.

Los personajes que protagonizan la historia están llenos de matices, pudiendo destacar entre
ellos al mismísimo Jojo, con una expresión corporal-facial de las emociones inigualable. Sin
olvidarnos de su madre, interpretada por Scarlett Johansson, que debido a su gran actuación
está nominada a los Oscar como actriz secundaria; y de su mejor amigo un niño que desatará
las carcajadas del espectador.

Durante el desarrollo de la cinta el espectador va a recorrer una montaña rusa de emociones,
perfectamente cohesionadas. Por ello es una película totalmente diferente a cualquiera que
hayamos visto tratar esta etapa violenta del siglo XX.

Finalmente me gustaría destacar que esta película es un canto a la vida, incita a disfrutar del
momento de felicidad presente efímero, al igual que el de la tristeza, por ello, siempre que se
pueda, es necesario “bailar”.

Selección y reseña: José Antonio Sanz (Departamento de Biología y Geología)

Atípico (2017)

Serie de televisión: Comedia dramática.

País: Estados Unidos

Dirección: Robia Rashid (Creador), Michael Patrick Jann, Ryan Case, Joe Kessler, Seth Gordon, Wendey Stanzler, Silver Tree, Ken Whittingham, Pete Chatmon, Geeta Patel, Pam Thomas, Michael Medico, Annabel Oakes, Robia Rashid

Reparto: Jennifer Jason Leigh, Keir Gilchrist, Brigette Lundy-Paine, Amy Okuda, Michael Rapaport, Graham Rogers, Nik Dodani, Raúl Castillo, Rachel Redleaf, Jenna boyd

Productora: Sony Pictures Television

La serie Atípico nos adentra en el día a día de Sam, un joven con Trastorno del Espectro Autista (TEA) que se encuentra en su último año de instituto.

Las peculiaridades de Sam han condicionado a toda su familia. Su madre, Elsa, ha vivido una experiencia maternal tan abrumadora e intensa que ha llenado todos los aspectos de su vida, lo que ha provocado que el padre de Sam, Doug se haya sentido desplazado. Por otro lado, la hermana menor de Sam, Casey, ha crecido a la sombra de su hermano, y aunque algo cansada de tener que estar pendiente de él, a la vez es uno de sus mayores apoyos al contribuir a desdramatizar la situación.

Pero ahora Sam, que ha vivido toda su vida bajo el escudo protector de su madre y ha dedicado toda su pasión a la Antártida y a los pingüinos, decide buscar una novia, animado por su terapeuta Julia, de que la que está secretamente enamorado.

Para ello cuenta con su amigo Zahid, optimista nato, con el que tiene la relación más natural, ya que lo acepta tal como es y le ayuda a entender a los “normales”.

Sin pretender mostrar una única forma de autismo, ya que el espectro es muy amplio, nos ofrece un retrato optimista de un adolescente inteligente, pero limitado por su falta de empatía y resistencia a los cambios, que afronta esta nueva aventura con valentía, curiosidad y en ocasiones, estupor.

A lo largo de las tres temporadas de la serie conoceremos a Paige, que si bien es protectora, también le plantea exigencias emocionales y le descubre la sexualidad, viviremos su paso a la universidad y veremos cómo los miembros de su familia empiezan a vivir sus vidas un poco más.

Una bonita comedia con un toque dramático sobre el amor, las dificultades y la sensación de ser distinto, porque… ¿quién no ha sido Sam en algún momento?

Selección y reseña: Patricia Chavarrías (Departamento de Lengua española y Literatura)

1917 (Sam Mendes, 2019)

Desde sus orígenes, el cine ha sido un arte peculiar, estrechamente ligado a esa Revolución Industrial que lo vio nacer y, por ende, a los avances tecnológicos. Así como el teatro es un espectáculo en directo, que necesita, como hecho fundamental, del actor y su arte declamatorio, la cinematografía inventó la acción en diferido, necesitando, para su razón de ser, la cámara. La cámara, el gran invento de los hermanos Lumiere, fue un elemento novedoso en el devenir de la expresión artística, pues introducía inusitadas posibilidades a la hora de plasmar la realidad. Poco a poco, de ser utilizada como mero testigo, así en títulos seminales como La salida de una fábrica Lumiere o la Llegada del tren a la estación, pasó a ser utilizada con finalidades narrativas y expresivas, sobre todo cuando el arte del encuadre se unió a las posibilidades del montaje cinematográfico, que posibilitaba recursos dramáticos novedosos. David Ward Grifith, Sergei Mihailovich Eisenstein o Charles Chaplin fueron algunos de los nombres que dieron un nuevo impulso al arte de la imagen en movimiento. Tras ellos, llegaron otros creadores, innovadores que utilizaron tanto su ingenio como los avances técnicos para perfeccionar el lenguaje cinematográfico: Friedrich Wilhem Murnau, Ernest Lubitsch, Fritz Lang, Max Ophüls u Orson Welles…

Gracias a algunos de estos cineastas, la cámara comenzaba a moverse, llevando al cine hacia nuevos cauces expresivos: el magistral uso de la grúa en las películas de Ophüls, el larguísimo plano con el que se abría Sed de malde Welles. En este sentido, Alfred Hitchcock fue también un director en busca de la argucia técnica, facturando películas que ya desafiaban la posibilidad de estar facturadas en tan solo un plano, tal y como ya ocurriera en La soga, una de las grandes películas del maestro del suspense, quien aprovechaba los cruces de los actores por delante de la cámara para cambiar el rollo de metraje, puesto que Hitchcock estaba muy lejos del actual cine digital. Otras películas de Hitchcock, como Atormentada, La ventana indiscreta, Psicosis o Frenesí también presentaban, sino planos secuencias, movimientos de cámara largos para la época, y de una extrema complejidad técnica (todavía no habían llegado ni los drones ni la resolución en 4K).

Así las cosas, Sam Mendes, en 1917, no es el primer director en usar el plano secuencia como recurso dramático, si bien su película no deja de ser una virguería técnica al servicio del impacto dramático que, indudablemente, va a influir de una manera decisiva a la hora de aproximarse a diversos géneros, que sin duda van a ser redefinidos a través de lo que seguro acabará siendo una nueva moda.

Desde un comienzo, el uso de la cámara, como observador en permanente seguimiento del actor protagonista de la película, no solo dota a la película de una particular belleza sino que otorga una insólita sensación de inmersión al espectador, quien acompaña durante todo el metraje a George MacKay(actor elegido por Mendes para encarnar al soldado Schofield).

Lo primero que sorprende es el pausado ritmo de la trama. La película se abre durante un momento de descanso por parte de la tropa, cuando un mando encarga una decisiva misión a dos soldados que, poco a poco, irán internándose en tierra hostil, puesto que deben atravesar territorio enemigo para llegar a las filas aliadas, con el propósito de frenar un ataque. Sorprende también cómo la ausencia de montaje transmite la idea de estar ante unos decorados megalómanos, detallados, aportando al drama un verismo tan insólito como subyugante. Además, otra de las genialidades de 1917 es la renuncia de Sam Mendes a la espectacularidad característica de algunas películas bélicas recientes. Opta por dar una visión del campo de batalla fantasmal, silente, llevando su película hacia terrenos inquietantes que parecen más propios del cine de suspense y terror, tal y como ocurre durante las secuencias en las trincheras y barracones abandonados de los alemanes.

Sin embargo, el verismo que los efectos especiales actuales pueden aportar a las películas hace que una escena casi bucólica (los soldados contemplando un lejano combate aéreo sobre un tranquilo páramo) dé un giro de 180 grados y se transforme en una de las escenas más sorprendentes y contundentes del cine de los últimos años.

La guerra es como la vida, inesperada. La muerte puede aguardar tras la próxima esquina, pero también hay lugar para la esperanza y el amor. El avión puede caer trayéndonos lo fatal, pero tras una secreta puerta podemos encontrar esa cálida habitación en la que late una nueva vida. En este sentido, 1917 es un bonito carrusel de sensaciones, donde la belleza y el horror, la violencia y la piedad conviven. Además de esa intención poética, Mendes basa algunas de sus soluciones visuales en algunos títulos o movimientos artísticos de primer orden dentro de la historia del cinematógrafo. Por momentos, la fotografía de Roger Deakins se transforma en un obvio homenaje al expresionismo alemán (repárese en la iluminación de la ciudad en ruinas), como si su propuesta audiovisual pretendiera ser un compendio entre el ayer y el hoy; y es que no hemos de olvidar que todo clásico debe su vigencia a su dependencia de la tradición.

Podemos jugar a adivinar dónde residen los hábiles cortes en la imagen que favorecen esa ilusoria sensación de continuidad, pero quizás sea más justo dejar tamaña tarea a la hábil especulación de cada espectador, y señalar la eficacia que en la película tiene tanto la música como el uso del sonido, logrando algunos de los más emocionantes momentos del metraje, como la paulatina aparición del pelotón, sentado en mitad del bosque, abismado ante la melodía cantada por uno de sus soldados.

Además, no debemos cerrar esta breve reseña sin reparar en la solvencia de un elenco actoral en el que nadie desentona, y donde destaca la presencia, en momentos puntuales, de actores de primer orden como Colin Firth o Benedict Cumberbatch.

¿Ganará el Oscar a la mejor película? ¿Cuántas estatuillas se llevará? ¿Vencerá a duros competidores como Joker, El irlandés, Érase una vez en América o Historia de un matrimonio? Son estas preguntas sin respuesta, por el momento, que si bien nos llevan a ese juego de las adivinanzas y de los chascarrillos que tanto nos gustan, no dilucidan nada respecto de la calidad de las películas que este año han sido seleccionadas.

Selección y reseña: Alberto Jiménez Liste (Departamento de Lengua Española y Literatura)

El regreso de Martin Guerre (Daniel Vigné, 1982)

El largometraje que llega a “La película de la semana” nos lleva en este caso al siglo XVI.

La filmografía que recrea esta época, sin ser demasiado abundante, cuenta con ejemplos diversos, algunos de ellos interesantes y en ocasiones de calidad, así,en cuanto a la “Reforma”, resulta reseñable Lutero (2003), interpretada por Joseph Fiennes. En Centroeuropa (y en el mundo rural) se sitúa también El rebelde (1969) de Volker Schlöndorff con alguna secuela posterior o el Renacimiento en los Países Bajos, con El molino y la cruz (2011) en torno a Brueghel el Viejo.

Podríamos hablar también aquí de otro “subgénero” centrado en la conquista de América, Aguirre, la cólera de dios (1972 ) de W. Herzog o La caza real del sol (1969) de Irving Lerner. Por supuesto largometrajes españoles como El Dorado (1988) de Carlos Saura o Cabeza de Vaca (1991), interpretada por Juan Diego, encajarían en este perfil. El más reciente ejemplo en este sentido sería la serie de producción española, Conquistadores: Adventum (2017).

Siguiendo por tanto, con el cine español y dejando atrás las producciones franquistas de “cine patrio”, que tanto se fijaron en el siglo XVI, aparecen a finales de los 70 y principios de los 80 títulos como El hombre que supo amar (1978) o Extramuros (1983), ambas dirigidas por Miguel Picazo o series de TV como Cervantes (1980) de Alfonso Ungría, Teresa de Jesús (1984) de Josefina Molina o Miguel Servet. La sangre y la ceniza (1989) de José Mª Forqué. Ya en el siglo XXI nos encontraríamos con ejemplos como Los Borgia (2006), El Greco (2007) La conjura del Escorial (2008) o La princesa de Éboli de 2010. Recientemente otras como la señalada en otro momento Isabel, a caballo esta última entre los siglos XV y XVI y Carlos, rey emperador (2015), constituirían otros ejemplos. La más reciente sería la magnífica serie La peste (2017) cuya temporada 2 está en curso.

Centrándonos en la Francia del siglo XVI, hay que comenzar por el cine mudo con El asesinato del duque de Guisa (1908) cuya banda sonora fue compuesta por el gran Camille Saint-Saens o La dama de Monsoreau (1913), basada (como La reina Margot) en la obra de Alejandro Dumas. Pocos años después, Griffith en las diferentes historias de Intolerancia (1916) incluye también una situada durante las “Guerras de Religión” en Francia. Ya en los años 50 nos encontramos con La princesa de Éboli (1955), curiosa película protagonizada por Ollivia de Havilland y Gilbert Roland o Diane (1956) basada en Diana de Poitiers, amante de Francisco I. Sobre este último tema aparece la versión de 1561 de La princesse de Clèves. En 1978 nos encontramos con La guerre des trois Henri. En este contexto, hay que destacar por supuesto La reina Margot con dos versiones (una protagonizada por Jeanne Moreau en 1954, y otra más reciente y famosa por Isabelle Adjani en 1994). En estas última década citaríamos también Nostradamus (1994), interpretada por Tchéky Karyo (que también tiene una pequeña aparición en el largometraje que nos ocupa). Producciones ya en el siglo XXI serían, Saint-Germain ou la Négociation (2003), interpretada por Jean Rochefort y Henri IV con versión para la gran pantallao La princesa de Montpensier (ambas de 2010).

Sin embargo,lejos de los “grandes nombres de la Historia”, el hecho de narrar la vida campesina, la vida cotidiana de una comunidad rural no es algo habitual en obras citadas anteriormente. Tendríamos que retomar al citado director Ermanno Olmi con su El árbol de los zuecos (1978) para recrear dicho contexto, en este caso en la Italia de finales del siglo XIX. El retorno de Martin Guerre está basada en un hecho real de suplantación de personalidad que a la vez inspiró a la historiadora Natalie Zemon Davis, un libro a medio camino entre la novela y el ensayo riguroso. En cualquier casola propuesta que su director Daniel Vigné nos hace, no es solo un “tableau vivant” asemejando escenas de Brueghel el Viejo, sino que respaldado por esa magnífica puesta en escena, diálogos, etc, el largometraje crea una historia de intriga y tensión a lo largo de su desarrollo. Por supuesto, no podemos dejar la recordar la versión norteamericana de esta historia cuyo título, para aquellas y aquellos que no lo hayan visto, planteamos como un acertijo.

Para acabar, destacar la magnífica interpretación de la pareja protagonista, además del buen hacer del resto del reparto. Glosar aquí la carrera de uno de los iconos del cine francés (y hasta hace poco de Francia) como Gérard Depardieu, sería poco menos que imposible, así que señalaremos solo su participación en algunas producciones ambientadas en distintas épocas como Cyrano, Tous les matins du monde, Danton, El conde de Montecristo o Los miserables. Una razón más para revisar el largometraje que “La película de la semana” reseña hoy.

Selección y reseña: Pedro Vizcaíno (Departamento de Geografía e Historia)

El cuervo (Roger Corman, 1963)

En esta ocasión hemos decidido relacionar dos de nuestras habituales secciones de los miércoles. Si en el apartado de “La Poesía de la Semana” os hablamos del poema de Edgar Allan Poe, “El cuervo”, aquí traeremos a colación la versión que con el mismo título llevó a cabo Roger Corman, uno de los grandes maestros del cine de bajo presupuesto, quien contribuyó mucho a la popularización del nombre de su autor.

Lo primero que hay que destacar es que El cuervo de Corman difiere tremendamente de su base literaria, por lo que no es descabellado decir que este avispado productor y director lo utilizó tan solo como premisa, facturando una de las películas más atípicas (a la par que divertidas) de la saga de títulos inspirados en el universo del autor de Narraciones extraordinarias. Así, Corman utilizó el nombre del gran escritor con finalidades comerciales, pensando (y no equivocándose) que su popularidad entre los amantes de la literatura incrementaría el número de espectadores que acudirían a disfrutar de títulos (hoy clásicos del cine de terror) como La tumba de Ligeia, La máscara de la muerte roja, La caída de la casa User, o Historias de terror (donde, entre otras, se adaptaba el célebre cuento de Poe titulado “El gato negro”).

Además, Corman tuvo el acierto de relacionar sus estupendas películas (de no excesiva duración, por lo que ganaban en intensidad) con uno de los grandes rostros del cine fantástico: el británico Vicent Prince, quien en El cuervo lleva a cabo una de sus más recordadas interpretaciones, con un arrebatador toque humorístico.

Porque, ante todo, y ahí radica una de las singularidades de esta propuesta, El cuervo de Roger Corman, a diferencia del poema, no elige los atormentados vericuetos que gustaban a Poe, sino que opta por la comedia y el tono desenfadado, contándonos una historia llena de fantasía en la que tres magos pondrán a prueba sus increíbles poderes por lograr el poder (en lo que puede interpretarse todo un precedente de las recientes películas, también inspiradas en obra literaria, de Harry Potter).

A destacar también la fotografía de la película, con un uso del color que es uno de los rasgos identificativos de un irrepetible cine de evasión que ya se fue y que, hoy por hoy,  puede disfrutarse aún más gracias a ese melancólico sentimiento que no es otro que la nostalgia.

Selección y reseña: Alberto Jiménez Liste (Departamento de Lengua Española y Literatura)

Errementari (Paul Urkijo Alijo, 2017)

Errementari (El herrero y el diablo) es una película española producida por Álex de la Iglesia y dirigida por Paul Urkijo Alijo que se estrenó en 2017. Sus 96 minutos se hacen amenos gracias a una acción ágil, la voz del narrador hábilmente insertada y, sobre todo, la fotografía, que muestra un pequeño pueblo de Álava a mediados del siglo XIX, diez años después de la Primera Guerra Carlista. El folklore vasco se combina con la fantasía y el terror para dar lugar a una original película de serie B que, si bien no cuenta con un elevado presupuesto, resuelve con bastante solvencia las dificultades técnicas, lo que le valió la nominación a los Premios Goya de 2018 a Mejores Efectos especiales.

Usue es una niña huérfana cuya madre se suicidó. Todos le dicen que, al haber muerto de esta manera, forzosamente su madre debía haber ido al infierno. El herrero es un hombre misterioso que vive aislado y sobre el que corren rumores de que mató a su mujer y que realizó pactos satánicos. La vida de ambos se cruza por accidente cuando Usue entra en casa del herrero buscando la cabeza de su muñeca, que uno de sus amigos había decapitado y lanzado allí. A partir de este momento, a través de la niña vamos a ser testigos de quién es realmente el herrero y qué secretos esconde su solitaria y apartada vida.

Un fino humor impregna también la historia, con sorpresas en el giro de los acontecimientos. La amenaza satánica aparece confrontada con la ideología carlista que el cura defiende, que reniega de todo liberalismo. Las escenas tienen mucho de escenografía teatral, con planos fijos y expresivas interpretaciones. El colorido es especialmente hermoso, buscando fuertes contrastes y un tenebrismo que pone de relieve la luz.

La película empieza y termina con un narrador que cuenta una historia y esta sensación de cuento se mantiene gracias a los elementos tradicionales y fantásticos que están presentes. Pero además es un cuento que aporta una enseñanza: que las apariencias engañan y que hasta los demonios pueden, en algunos casos, enmendarse.

Errementari es una historia original, con un diseño de las imágenes muy particular y que ofrece el placer de estar contemplando, en muchas de las escenas, un auténtico espectáculo teatral. La contrapartida puede ser haber perdido oportunidades de demostrar un mayor dominio del lenguaje visual cinematográfico, con mayor monotonía de planos y ángulos.

Selección y reseña: José Alberto Martín Manzera (Departamento de Lengua Española y Literatura)

Feliz Navidad (Christian Carion, 2005)

Acaba el trimestre y con él llega la última película del año, que no del curso. En esta ocasión nos centramos  en el evento de la 1ª Guerra Mundial. La elección del largometraje aparte de coincidir con las fechas navideñas, recuerda un  suceso ocurrido hace poco más de 100 años. El hecho al que hace alusión fue la insólita, aunque efectiva, tregua que tuvo lugar durante la Navidad de 1914 en las trincheras del frente occidental a los pocos meses de iniciarse la contienda. 

En “La Película de la semana”  ya han aparecido en otras ocasiones largometrajes cuya trama se desarrolla durante la 1ª Guerra Mundial como Senderos de Gloria  o Largo domingo de noviazgo y en esta última ocasión  hicimos alusión, como viene siendo habitual,  a diversos títulos que tratan este hecho en el cine. 

Algunos de estos largometrajes estarían apoyados en novelas (y experiencias personales) de grandes escritores como Erich Mª Remarque o Ernest Hemingway teniendo así, la mayoría de los mismos, un carácter antibelicista y sirviendo de esta manera para denunciar lo absurdo de la guerra. Desde un punto de vista humorístico Jaroslav Hasek nos da su visión en “Las aventuras del buen soldado Svejk” y ya en el año 2011, el inicio de la trilogía “The century”, “La caída de los gigantes” de Ken Follett”, serían solo algunos ejemplos. 

El presente largometraje ofrece también,  una cuidada reconstrucción de aquel momento en lo referente a escenografía (cocabulario, vestuario, vida material, mentalidades,  etc.), siendo patente a lo largo del desarrollo de la trama. 

Todo ello contribuye, aparte del propio guión basado en el hecho real señalado antes, a la gran carga emotiva de esta obra que gana en intensidad a medida que se desarrolla su acción.  A esta magnífica realización ayuda la fotografía de Walther Vanden Ende.

Mención aparte merece por supuesto la banda sonora y concretamente las interpretaciones musicales que aparecen en la película, en la banda sonora dirigida por Philippe Rombi.

Finalizaré haciendo una breve reseña cinematográfica del citado director Christian Carion (Une hirondelle a fait le printemps,  traducida como La chica de Paris, 2001) y El caso Farewell  (2009). 

En cuanto al reparto destacaré ciertos nombres como Daniel Brühl  (Good Bye LeninSalvadorMalditos bastardos),  Diane Krüger (TroyaMalditos bastardos), Guillaume Canet  (La playa, Vidocq , El caso farewell ), Dany Boon (Bienvenidos al norte, Nada que declarar) o Gary Lewis (Billy Elliot , Outlander). 

Comentar por último los premios a los que fue nominada: Candidata al Óscar a la Mejor película en lengua no inglesa, Candidata al Globo de Oro a la Mejor Película en lengua no inglesa, Candidata al BAFTA a la Mejor Película extranjera.

Nada más.  Así que “Feliz Navidad” y hasta la “peli” que viene. 

Selección y reseña: Pedro Vizcaíno (Departamento de Geografía e Historia)  

Frozen 2 (Jennifer Lee, Chris Buck, 2019)

Estas navidades llega a nuestros cines la secuela de la película Disney más exitosa de los últimos años. La primera parte de Frozen (2013) es, junto con su banda sonora, parte de la vida de muchos niños nacidos en los 2010. La segunda parte había levantado mucha expectación, no sólo por el éxito de la primera, sino porque algunos fans pedían que Elsa, que era la primera princesa Disney que no sucumbía al amor romántico y al príncipe azul, diera un paso más hacia la aceptación de la diversidad sexual y “saliera del armario” convirtiéndose en la primera princesa Disney lesbiana. Finalmente, eso no ha ocurrido, pero para los más pequeños, Frozen 2 cumple con todas las expectativas y con alguna más.

Cuando Elsa, que vive tranquilamente en Arendelle con Anna, Kristoff, el reno Sven y Olaf, siente la llamada de los espíritus del bosque y se da cuenta de que tiene que buscar ahí la verdad sobre sus orígenes y sus poderes, se embarca en otra aventura congelada en la que, al principio, está acompañada por su hermana y sus amigos. Tras encontrar a la tribu de los Northuldra y a los soldados de Arendelle atrapados en el bosque, Anna y Elsa descubren la verdad sobre alguno de sus antepasados y por qué murieron sus padres. Elsa decide entonces viajar sola a Ahtohallan, el río mágico en el que entenderá el por qué de sus poderes. A pesar de que el viaje es peligroso y en ocasiones todo parece perdido para la reina del hielo y los suyos, finalmente consiguen dar con la clave para salvar Arendelle y poder convivir en paz con los Northuldra.

Del mismo modo que Frozen supuso la actualización al siglo XXI de las princesas Disney, su secuela también presenta algunas novedades. La tribu de los Northuldra representa la diversidad étnica que se echó de menos en la primera parte, y el que Anna y Elsa tengan sangre Northuldra viene a contrarrestar la supremacía “blanca” de la película original. Asimismo, Mattias, el guardián del rey Agnarr, de raza negra, contribuye a esa nueva diversidad en el reino de Arendelle.

Por otro lado, Elsa y Anna demuestran una vez más que no necesitan de ningún príncipe azul para conseguir sus objetivos. De hecho, en esta segunda parte resultan algo ridículos los intentos de Kristoff de pedirle matrimonio a Anna, lo que se podría ver como una parodia de las miles de bodas románticas Disney del pasado. Como elemento cómico, Olaf sigue funcionando a las mil maravillas poniendo un toque de humor blanco (nunca mejor dicho).

En lo que a su banda sonora se refiere, Mucho más allá (Into the unknown) parece ser la destinada a ser la continuación del Suéltalo (Let itt go) que todos hemos cantado o escuchado hasta la saciedad. En los títulos de crédito en la versión original suena la versión de Into the unknown del grupo rock Panic! At The Disco. David Bisbal canta la versión en castellano con resultado más que dudoso. Finalmente, entre peticiones frustradas de matrimonio, Kristoff canta Lost in the Woods, baladón rock cuya versión de la banda indie Weezer también está incluida en la banda sonora:

https://www.youtube.com/watch?v=4gIkKZz7qSM

Selección y reseña: Ángela Peralta (Departamento de Inglés)

Día de lluvia en Nueva York (Woody Allen, 2019)

Gatsby y Ashleigh son una joven pareja de universitarios americanos que van a pasar un fin de semana romántico en Nueva York, la ciudad de él, aprovechando que ella tiene que entrevistar a un prestigioso director de cine alternativo para la revista de la universidad. El plan de Gatsby es enseñar a su novia el Manhattan que ama, el de los clubes de piano de jazz, el de los grandes museos, el de los matices de grises,… pero nada sale como estaba previsto. Ese día de lluvia en el que se desarrolla la acción acaba siendo un cúmulo de desencuentros y de encuentros con personas de lo más variopinto, y de desenlaces imprevistos.

En esta película, marcada por la nostalgia y engañosamente simple, aparecen los rasgos característicos de la obra de Woody Allen: diálogos chispeantes, referencias a la tradición judía, situaciones disparatadas, personajes en crisis existencial, referencias culturales,, como el propio nombre del protagonista, y un canto de amor a la ciudad de Nueva York. Todo puede ocurrir en la gran manzana, desde una revelación inconfesable del pasado de la madre de Gatsby, pasando por estar en el momento justo en el lugar adecuado, hasta tomar una decisión trascendental para tu vida en un coche de caballos paseando por Central Park.

La sonrisa no me desapareció durante toda la película y vuelve a mí cada vez que vuelvo a recordarla. Espero que la disfrutéis.

Selección y reseña: Ana Bellé (Departamento de Innovación Educativa)

HER (Spike Jonze, 2013)

Her es una película escrita y dirigida por Spike Jonze (Donde viven los monstruos, 2009; Cómo ser John Malkovich,1999) que ganó un óscar al mejor guion original. El protagonista de la trama es Theodore, un escritor que trabaja escribiendo cartas personales por encargo para una empresa y que, tras separarse de su mujer y pasar una temporada melancólico jugando a los videojuegos, descubre un nuevo sistema operativo basado en inteligencia artificial (Samantha) que es capaz de asimilar grandes cantidades de información a través de la Big Data. A pesar de no poseer entidad física, Theodore se enamora del programa informático y establecen una especie de relación sentimental.

Uno de los grandes aciertos de la cinta es la incorporación de la voz de Scarlett Johansson al sistema operativo, lo que le proporciona una inesperada sensualidad. Por otra parte, es espectacular el diseño de la fotografía y la utilización de los colores. Los tonos pasteles con los que se presentan los planos contrastan con la tristeza del personaje principal y la frialdad de un mundo dominado por la tecnología que es presentado en alta definición.

Aunque transcurre en un futuro, este no nos parece muy lejano, por lo que no se resiente la verosimilitud del argumento. La investigación en inteligencia artificial es una de las prioridades en nuestros días y precisamente esta se basa en la Big Data, a través de la monitorización de datos a gran velocidad. Por medio de esta sincronicidad es precisamente como se diseñan los algoritmos que seleccionan la publicidad personalizada que cada uno de nosotros vemos en las aplicaciones del móvil. La reproducción de la inteligencia humana se nos aparece como una idea cada vez más posible y, desgraciadamente, más plausible. Frente a la soledad y el enfrentamiento, la IA aparece como una solución mágica que promete resolver todos nuestros males e incluso los del planeta.

La interpretación del protagonista corre a cargo de Joaquín Phoenix, quien con su bigote nos sugiere una actualización del presente hípster a futuro geek. Se trata de un ser excesivamente débil y sensible, que no es capaz de enfrentarse a la realidad, como en un momento determinado de la película le refiere su exmujer. Además, pide casi siempre comida a domicilio, lo que nos recuerda a todas las empresas de este sector que se han creado en los últimos años debido a una alta demanda.

En mi opinión, se trata de una historia distópica, aunque alejada de otras del mismo género. En este caso la apariencia es agradable, como los colores que impregnan todo el largometraje, pero debajo se esconden inquietantes preguntas acerca de nuestro propio futuro.

Selección y reseña: José Alberto Martín (Departamento de Lengua Española y Literatura)

CINE ESPAÑOL. Mientras dure la guerra (Alejandro Amenábar, 2019)

El crack cero (José Luis Garci, 2019)

Las dos últimas películas que he visto, me parecen bastante recomendables, una porque explica muy bien el origen de la Guerra civil (1936-1939), y otra porque se sitúa en los últimos días del franquismo y nos presenta una trama policial muy bien descrita.

La primera dirigida por Alejandro Aménabar, “Mientras dure la guerra”, nos describe los primeros días del alzamiento militar de julio de 1936, por la Junta de militares sublevados , compuesta por los generales Cabanellas, Franco, Mola, Millán Astray, y la actitud de uno de los principales intelectuales del primer tercio de siglo XX, que es Miguel de Unamuno.

Miguel de Unamuno, ensayista, filósofo, novelista, poeta, rector de la Universidad de Salamanca, fue uno de los mentores de la Segunda República. Cuando se produce la sublevación militar, el se manifiesta a su favor, pensando que sólo será un “rectificación de la República”, y no una dictadura. Cuando los sublevados empiezan su política de “represión”, y fusilamiento de sus mejores amigos , Unamuno vuelve a rectificar, y cuando puede usar su verbo, pronuncia su discurso premonitorio. ¡ Venceréis, pero no convenceréis!…

Magistral la interpretación de los actores, Karra Elejalde como Unamuno, Eduard Fernández como Millán Astray…Se debe ver, para entender la Historia de España, y no volver a caer en los errores de siempre. Película para aprender y reflexionar.

La segunda, “El Crack 0.”, del gran José Luis Garci, es la precuela de las dos anteriores que había hecho con Alfredo Landa como comisario. Un detective privado, germán Areta, debe resolver un caso de asesinato en el Madrid de 1975.

Todo vale, la sagacidad del detective, los métodos poco ortodoxos, los chivatazos, los favores entre colegas del mundo policial. No cuento más. Es en blanco y negro, recuperando el ambiente de blanco y negro del momento del final del franquismo.

Recuerdo que lo primero que vimos en color, en los escaparates de las tiendas de electrodomésticos, fue el entierro de Franco y la coronación de Juan Carlos como rey. Pero el blanco y negro le da el perfecto ambiente a la trama. La interpretación de actores principales y secundarios está bordada. Vayan a verla, en blanco y negro, sin color, como una parte de la Historia de España, en dos colores.

Selección y reseña: Francisco Murillo (Departamento de Geografía  e Historia)

Rob Roy (Michael Caton-Jones, 1995)

La película de esta semana nos lleva a la legendaria Escocia del siglo XVIII. En esta secuencia temporal, se produciría la unión de dicho territorio con Inglaterra. Formando así el Reino Unido (Acta de Unión, 1707) no sin cierto rechazo por parte de gran parte del pueblo y la aristocracia escocesa.

En este caso hablamos de un personaje real, Robert Roy MacGregor, que vivió entre 1671 y 1734, aunque envuelto en la leyenda, gracias a una versión novelada coetánea escrita por Daniel Defoe en 1723, pero sobre todo a partir de a la novela del escocés Sir Walter Scott publicada un siglo más tarde, en 1817. En ella se narran de forma bastante cercana a la realidad los hechos que hicieron víctima a esta figura de una estafa que pretendió desahuciarlo a él y a su familia de su hogar (puesto como garantía de un préstamo solicitado) acusándoles de no poder pagar la deuda por culpa de una trama corrupta que robó el dinero con el que MacGregor hubiera satisfecho la cantidad debida). Esta situación se muestra muy bien en el largometraje que irá derivando a una intriga y tensión cada vez más tensas y emocionantes.

Para situar más al personaje en su contexto sociopolítico, hay que añadir que ya a los 18 años, Rob Roy acudió a luchar junto a su padre apoyando la causa de Jacobo Estuardo frente a Guillermo de Orange como hicieron la mayoría de los clanes escoceses. Tras la derrota de la causa “jacobita” la represión fue patente en Escocia. El propio padre de Rob, fue encarcelado durante unos años.

Otras obras literarias relacionadas con el tema tratado llevadas a la pantalla, son dos novelas clave del también escocés, Robert Louis Stevenson. La primera de ellas, El señor de Ballantry, publicada en 1888, situaría la acción unas décadas más tarde de la acción de Rob Roy, tras la derrota escocesa de Culloden (1746). Fue puesta en escena en dos ocasiones: para la gran pantalla en 1953, interpretada por Errol Flynn, y para la televisión en 1984, interpretada por Michael York. Otra novela fundamental sería Secuestrado, publicada en 1886 y traducida en España como Las aventuras de David Balfour, interpretada por Brian MacCardie (que da vida al hermano de Rob Roy en la versión que nos ocupa) y Armand Assante y producida ni más ni menos que por Francis Ford Coppola en 1995. Referencia obligada en los últimos años es la exitosa serie Outlander, entre lo fantástico y lo histórico, que está a punto de estrenar su 5ª temporada.

Volviendo a la puesta en escena de la historia que nos ocupa, nos encontraríamos en primer lugar con la versión sobre el mismo personaje llevada a cabo en 1953 por la productora Disney.

Así mismo, varias son las obras que muestran referencias o se sitúan en Escocia a lo largo de sucesivas épocas. La más conocida sin lugar a dudas es la épica y espectacular (aunque con numerosos errores históricos) Braveheart. No hay que olvidar dos recientes (e interesantes) “películas de romanos” situadas en la antigua Caledonia (actual Escocia) como son Centurión (reseñada la temporada pasada en “La Película de la semana”) y La legión del águila. Otro personaje fundamental es María Estuardo cuya historia ha sido llevada al cine ya casi desde los principios del mismo, pero sobre todo destacar los ejemplos de 1936 con Katherine Hepburn, 1971 con Vanessa Redgrave o la más reciente con Saoirse Ronan (2018).

Si nos trasladamos a otros periodos o sencillamente, mostrando aspectos folklóricos o vida cotidiana, aparecerían ejemplos muy diversos como el musical Brigadoon, Whiskey a raudales, La horca puede esperar , Perros de paja, El ojo de la aguja , Local Hero o Highlander (traducida esta última en España como “Los inmortales” y protagonizada por el también escocés Sean Connery.

Otras cintas más recientes que tendrían a Escocia como telón de fondo serían obras tan diversas como Transpoitting, Stardust, The Angel´s Share (“La Parte de los ángeles”), de Ken Loach, Brave o el reciente musical Sunshine on Leith, rodada en su mayor parte en Edimburgo.

Finalmente, para centrarnos en el presente largometraje se podría encuadrar dentro de lo que sería el “cine de aventuras” que se retomó con más rigor (ambientación, vestuario, diálogos, banda sonora, fotografía, etc) en los años 90. En este caso la recreación de la Escocia del siglo XVIII es impresionante. A esto ayudan las magistrales presencias de Liam Neeson, Jessica Lange, Tim Roth o John Hurt, dirigidos por Michael Caton-Jones. El reparto se completaría con fabulosos actores y actrices de reparto como Brian Cox, Eric Stoltz, Brian MacCardie o Vicki Masson.

Como broche final, es de destacar la maravillosa presencia de la cantante escocesa Karen Matheson interpretando el tema tradicional en gaélico “Ailein duinn, junto a su banda Capercaillie.

Selección y reseña: Pedro Vizcaíno (Departamento de Geografía e Historia)

Joker (Todd Philips, 2019)

Esta impactante película, dirigida por Todd Phillips, tiene pinta de ser una de las triunfadoras de los próximos premios Oscar. Su actor protagonista, Joaquín Phoenix, está en todas las quinielas para ganar (por fin) la preciada estatuilla. Aun así, no es una película fácil de ver. Esta interpretación libre del famoso personaje de los cómics, antagonista por excelencia de Batman, deja un regusto amargo al salir del cine pese a ser, en mi opinión, una gran película. Y a la vez, deja al espectador con muchos temas para la reflexión.

En una inhabitable Gotham, que podría ser cualquiera de las grandes ciudades de Estados Unidos, Arthur Fleck lucha por sobrevivir entre su enfermedad mental, su trabajo precario como payaso y el cuidado de su anciana madre, la cual no le llama por su nombre, sino “Happy”. En este entorno tan hostil la película trata de manera magistral temas como la violencia, tanto física como psicológica como institucional. Dentro de este contexto, vemos como dicha violencia degenera en sangrientos y aparatosos asesinatos, que provocan una espiral de locura y destrucción de la que surge el supervillano Joker.

En esta conversión en Joker la enfermedad mental de Arthur tiene mucho que ver. La realidad y la visión de la misma que Arthur tiene debido a sus delirios se mezclan hasta que el espectador no sabe a qué atenerse. Asimismo, las fronteras entre el bien y el mal se vuelven difusas para alguien como Arthur, que ve como pierde el control de su vida mientras que los poderosos que aparecen en la televisión tratan como escoria a la gente como él.

Joker está lleno de símbolos y de guiños a la cultura popular estadounidense. El sueño de Arthur es convertirse en una figura de la “stand up comedy”. Él y su madre consumen compulsivamente cine del Hollywood clásico en su viejo televisor. La escena de Arthur, con su metamorfósis consumada, bailando al ritmo de Rock’n’Roll 2 de Gary Glitter probablemente pasará a la historia del cine. También hay algún homenaje a anteriores Jokers, como la sonrisa histriónica que tiene el dibujo en la pared de Murray Franklin (interpretado por Robert de Niro), que nos recuerda inevitablemente al Joker que Jack Nicholson interpretó en Batman, la película de Tim Burton de 1989.

Selección y reseña: Ángela Peralta (Departamento de Inglés)

Blinded by the light (Gurinder Chadha, 2019)

Blinded by the light nos cuenta una historia real basada en la vida de Sarfraz Manzoor, un joven de 16 años, nacido en Inglaterra, pero de familia pakistaní.

Javed es el personaje de la película en el que se basa su historia. Su familia es muy estricta respecto a sus costumbres y para Javed es complicado encontrar el equilibrio entre su familia y la vida fuera de su comunidad.

Esta película nos cuenta los conflictos que surgen en la adolescencia, la relación entre padres e hijos durante estos años. Aunque aquí nos muestra la comunidad pakistaní en Inglaterra, estos conflictos son comunes en todas las culturas, por lo que todos nos podemos sentir identificados. El protagonista lucha por encontrar su propio camino, poder mantener las costumbres de su familia, pero también integrarse en la Inglaterra de los años 80.

Javed vive en Luton, una ciudad cerca de Londres, donde nunca ocurre nada. La vida de Javed transcurre entre el instituto, donde sufre acoso y no está integrado, y trabajos precarios para ayudar a su familia en una época de gran crisis económica en la Inglaterra de Thatcher. También nos muestra los problemas de racismo y xenofobia que surgieron en Inglaterra y que continúan hoy en día.

Pero todo cambia cuando descubre a Bruce Springsteen. De repente todo tiene sentido, se siente identificado con sus letras, llenas de carga social y humana. Le ayudan a resolver los conflictos que por los que está pasando. Encuentra la fuerza para mostrarse al exterior como realmente se siente. Conoce a una chica, cambia su forma de vestir y es capaz de enfrentarse a su familia para poder lograr lo que quiere ser en el futuro.

Sin ser un musical, la música está presente durante toda la película, integrándose en los sucesos que va viviendo nuestro protagonista. Es una película entretenida, para pasar un buen rato e indispensable para los fans de Bruce Springsteen.

Selección y reseña: Beatriz Mínguez (Departamento de Matemáticas)

Yesterday (Danny Boyle, 2019)

¿Qué sería del mundo si nadie se acordara de los Beatles? Un apagón eléctrico a nivel global provoca que las canciones del probablemente más famoso grupo del mundo desaparezcan de la memoria de todos los habitantes del planeta, con la excepción del protagonista, Jack, un músico que no ha conseguido alcanzar el éxito y que se arrastra por festivales sin mucha fortuna, apoyado por su eterna fan y amiga Ellie.

A punto de abandonar su carrera musical, hacer suyas estas canciones podría ser la única oportunidad de triunfar pero… ¿habrá alguien más que las recuerde?

Himesh Patel, conocido sobre todo por su papel en la serie británica East Enders y Lily James, a la que ya vimos en La Cenicienta (2015), son la pareja protagonista de esta historia que comienza en una pequeña localidad de Inglaterra, y que nos plantea cómo ser felices persiguiendo nuestros sueños o incluso dejando de perseguirlos.

En Yesterday, todos los que conocemos al cuarteto de Liverpool podremos disfrutar de nuevo de sus canciones, y aquellos que, como los habitantes de este mundo alternativo, nunca los han escuchado, no se podrán resistir ante la melancolía de Yesterday, o el ritmo de Help!, demostrando que las buenas melodías atrapan desde la primera nota, incluso a Ed Sheeran, que realiza un cameo.

Danny Boyle, director de la premiada Slumdog Millionaire (2008), nos deleita con esta comedia que se aleja de la oscuridad de buena parte de sus anteriores films, creando una película sencilla, divertida, emotiva y bienintencionada, que nos hace salir del cine con una sonrisa y que, sin duda, podrá iluminar una lluviosa tarde del otoño que ya está aquí.

Selección y reseña: Patricia Chavarrías (Departamento de Lengua Española y Literatura)

Michael Colins (Neil Jordan, 1996)

La película de esta semana se centra en un largometraje ambientado en el siglo XX(cumpliéndose un siglo del proceso que narra). Se trata concretamente de la película Michael Collins, dirigida por el irlandés Neil Jordan en 1996.

Irlanda ha sido llevada al cine en innumerables ocasiones  por diferentes autores, uno de ellos sería Robert Flaherty con su magistral Hombres de Aran (1934), aunque en seguida nos encontraríamos con John Ford en El delator (1935) o Luces de rebeldía(1959) de Michael Anderson, sobre el tema de la lucha por la independencia irlandesa o El hombre tranquilo (1952) en un tono relajado y de un humorismo costumbrista como décadas después nos encontramos en Café irlandés (1993) o La camioneta (1996).  

Siguiendo con el costumbrismo podemos seguir desde el punto de vista de la Irlanda rural con El Prado (1990), Un viaje desde el corazón (1998), Escapada al sur (1991), El baile de agosto (1998) u Ondine (2009) (conectando estas tres últimas con el mundo mítico y mágico tan presente  en  la “isla esmeralda”) hasta llegar a la Irlanda urbana con Dublín (o en ocasiones Belfast) como telón de fondo; algunos ejemplos en este sentido serían el musical The commitments (1991), Desayuno en Plutón (2005) o Once(2009), relacionadas las tres con el mundo de la música (aspecto sin el que no se entenderían bien  la cultura y el carácter de esta isla).

La Irlanda de mediados del siglo XX aparecería muy bien retratada en ejemplos como Círculo de amigos (1994), Las hermanas de la Magdalena (2002) o Los chicos de San Judas (2003).  Las dos últimas analizarían algunos de los episodios más oscuros de la Iglesia Católica en la sociedad irlandesa.

Mención aparte  merece una obra maestra, ambientada en el siglo XVIII, que desarrolla parte de su trama en Irlanda, no es otra que la magnífica Barry Lyndon dirigida en 1975 por el genial Stanley Kubrick.

Volviendo de nuevo a largometrajes relacionados con la independencia de Irlanda y su conflicto con el Reino Unido, citaré una serie de  ejemplos significativos como Cal (1984),  Requiem por los que van a morir (1987), Agenda oculta (1990), Juego de lágrimas (1992), En el nombre del padre  (1994),  En el nombre del hijo (1996),  The boxer (1997), Domingo sangriento (2002), Omagh (2004) o 71 (2015).

Finalmente la emblemática La hija de Ryan (1970) de David Lean o El viento que agita la cebada (2006), de Ken Loach, nos llevarían de nuevo al conflicto de los años de la independencia que retrata Michael Collins.

Irlanda (y su proceso de independencia) es en este caso el tema que nos ocupa.

Para entender mejor el origen de dicho conflicto, su desarrollo y el proceso de independencia posterior,  deberíamos quizá hacer un viaje en el tiempo a aquella isla que no controlaron los romanos, seguir por  la Irlanda de los “cinco reinos” en los albores de la Edad Media que floreció culturalmente con sus monasterios,  vivió  invasiones y asentamientos vikingos,  pasando por las distintas invasiones anglonormandas e inglesas del siglo XII al XVII  que culminaron en el saqueo y represión de la época de Cromwell (hacia 1650). A continuación se sucedería la anexión y explotación de los siglos XVIII y XIX por parte del Imperio Británico, dejando a su suerte a la desdichada Irlanda  durante “la Gran Hambruna” de 1845-1849.

Ejemplos como el de WolfTone a finales del siglo XVIII o Daniel O´Connell  y Charles Stewart Parnell en el siglo XIX, pondrían los cimientos de la futura independencia del siglo siguiente con el Levantamiento de Pascua de abril de 1916, que desembocaría tres años después en el inicio de la rebelión que se desarrolló el 21 de enero de 1921 al 11 de julio de 1921 y que tras una guerra civil posterior de casi un año, consiguió finalmente convertir a la “isla esmeralda” en  una  República Independiente.  

Es en este contexto donde nos encontramos con la figura de Michael Collins (1890–1922), revolucionario irlandés, soldado y político, figura líder en la lucha irlandesa de principios del siglo XX por la independencia y finalmente Presidente del Gobierno Provisional del Estado Libre de Irlanda desde enero de 1922 hasta su asesinato en agosto de ese mismo año.

El film fue apreciado por los críticos en cuanto a su forma narrativa y estructura, aunque fue bastante cuestionado por los historiadores debido a algunos errores e imprecisiones históricas, sobre todo en lo relativo a las relaciones sentimentales del protagonista  con  Katty Kiernan (interpretada en la presente película por Julia Roberts).

La Historia y su plasmación en el largometraje, han sido relacionados de manera muy interesante en un artículo del profesor  y  escritor Ramón Luque. Citando sus palabras:  “Todo esto se encuentra latente  en el film de Jordan, aunque quizás sea la  propia figura de Collins, un “modernizador” de la lucha nacionalista, la que mejor representa los nuevos tiempos que corrían para la causa irlandesa en la época en la que transcurre este filmAl lado de la trama política,  se desarrolla la  historia “sentimental”, protagonizada por el triángulo que forman Collins, su compañero Harry Bolland y Kitty Kierman, amiga de ambos y prometida de Collins.”

Siguiendo con los planteamientos de Luque  y pasando a aspectos puramente cinematográficos,  Jordan intenta camuflar con sendos homenajes a Jules et Jim  y El padrino… Efectivamente, mediante esa visión “moderna” del amor, Jordan se acerca a Truffaut, y con ciertos montajes paralelos que alternan romance y violencia, el director irlandés homenajea a Coppola.

Para acabar, reseñar la ficha cinematográfica citando por supuesto a su director NeilJordan (Sligo, Irlanda, 1950) autor de obras ya señaladas como Juego de lágrimas, Desayuno en Plutón u Ondine, y autor también de En compañía de lobos, Nunca fuimos ángeles, Entrevista con el vampiro, El fin del romance o la más reciente La viuda.

En cuanto al reparto, intérpretes de primera fila como Liam Neeson o Julia Roberts, al lado de punteros actores irlandeses como Stephen Rea (habitual en los castings de Jordan), Aidan Quinn o el británico (aunque de raíces irlandesas) Ian Hart, además de “secundarios” de primer nivel.

El equipo técnico completa magistralmente este largometraje fundamental dentro del género que nos ocupa.

Selección y reseña: Pedro Vizcaíno (Departamento de Geografía e Historia)

La historia interminable (Wolfgang Petersen, 1984)

Si en nuestra sección literaria (El Libro de la Semana) te he recomendado la excelente novela de Michael Ende, aquí voy a hacer lo propio con la adaptación cinematográfica que durante la década de los 80 dirigió Wolfgang Petersen, de homónimo título: La historia interminable.

Debes tener en cuenta que hace más de treinta años los efectos especiales digitales no tenían la presencia protagónica que ostentan en el cine actual, por lo que el cine de fantasía, ambientado en mundos exóticos y rico en personajes extraordinarios, necesitaba de elaborados decorados y sofisticados efectos especiales de maquillaje. La historia interminable, que no hace muchos años volvió a reestrenarse en pantallas grandes (demostrando lo bien que había resistido al paso de los años), fue uno de los grandes éxitos de aquella década; un tremendo espectáculo que, abalado por la calidad del original literario, convocó frente a la pantalla a grandes y pequeños. Aquella historia, en la que un niño que sufría acoso se refugiaba en las páginas de un libro mágico, gustó y emocionó a públicos de distintas edades, formando parte de una serie de películas no menos loables que conformaron algunos de los mejores intentos cinematográficos por acercarse al género de la fantasía heroica y del cuento maravilloso: Legend, Cristal oscuro o Krull fueron otras de las propuestas de aquel entonces.

Llama la atención que, de todas ellas, tan solo la película de Petersen conoció dos continuaciones que, con desigual fortuna, adaptaban pasajes de la novela de Michael Ende que habían quedado fuera de esta primera producción, por cuestiones de complejidad argumental y coste económico (si bien es cierto que, recientemente, la magnífica Cristal oscuro ha conocido una estupenda precuela, en Netflix, en forma de serie). Como ya te he explicado en nuestra sección literaria, la extensa novela de Ende es tan elaborada como ambiciosa, y resultó todo un acierto para el gran público (aunque decepcionó en parte a muchos entusiastas de la novela) la simplificación sufrida.

Como curiosidad, te dejo el enlace al tema musical de la película, todo un clásico de la canción pop, interpretado por Limahl y que, hoy por hoy, ha sido reutilizado, a manera de homenaje, en la tercera temporada de “Stranger Things”.

Selección y reseña: Alberto Jiménez

The perfeccionists (Elizabeth Allen, 2019)

The perfeccionists es una serie de la que, por el momento, tan solo han sacado la primera, y maravillosa, temporada.

Realmente estamos ante la “continuación” de Pretty Little Liars (Pequeñas mentirosas), ya que se cuenta como siguen las vidas de Alison y Mona; si bien deberéis ver la serie para descubrir que más hay en común, es decir, qué personajes aparecen o no respecto de la otra serie.

Personalmente, The perfeccionists me ha gustado muchísimo, puesto que es tan emocionante (o más) que Pequeñas mentirosas, aunque no tan conocida, por lo que, con estas líneas y sin desvelaros nada más, os invito a que la descubráis.

Pensad que el verano es muy largo, y las vacaciones son un momento perfecto para disfrutar de ambas series.

¡Feliz verano!

Selección y reseña: Daniela Castro

Pequeñas mentirosas (Marlene King, Chad Love)

Pequeñas mentirosas es una serie que cuenta la historia de cinco chicas, una de ellas, Alison Dilaurentis, ha desaparecido. Un año después de su misteriosa desaparición, a sus amigas, Aria, Hannah, Spencer y Emily les empiezan a llegar unos mensajes amenazantes de alguien llamado A.