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La película de la semana

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Blog de la AMPA

VENECIAFRENIA (ÁLEX DE LA IGLESIA)

Venecia, ciudad en la que sólo he estado a través del cine, es uno de esos lugares masificados por una de las tendencias actuales de las sociedades avanzadas: el turismo. Paladas y paladas de turistas acudiendo en masa a la ciudad de los canales, y del carnaval, para perturbar la paz de las buenas gentes autóctonas.

Este curioso fenómeno le ha servido a Álex de la Iglesia (quizás uno de los directores de nuestro cine a tener más en cuenta) para plantear su última película (estrenada hace pocas semanas en cine y ya disponible en Prime Video): Veneciafrenia.

Tras tan extraño título se esconde una película de terror que bebe de la más pura tradición de la serie b en la que, como no podía ser de otra manera, un carnavalesco enmascarado pasará a cuchillo (y espada) a más de un molesto turista. Una broma bañada en humor negro (como suele ser habitual en la filmografía del director) en la que también se satiriza la anestesia de nuestra sociedad actual frente a los comportamientos violentos.

Una película de género, sin mayores ambiciones, en la que Venecia acaba siendo un protagonista más, remitiendo a otros títulos que han plasmado la carismática ciudad desde una perspectiva siniestra, tal y como es el caso de Nosferatu en Venecia y sobre todo, Amenaza en la sombra.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

 

DÍAS MEJORES

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Todos tenemos días buenos, malos, mejores y peores…pero siempre te repones de ellos al día siguiente: en una cena con amigos o tomando algo solo o acompañado… Normalmente, hay días mejores. Para los personajes de esta serie los hubo y los habrá, pero se encuentran en un momento de su vida en el que no ven la posibilidad de salir a flote.

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Son cinco los personajes que protagonizan la serie: una terapeuta y cuatro personas que han perdido a un ser querido y han tenido que hacerse cargo de sus hijos e hijas tras ese trágico suceso. Debes armarte de varios paquetes de pañuelos para poder sobrellevar los primeros capítulos, lo de llorar se coloca en primer plano. Quizás las circunstancias de cada personaje; quizás te sientas identificado o identificada con alguna de las historias, quizá todo o quizás nada…el caso es que lacrimógena es un rato, eso sí, luego mejora. No estamos hablando de una tragedia al uso, ni de una comedia sin más…es una montaña rusa de emociones que te hace reír y llorar, llorar y reír.

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Desde luego la trama engancha, pero los actores que la protagonizan tienen también la capacidad de pegarte a la pantalla y no soltarte: Josean Bengoetxea, Marta Hazas, Blanca Portillo, que en su puesta en escena no tiene parangón. Solamente su aparición en la pantalla ya hace que tengas curiosidad por saber por dónde va a salir, y , por supuesto, no decepciona. Es una terapeuta que no da puntada sin hilo, siempre te da lo que quieres (o quizás no) escuchar. Una sinceridad seca que necesita quien debe dar un paso adelante, alguien sumido en una inmensa pena de la que no sabe cómo ni cuando salir.

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Y es que…¿Cuándo es el momento de terminar un duelo? Es una de las cuestiones a las que se enfrentan los protagonistas. Personas que han perdido a sus parejas, que se enfrentan solos a la vida con sus hijos e hijas…¿cuándo continuar tu vida? ¿Cuándo se siente uno capacitado para dar un paso adelante? Quizás nunca o quizás al día siguiente. El duelo, como bien nos presenta esta serie, tiene mil caras y mil caminos. Te afecta, te hunde, te marca, pero te da una nueva oportunidad, siempre y cuando te sobrepongas de él, claro.

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Buena opción para pensar en otras cosas, para sumirte en la profunda pena y reír cuando menos te lo esperes. Buena opción para pasar una noche, una tarde o simplemente darte cuenta de la vida es fugaz, que todo puede cambiar en un solo segundo y que hay días malos, pero siempre hay días mejores.

Amelia Pellicer (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

REBELDES DEL SWING (THOMAS CARTER)

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Comenzamos junio con un largometraje de referencia que tenía que haber visitado esta sección ya hace tiempo, máxime cuando tiene un alto valor didáctico y parte del alumnado de este Centro Educativo la conoce, ha trabajado con ella y le “engancha” al conectar y empatizar con la trama que nos narra.

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Viajaremos en concreto a la turbulenta Alemania de los años 30, con el nazismo como telón de fondo.
Esta época, sin contar el conflicto subsiguiente (la 2ª Guerra Mundial) ha sido abordada en incontables situaciones, al igual que uno de sus hechos más terribles (el Holocausto), así que seré más breve que en otras ocasiones, ciñéndome exclusivamente a la Alemania de entreguerras destacando títulos clave como “El huevo de la serpiente” (1977) de Ingmar Bergman, “El tambor de hojalata” (1979), de Volker Schlöndorff (basada en la novela homónima de Günter Grass) o “Cabaret” (1972) de Bob Fosse. Más recientes serían “Good” (2008) de Vicente Amorim, interpretada por Vigo Mortenssen y Jason Isaacs. Finalmente, aunque transcurre exclusivamente en los años 20, es de destacar la serie “Berlin Alexanderplatz”, dirigida en 1980 por Rainer W. Fassbinder, basada en la obra homónima de Alfred Döblin, publicada en 1929.

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Sin embargo, no puedo dejar de citar algunas películas significativas sobre la ideología nazi y sus efectos en la sociedad del momento: “El Gran Dictador” (1940), “Vencedores o vencidos” (1961), “La Lista de Schindler” (1993), “La conspiración” (2001), “El pianista” (2002), “El niño con el pijama de rayas” (2008), “La ladrona de libros” (2013), “Negación” (2016), “El fotógrafo de Mauthausen” (2018) o “Jojo Rabbit” (2019), por citar una pequeña muestra de ellas.

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El mundo del Cine Documental también está lleno de ejemplos, algunos de los más recientes serían algunos de los capítulos de la serie “Apocalipsis”, “La vida con Hitler” o “Las mujeres del Tercer Reich”.
Finalmente títulos como “American History X” (1998), “La ola” (2008) o incluso “Taxi” (1996) de Carlos Saura, nos hablarían de los presencia de la ideología neonazi en las últimas décadas.

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En cuanto al largometraje que nos ocupa, está ambientado en la Alemania nazi de 1939, justo antes de la Segunda Guerra Mundial, en él, se advierte el enfrentamiento entre dos concepciones sociopolíticas y culturales totalmente distintas, el régimen totalitario de Hitler y los llamados «chicos Swing», un movimiento cultural y estético de jóvenes alemanes amantes de la música swing americana surgido durante los años 30. La música Swing que impregna de manera explícita o implícita toda la película, tiñéndola casi de Musical en algunos momentos y que en ocasiones nos invita a bailar. La vida frente a la muerte, la alegría frente a la severidad, la diversidad frente al pensamiento único, la libertad frente al totalitarismo. Una lección de Ética y dignidad frente a la sinrazón, la represión y la violencia.

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Volviendo a aspectos puramente cinematográficos, citaré a su director Thomas Carter, no muy conocido por sus trabajos característicos, pero si por sus series televisivas “MASH”, “Canción triste de Hill Street” (“Hillstreet Blues”), “Fame” o “Miami vice” (“Corrupción en Miami”).

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En lo referente a sus protagonistas, ¿qué decir de Robert Sean Leonard? “El club de los poetas muertos”(1989), “La edad de la inocencia” (1993) o la serie “House”; Christian Bale “El Imperio del sol” (1988), “La isla del tesoro” (1990), “Mujercitas” (1994) “American psycho” (2000), “El nuevo mundo” (2005), “El truco final” (2006), “El caballero oscuro”(2008), o “The fighter” (2010); Kenneth Branagh , gran actor y director de obras de versiones cinematográficas shakesperianas “Enrique V” (1989), “Mucho ruido y pocas nueces”, (1993), “Hamlet” (1996) u otras como “Los amigos de Peter” (1992),“Frankenstein” (1994), sus intervenciones en algunas entregas de la serie de Harry Potter o la más reciente versión de “La Cenicienta” (2015). Sus últimas realizaciones, serían sus versiones de “Asesinato en el Orient Express” (2017) o “Muerte en el Nilo” (2022). Finalmente Barbara Hershey “Hannah y sus hermanas” (1986), “La última tentación de Cristo” (1989), “Retrato de una dama” (1996) o “Cisne Negro” (2010).

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Insistir para acabar en el fundamental papel de la Música en el largometraje, y en ese sentido el trabajo del coreógrafo Otis Sallid que obtuvo un American Choreography Award por su trabajo en la película.
Por todo lo expuesto, y volviendo al inicio de esta reseña, sobraban las razones para que este largometraje por fin viniese a La película de la semana.

Pedro Vizcaíno (Departamento de Geografía e Historia)

INFRAMAN (HUA SHAN)

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Hoy voy a hablaros de una de las películas de mi infancia, un divertimento setentero, procedente del lejano Oriente, que era un cóctel perfecto de ciencia ficción y artes marciales. Una película increíble para su época, pero mucho más increíble hoy por hoy: Inframan, el defensor del mundo.

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La historieta, sencilla. Una cuadrilla de alienígenas, a cada cual más extraño (tipos enfundados en esperpénticos trajes de goma), liderados por una terrible y hermosa vampiresa vienen a nuestro planeta para, como suele ser habitual, someter a la humanidad.

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Ante tamaña amenaza, el científico de turno tiene a bien crear un arma definitiva para repeler a los dichosos monstruitos. Un valiente muchacho se presta voluntario para el experimento, transformándose, siempre y cuando haga una serie de movimientos con sus brazos y pronuncie las palabras adecuadas, en el imbatible Inframan, todo un precedente del televisivo Bioman o de los populares Power Rangers.

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Con pocos medios pero muchísima imaginación, ver Inframan es pagar un pasaje para acceder a un tipo de cine en vías de extinción (sino extinguido ya) pero lleno de encanto, gracias a sus decorados, a sus efectos de sonido, a sus trucajes, a su vestuario… Una película que cambiaba la falta de presupuesto por el ingenio, buscando la complicidad de un tipo de espectador que entraba al cine para ver un entretenimiento sin complicaciones, apto para toda la familia, buscando diversión sana y directa, lejos de las ambiciones, complejidades y dobles sentidos de algunas propuestas actuales que, supuestamente, pertenecen al mismo género.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

EL COLAPSO

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El Colapso es una miniserie francesa que se estrenó a mediados de 2020 a través de la plataforma FILMIN. Únicamente cuenta con ocho episodios de veinte minutos cada uno, pero se podría decir que es suficiente por lo intensa.

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Básicamente se trata de una ficción que muestra cómo se desarrollan los acontecimientos tras un gran colapso mundial. El porqué del colapso no es un elemento central ya que en ningún momento se hace referencia a cómo se ha llegado a esa situación. Sí que se enseña cómo las personas reaccionan en las horas, semanas y meses posteriores a ese gran colapso. ¿Solidaridad, pánico, supervivencia…? la manera en la que cada uno reacciona es impredecible. ¿Cómo lo harías tú en esa situación? Supongo que habría que vivirlo para saberlo con certeza.

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Como su propio título anuncia, la serie es una clara referencia a un concepto nacido igualmente en Francia a principios del siglo XXI, la “colapsología”. Este movimiento estudia el colapso de la civilización industrial y sus potenciales consecuencias. De acuerdo a los colapsólogos, el colapso de la civilización industrial podría provenir de la conjunción de diferentes crisis: crisis medioambiental, energética, económica, geopolítica, democrática…

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Algo curioso e interesante de esta serie es que se escribió y rodó en los meses anteriores a la expansión de la COVID-19 y por ello se estrenó en un momento clave. Entonces, la población se encontraba especialmente vulnerable de cara a este género. Sin ir más lejos, en el primer capítulo se nos muestra un supermercado en el que empiezan a escasear ciertos productos, lo cual posiblemente nos resulte extrañamente familiar y nos lleve a esos momentos de inseguridad y tensión que en tantos lugares se vivieron los primeros meses de 2020.

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Los ocho capítulos están grabados en plano secuencia, lo que contribuye a que la angustia e intranquilidad alcancen más fácilmente al espectador, hace que se trate de una experiencia muy real. En cada uno de ellos se nos muestran 20 minutos de caos en diferentes escenarios y cada uno transcurre en una única localización: un supermercado, una central nuclear o una residencia de ancianos son algunos de ellos. Otro de sus puntos fuertes es que no se trata de una serie calificable de ficción, si no que sabes que perfectamente esto podría ocurrir mañana, tal y como predecían los periódicos Austriacos allá por noviembre de 2021 con el gran apagón.

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Si os gustan las películas y series postapocalíticas, distópicas y de escenarios futuros o no tan futuros, os aconsejo que no os la perdáis.

Andrea Elvira (Departamento de Física y Química)

 

KARATE KID (JOHN G. AVILDSEN)

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Un muchacho llega a una nueva ciudad, en compañía de su madre. Nuevo instituto, nuevos compañeros, nuevos amores y unos insidiosos acosadores a los que, además, se les da bastante bien lo de las artes marciales.

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Pero, por fortuna, entra un elemento clave en esta ecuación típica de la vida de un adolescente (y del cine de artes marciales): el sabio oriental, magistralmente interpretado, por cierto, por Pat Morita, que va a acoger a nuestro protagonista (Ralph Macchio) como si se tratara de ese padre que le falta.

THE KARATE KID III, Ralph Macchio, Pat Morita, 1989, (c)Columbia Pictures/courtesy Everett Collectio

¡Y qué casualidad! El sabio oriental es un maestro de kárate, y con técnicas insólitas (el célebre “dar cera, pulir cera”) hará que su joven amigo y “ahijado” no solo enfrente los avatares de su vida sino que, además, gane el célebre campeonato de kárate venciendo a su rival y acosador oficial.

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Un clásico inmediato. Una película entretenidísima, de las que no te cansas de ver, compuesta por una serie de piezas de esas que son perfectas: los actores, el guión, la fotografía, el montaje y, por supuesto, la banda sonora de Bill Conti.

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Su éxito fue tal que dio a luz no solo una trilogía sino una nueve versión protagonizada por Jaden Smith y ljhjhb, así como una excelente serie cinematográfica, que podéis ver en Netflix.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

SPENCER (PABLO LARRAÍN)

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Spencer es la última película (2021) del cineasta chileno Pablo Larraín, director de títulos como Jackie (2016), Neruda (2016) y No (2012), entre otros. La cinta está protagonizada por Kristen Stewart, quien ha conseguido desencasillarse del papel adolescente en la saga Crepúsculo que le dio fama mundial en 2008. Tanto es así que su interpretación de la Princesa Diana de Gales le ha valido numerosas nominaciones a premios incluyendo el Óscar a Mejor Actriz Principal en esta última edición de los Premios de la Academia.

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Spencer no es un biopic al uso, de hecho, la película comienza diciendo que es una “fábula” basada en hechos reales que pudieron pasar o no. La cinta imagina los acontecimientos que pudieron haber tenido lugar en el Palacio de Sandringham durante las vacaciones de Navidad de 1991. Esta fue la última Navidad que Diana pasó con la familia real antes de su separación del Príncipe Carlos.

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Diana es la protagonista absoluta de la historia. La película podría clasificarse como drama histórico, pero es obvio que el director juega con recursos del cine de terror para hacernos sentir lo mismo que la princesa debió sentir durante esa época de su vida. El espectador tiene un sentimiento de angustia y soledad constante, aún cuando Diana está rodeada de su familia. Los tres días que pasa en el Palacio de Sandringham la vemos intentando escapar. Intenta escapar tanto de las normas rígidas con las que tiene que vivir, así como escapar físicamente del palacio para ver la casa donde vivió de niña. Una casa que representa su vida pasada, a la que ella intenta volver. Una casa que está en ruinas.

Isabel Martínez (Departamento de Inglés)

TRAMONTANA (CARLOS PÉREZ FERRÉ)

Reciente todavía el día de San Jorge, festividad en Aragón, me ha parecido oportuno traer un pequeño largometraje cuyo escenario es precisamente la antigua Corona de Aragón. La Edad Media regresa por tanto a “La película de la semana”, en esta ocasión a través del Cine Español, aunque con un ejemplo no demasiado conocido del mismo.

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Dicha cinematografía no se ha prodigado en ejemplos de este tipo a pesar de que cuenta con ellos ya desde el cine mudo, con títulos como “Justicias del rey Don Pedro” (1910), o incluso alguna producción italiana o norteamericana (de Edison nada menos) basada en el Cid y en el periodo conocido como Reconquista.

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Volviendo a las producciones españolas, recordaré varios títulos de los años 40 a los 50 realizados en un tono épico, grandilocuente y a menudo fantasioso como “Inés de Castro” (1944), “Reina Santa” (1947) de Rafael Gil o “Amaya” (1952). Ya en los años 60, el espectáculo de “cartón piedra” continúa con coproducciones italianas como “El valle de las espadas” (1963) “Pedro el Cruel” (1963-4) o “La leyenda de los 100 Caballeros” (1964).

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Por supuesto, la figura del Cid ha sido objeto de puestas en escena en la pantalla, ya desde la citada producción italiana del Cine Mudo hasta la actual serie de 2020 para una popular plataforma audiovisual, pasando por supuesto por la producción megalómana y llena de errores de Anthony Mann (1961) hasta adaptaciones del cine de animación.

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El Camino de Santiago también ha contado con ejemplos de distinto signo como la beatífica “Cotolay” (1965) de José Antonio Nieves Conde, que sería interesante comparar con la iconoclasta obra de Luis Buñuel, «La Voie Lactée » (1970). Un intento más reciente aunque mejorable sería la serie de 2017 “El final del Camino”.

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El humor también se ha inspirado en dicha época. La “astracanada” más destacable es la adaptación de la obra de teatro de Pedro Muñoz Seca, “La venganza de Don Mendo” (1961) de Fernando Fernán Gómez o “La portentosa vida del padre Vicente” (1978) de Carles Mira. Otros ejemplos en este aspecto es mejor olvidarlos.

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De los años 70 a los 90 nos encontramos propuestas muy diversas; desde la irregular “El libro de Buen Amor” de 1974 y su lamentable secuela de 1976 a las interesantes “La espada negra” (1976) de Francisco Rovira Beleta, “La conquista de Albania” de Alfonso Ungría (1983) o “Al-Andalus, el camino del sol” de Jaime de Oriol (1989). Curiosas así mismo son “El aliento del diablo” (1993) y “Mar de Luna” (1995).

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Ya en 2005, destacar la versión cinematográfica (con sus luces y sus sombras) de “Tirant lo blanc” de Vicente Aranda. Quizá lo más positivo sea la recreación de la época.

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En cuanto a series de TV serían interesantes las producciones catalanas “Arnau” (1994) y “Ermessenda” (2011) o en Rtve la recomendable “Requiem por Granada”(1991), otras como“Pedro el Cruel”(1989), “Toledo” (2012) o la más reciente “Isabel” alternan aciertos y algún que otro fallo de puesta en escena y/o guión.

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Finalmente, destacar por supuesto las adaptaciones de las novelas de Alejandro Falcones “La catedral del mar” y su secuela “Los herederos de la tierra”, recién estrenada esta última en una conocida plataforma audiovisual.

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Para centrarnos en la película que nos ocupa, “Tramuntana” es una desconocida e interesante producción de Carlos Pérez Ferré (1991) que constituye una austera y a la vez digna recreación de la conquista y repoblación de Valencia.

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Con una recreación sencilla, para ser una “película de época”, justamente esa sería una baza a su favor para darle más veracidad aún a la historia que narra; la de un grupo de habitantes de la zona pirenaica que se dirigen hacia el Mediterráneo para asentarse en lo que se convertirá en el reino de Valencia. Se trata de las vicisitudes de “gente de a pie”, campesin@s, aldean@s (y algún que otro buscavidas) que acompañados por un caballero al que contratan para que les proteja y un sacerdote para que les “ayude espiritualmente”, formarán una expedición hacia su destino.

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Se trata de una “rara avis” en el cine español, ya que sin ser una obra magistral, es una muy digna producción que alterna acción intriga, pasión, mezquindad o solidaridad con alguna nota de humor. Refleja desde la cotidianeidad, una situación donde la guerra y los monarcas son el telón de fondo de una sociedad que quiere avanzar buscando nuevos horizontes a pesar de los obstáculos que surgen constantemente a su alrededor, trazando un relato donde el día a día son algo más que “espadazos”, superstición o violencia.

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Se trata por tanto de la historia de “gente normal”, de sus problemas, miedos e ilusiones que refleja de manera clara y evidente el fenómeno histórico conocido como “Repoblación”.

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Para acabar, señalar el elegido reparto de actrices y actores de la película, Emma Suárez, Jorge Sanz, Álvaro de Luna, Paco Algora, Quique San Francisco, Sara Mora o Walter Vidarte. Algun@s de ell@s de primera fila y dilatada trayectoria en el Cine español.

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Su director en cambio, Carlos Pérez Ferré (Alcoy 1958), no es apenas conocido. Señalaré por tanto obras suyas como “El estigma del miedo” (1982), “Quimera” (1987) “El premio” (1996), “Vivir sin miedo” (2005) o “El asunto Reiner” (2009). Guionista de televisión así mismo, ha intervenido en “Nada es para siempre” y “Amar en tiempos revueltos”.

“Tramuntana”, cine para entretener y aprender que no podía faltar en “La película de la semana”.

Pedro Vizcaíno Labanda (Departamento de Geografía e Historia)

THE BATMAN (MATT REEVES)

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Poco tiempo después de haber recibido la versión de Zack Snyder de La liga de la justicia nos llega una nueva película de uno de los más célebres personajes de DC Cómics: The Batman.

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Como viene siendo habitual en el cine más reciente, un nuevo actor (Robert Pattison) se enfunda el traje del hombre murciélago (prácticamente sin dejar que Ben Affleck lo colgara en la percha). Pero esto que estás leyendo no va a ser un comentario acerca de quién hace mejor de Batman sino un comentario entusiasta acerca del gran caudal de cultura popular que, desde su creación, al final de la década de los 30, gracias a la labor de Bob Kane, ha generado (en el mundo del propio cómic, del cine o de los videojuegos).

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Y es que, si estás interesado en las aventuras de Batman tienes diversión para rato, puesto que, si te pica la curiosidad, puedes intentar rescatar una de las primeras incursiones del enmascarado de Gotham en el mercado audiovisual, gracias a una película tan emblemática como inclasificable, que se aparta drásticamente del tono oscuro y detectivesco de su última entrega. Una película llena de luz y color, de un gran sentido del humor, deudora directa del tono desenfadado de las primeras historietas del genial personaje. Me estoy refiriendo al Batman de Adam West (uno de los primeros actores en encarnar, metido en un ceñido traje de licra) al hombre murciélago, acompañado de un pintoresco Robin (personaje inhabitual, por cierto, en las versiones más recientes). Una película de 1966 que debe su existencia a una popular serie de televisión que cuenta en su haber con los personajes más carismáticos de Gotham City, si bien encarnados por actores que quizás no te suenen: César Romero (Joker), Burgess Meredith (El Pingüino), Lee Meriweether (Catwoman) o Frank Gorshin (El acertijo).

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Y es que debes saber que el aspecto sombrío y descarnado que presenta Batman y su entorno hoy por hoy obedecen a un buen puñado de obras que vieron la luz allá por la década de los 80 y que, si te gusta el cómic, no debes dejar de conocer. A mí especialmente me gusta La broma asesina, pero, sin duda, es El regreso del señor de la noche, la obra maestra de Frank Miller, la que va a marcar la pauta a seguir, si bien no debemos dejar de lado otras obras significativas como Batman: The Cult (de mi idolatrado Bernie Wrightson). Estas novelas gráficas alentaron una película muy importante de finales de los 80, un éxito de taquilla que daba un giro de timón al concepto del vigilante de Gotham, que nos era presentado envuelto en sombras, aún no tan turbias como las que luego adornarían la trilogía de Christopher Nolan (iniciada por Batman Begins en 2005) o la versión más actual.

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Batman, de Tim Burton, en 1989, contaba en su haber con la presencia de un excelente Michael Keaton en el papel de Bruce Wayne/Batman y de una no menos estupenda Kim Basinger encarnando a la reportera Vicki Vale. Pero, sobre todo, el Batman de Tim Burton será recordada por la célebre interpretación de Jack Nicholson como Joker, siendo el primer gran actor de una larga lista de estrellas en interpretar al célebre payaso siniestro.

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Y es que, gracias al genial villano de la risa maligna podemos establecer un preciso recorrido por algunas de las últimas mejores películas del universo del hombre murciélago. Así las cosas, si todavía no la has visto, corre a disfrutar tanto de El caballero oscuro (segunda entrega de la imprescindible trilogía de Christopher Nolan, donde encontrarás la magistral interpretación que de Joker hizo Heath Ledger) como de Joker (original acercamiento al carismático villano encarnado por un impagable Joaquim Phoenix).

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Y haríamos mal si nos dejáramos en el tintero a Jared Leto, el Joker tanto de El escuadrón suicida como de la versión de Zack Snyder de La Liga de la Justicia. Y es que, si tienes ganas de más, puedes ver esta última película por partida doble (e incluso triple): La Liga de la Justicia versión de Joss Whedon, que se estrenó en cines y que nos devolvía un tratamiento del universo DC humorístico y simpático, alejándose de lo ténebre; La Liga de la Justicia versión de Zack Snyder, que se estrenó no hace mucho, en HBO, y cuyo metraje dobla en duración el de la versión de Joss Whedon; y La Liga de la Justicia versión de Zack Snyder en blanco y negro (que, al parecer, es tal y como la concibió Zack Snyder). Y es que este director era quien debía ampliar para Warner el universo DC, a través de películas que tampoco deberías perderte como El hombre de acero (donde todavía no aparece Batman) y Batman vs. Superman (de la cual, por cierto, también existen dos montajes).

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Como ves, tienes Batman para rato. Pero, por si quieres más, te recomiendo leer algunas no menos interesantes obras del cómic que las citadas con anterioridad, tal y como es el caso de Batman: Asylum, Batman: Año cero o El largo Halloween, que es la novela gráfica en la que, en parte, se basa la última versión cinematográfica.

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En caso de que te canses de leer o de ver cine, puedes también dedicar unas buenas horas a jugar a las diferentes versiones que nos ha ofrecido el mundo del videojuego. Si te gusta lo “retro” puedes jugar el Batman que hace más de treinta años se diseñó para ordenadores de 8 bits (Spectrum, Commodore, Amstrad…).

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Si bien yo te recomendaría jugar a las tres entregas que conforman las mejores aventuras que, desde mi punto de vista, se han diseñado del célebre personaje: Arkham Asylum, Return To Arkham y Arkham City.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

UNCHARTED (RUBEN FLEISCHER)

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El domingo por la tarde fui al cine, la verdad es que desde que empezó la pandemia había dejado de lado este tipo de plan, pero por fin me decidí y fue estupendo volver a esta sensación, por supuesto muy bien acompañada, con palomitas dulces y una bebida bien fresca que hizo de las dos horas un ratito de lo más entretenido.

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Fundamentalmente aconsejados por el más joven de la casa fuimos a ver esta película, puede que algo tuviera que ver que está basada en un videojuego… Siendo sincera, las expectativas no eran muy altas, pero salí más que satisfecha gracias a su dinamismo y elenco de actores.

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Uncharted es una película estadounidense de aventuras, fantasía y acción dirigida por Rubén Fleischer y basada en la serie de videojuegos Uncharted, creada por Amy Hennig para Naughty Dog. Su guión fue escrito por Art Marcum y Matt Holloway, en ella se narran los orígenes de los cazarrecompensas Nathan Drake y Víctor Sullivan, recordando en todo momento al videojuego. La película es protagonizada por Tom Holland, Mark Wahlberg y Antonio Banderas. Fue lanzada a las pantallas el 11 de febrero de 2022 bajo la distribución de Sony Pictures Releasing.

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Como ya he dicho está basada en una de las series de videojuegos más vendidas y aclamadas por la crítica de todos los tiempos. Respecto a su argumento, la película presenta a un joven, astuto y carismático, Nathan Drake (Tom Holland) en su primera aventura como cazatesoros con su ingenioso compañero Victor “Sully” Sullivan (Mark Wahlberg). En una aventura de acción que se extiende por todo el mundo, ambos se embarcan en una peligrosa búsqueda de “el mayor tesoro nunca antes encontrado” al tiempo que rastrean las claves que les podrían conducir al hermano de Nathan, perdido hace ya mucho tiempo.

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La película “da la talla”, aventuras y acción se suceden sin dejar un minuto para mirar el reloj, no falta cierto flirteo amoroso, actores que llevan a cabo (o sus dobles) escenas aéreas increíbles que te hacen contener la respiración, historia referente al viaje de Juan Sebastián el Cano, imágenes fabulosas de Barcelona, los buenos, los malos, traiciones, fidelidad, sorpresas… un compendio que al menos a mí me resultó de lo más atractivo y gratificante, perfecto plan para una tarde de domingo.

Marimar Castro (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

 

DUNE (DENIS VILLENEUVE)

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Si J. R. R. Tolkien escribió la saga definitiva de la fantasía heroica (El Señor de los Anillos), Frank Herbert debe ser reconocido, gracias a Dune, como el autor de una de las más monumentales epopeyas de la literatura de ciencia ficción. La tremenda historia, de dimensiones bíblicas, que nos cuenta en Dune, conforma un universo fascinante en el que vas a encontrarte elementos tan originales como los mentat, la especia Melange, los gusanos de Arrakis, la hermandad de las Bene Geserit, los guerreros Sar Daukar, los enigmáticos Fremen o el terrible barón Harkonnen.

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Así las cosas, estamos ante una larga saga (de la que la película de la que te hablo adapta la mitad del primero de los libros) que ha influido tremendamente en otras célebres creaciones como Juego de Tronos o Star Wars (el desértico planeta Tatoine está directamente inspirado en el Dune que da título a la obra de Herbert). De hecho, ya el cine había puesto su mirada en el atractivo espectáculo que proponía esta obra literaria, por la que pasaron nombres como los de Alejandro Jodorowsky o Ridley Scott, si bien fue el no menos genial David Lynch el encargado de facturar, allá por la primera mitad de los años 80, una primera versión que adaptaba la primera de las novelas, que no ahorraba en incluir elementos inquietantes y aterradores, y que terminaba siendo una de las más extrañas y originales películas de ciencia ficción de todos los tiempos.

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Villeneuve, si bien retoma algunos de los innumerables aciertos del Dune de Lynch, factura una película más acorde con nuestros días (con un reparto de nombres sólidos y estrellas emergentes en el que nos encontramos a Timothée Chalamet, Javier Bardem, Zendaya, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac o Jason Momoa). Un espectáculo de gran presupuesto, muy elaborado desde el punto de vista visual y sonoro (con una excelente banda sonora de Hans Zimmer), que conforma un verdadero regocijo para quienes queráis disfrutar de una película de aventuras espaciales que se toma en serio a sí misma y que se toma su tiempo para, poco a poco, ir configurando un universo fantástico y verosímil en el que acompañaremos a Paul Atreides (el héroe de la saga) en su mesiánico viaje.

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La recompensa, por ahora, de tan esforzado trabajo ha sido un buen puñado de nominaciones al Oscar (incluido el de mejor película), y un alto y necesario rendimiento en taquilla (y subrayo lo de necesario porque los productores de esta gran aventura indicaron que sólo la continuarían si el público respondía de favorable manera).

Veremos.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

 

LA ÚLTIMA CARGA (TONY RICHARDSON, 1968)

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En el contexto internacional que nos está tocando vivir, parece que se respiran los aires de la vieja Guerra Fría. Evidentemente, hay numerosos largometrajes que retratan el periodo pero en este caso  iremos algo más atrás. La película de la semana vuelve en esta ocasión a mitad del siglo XIX y lo hace con  La última carga, largometraje británico dirigido por Tony Richardson en 1968.

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¿Razones de la elección? El paralelismo con el presente, al menos en el lugar donde se desarrolla la segunda parte del largometraje, Crimea, “zona caliente” entonces y ahora dentro del panorama europeo e internacional: lucha por dominar recursos y enclaves estratégicos, imperialismo, expansionismo. ¿La Historia se repite?

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La obra que nos ocupa  recrea la suicida carga de la “Brigada Ligera” de caballería del ejército británico en la llanura de Balaklava (durante la Guerra de Crimea) el 25 de octubre de 1854.  Por tanto, se podría englobar dentro del género bélico (del siglo XIX, eso sí). Otras películas “coloniales” que recrean el momento de apogeo del Imperio británico podrían ser Revuelta en la India (sobre la rebelión de los “cipayos”), Kim de la India, cualquiera de las versiones de Las cuatro plumas, las más críticas Zulú y Amanecer Zulú, Las montañas de la luna o La Guerra del Opio y por supuesto la magnífica El hombre que pudo reinar (que tarde o temprano acudirá a nuestra cita).

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Pero volviendo al largometraje, su precedente directo, nos lo encontraríamos en La carga de la brigada ligera (1936) de Michael Curtiz, más dentro de lo que se ha denominado en otros momentos de manera convencional “Cine de aventuras” y con una visión  más  idealizada y varias inexactitudes. Por el contrario, La última carga (como muchas de las mejores de este tipo) es realmente un largometraje antibelicista, donde la incompetencia de los altos mandos supone la contradicción de aquello que se destaca y deja en evidencia una moral hipócrita.

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En segundo lugar, el carácter  no solo informativo, sino también didáctico de esta elección, hace que sea un largometraje donde aparezca reflejada la “Inglaterra Victoriana” en sus inicios (La Revolución Industrial, el contraste entre sociedad aristocrática y popular, algunas protestas y movimientos sociales); pero sobre todo el esplendor del “Imperio Británico”, cuyos atisbos en el siglo anterior  ya se vislumbraban en otros largometrajes como El último mohicano, Barry Lyndon o Revolución. Dicho “didactismo” aparece en los dibujos animados de Richard Williams e inspirados en los de la revista satírica de la época “Punch”, explicándonos claramente a modo de títulos de crédito, no solo el conflicto de Crimea, sino toda la política británica del momento. Es patente por tanto, la magnífica reconstrucción de dicha época en lo referente a escenografía (ambientes, vestuario, vida material, mentalidades, etc) cual si de un cuadro prerrafaelita  a veces se tratase.

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Y en tercer lugar la consecución de todo esto, se ha producido gracias a la cuidadísima puesta en escena de un gran elenco de actores británicos como Trevor Howard, Sir John Gielgud, Vanessa Redgrave o David Hemmings, dirigidos por el genial Tony Richardson , representante del “Free Cinema” y autor de obras como Mirando hacia atrás con ira (1958), El animador (1960),  La soledad del corredor de fondo (1962) y la multipremiada Tom Jones (1963).

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Al frente de la fotografía se encuentra el que fuera también responsable de la misma ni más ni menos que en Memorias de África, David Watkin.

Para ir finalizando, destacar  unas palabras  de Miguel Ángel Palomo: Diario El País «Terrible retrato de la locura del ejército británico en la guerra de Crimea. (…) torrente de imágenes, pretenciosas si se quiere, pero recorridas por la ira de un cineasta comprometido. Adorna la película la flor y nata del cine británico, con una maravillosa Vanessa Redgrave a la cabeza.»

Con estas referencias es un largometraje que no podía faltar en  La película de la semana.

  Pedro Vizcaíno (Departamento de Geografía e Historia)

SPIDERMAN. NO WAY HOME

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Desde niño he sido un entusiasta de las aventuras del asombroso Spiderman. La culpa la tiene el que cayera casualmente en mis manos uno de aquellos viejos tebeos en el que a un joven estudiante le picaba en la mano una araña radioactiva, lo que ocasionaba que, poco a poco, fuera descubriendo sorprendentes poderes. Además, el muchacho en cuestión, que atendía al nombre de Peter Parker era muy listo e ingenioso, puesto que fabricaba unos artefactos que se colocaba en las muñecas gracias a los cuales lanzaba unas prodigiosas redes que le permitían recorrer cual Tarzán toda la ciudad de Nueva York.

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Spiderman gustaba porque, a diferencia de Superman (que venía de un lejano planeta y que era prácticamente intocable) o Batman (que era alguien ya entrado en años, y que todo lo hacía gracias al tremendo dineral que había heredado de sus padres), el bueno de Spidey tenía problemas típicos de los chicos de su edad (amorosos, económicos…) y durante sus aventurillas no olvidaba su sentido del humor, por lo que sus enfrentamientos estaban plagados de comentarios jocosos típicos de un muchacho de su edad.

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Además, aquella creación (obra de Stan Lee y Steve Dikto), dio por aquella época (estamos hablando de finales de los 70) el salto a la gran pantalla, gracias a una serie de películas que, al al parecer, procedían del mundo de la televisión. Me acuerdo perfectamente del título de tan curiosa trilogía (Spiderman, Spiderman 2: el hombre araña en acción, Spiderman y el desafío del dragón) y del nombre y aspecto de su protagonista, Nicholas Hammond, quien curiosamente era alguien algo mayor y, sin duda, mucho más fondón que el Peter Parker de los tebeos, por lo que cuando se enfundaba el célebre traje rojo y azul no era él sino por un especialista el que, apoyado en los pobres trucajes de la época, se dedicaba a dar saltos y cabriolas.

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¡Cómo han pasado los años! Llegaron las magistrales incursiones (en los 90) de Sam Raimi en el universo Spiderman, eligiendo al estupendo Tobey Maguire para encarnar al célebre Peter Parker, enfrentándolo al Duende Verde, al doctor Octopus y a Venom y el hombre de arena en una tercera entrega que fue la última de aquella serie de estupendas adaptaciones, antes de dar paso, muchos años después, a las dos películas, no menos extraordinarias, protagonizadas por Andrew Garfield. Y de nuevo comenzaba todo (la picadura de la araña, la aparición de prodigiosos enemigos como el Lagarto, Rino o Electro), hasta que dos entregas después, por vete tú a saber qué entresijos de Hollywood, se desestimo el producir una tercera entrega y, de nuevo, se sacaron de la manga otro actor (Tom Holland) y otras tramas argumentales (ahora relacionadas con el universo cinematográfico de la propia Marvel).

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Pero el cine de gran presupuesto suele dar alegrías, y los guionistas de la Meca del Cine tienen, en ocasiones, ideas geniales. Así las cosas, Spiderman. No Way Home es una de esas películas perfectas para pasar dos horas y media entretenidas, gracias no solo a unos efectos especiales impecables sino, sobre todo, a un guión sorprendente que sabe mezclar, gracias a la idea de los universos paralelos, casi todos los Spiderman anteriores (Tobey McGuire y Andrew Garfield), es decir, que falta nuestro buen amigo Nicholas Hammond, a fecha de hoy ya un señor de 71 años, aunque no me cabe ninguna duda de que, si se lo hubieran propuesto, con los efectos especiales actuales, podrían haberlo recuperado y rejuvenecido, tal y como han hecho con el Luke Skywalker de El libro de Boba Fett; aunque de esto ya hablaremos otro día.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

LA ABUELA (PACO PLAZA)

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Paco Plaza es uno de los mayores talentos de nuestro más reciente cine fantástico y de terror, con títulos en su filmografía tan importantes como Romasanta, Rec y Verónica, por no hablar de la reciente nueva versión de Freddy, uno de los más escalofriantes episodios de la célebre Historias para no dormir, del maestro Narciso Ibáñez Serrador.

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Así las cosas, tras el paso por festivales de incuestionable prestigio como nuestro Sitges, llega a los cines, con un poquito de retraso respecto de su fecha de estreno primera, La abuela, cuyo inquietante cartel llama poderosamente la atención, prometiendo un viaje al corazón del miedo. Sin embargo, a los pocos minutos de metraje, uno debe percatarse de que no se encuentra ante la típica película de casa encantada plagada de sustos y sobresaltos, a la manera de Expediente Warren o Annabelle. La abuela plantea un discurso más profundo, tan cercano como impactante, acerca del miedo al envejecimiento. Su joven  protagonista, una estupenda Almudena Amor (con el permiso de Vera Valdez, quien encarna a la dichosa abuelita) deberá renunciar al éxito en el complicado mundo de las modelos, al alcance de su mano, en un idílico París, para volver a Madrid y cuidar de su anciana abuela.

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Dar de comer a la anciana, limpiarla, velar por su descanso se transforman en una serie de perturbadoras imágenes que nos hablan no de horrores esotéricos sino de realidades cotidianas, por lo que la película de Paco Plaza se antoja pronto una cinta especial, muy personal, si bien no deja de lado, conforme la compleja trama va avanzando, algunos aspectos que tienen que ver con lo sobrenatural; aunque tendrás que atreverte a ponerte frente a la pantalla del cine para descubrirlos.

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Un final verdaderamente escalofriante, magnífico, que tampoco te desvelaré, fruto no solo del ingenio como director de Paco Plaza sino de su guionista, Carlos Vermut, creador de algunos de los títulos más sorprendentes del cine español de los últimos años, tal y como es el caso de Magical Girl (a la que se hace referencia en esta película) o Quién te cantará.

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La abuela, una verdadera sorpresa dentro del reciente panorama del cine fantástico y de terror que, si te gusta el género, no deberías perderte.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

DE CÓMO PIXAR SALVÓ MIS CLASES

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Pixar. Sí, esa; la filial animada de la todopoderosa Disney. Aquella que tantos premios Oscar ha ganado a la mejor película de animación (catorce hasta la fecha). Ante todo, vaya por delante el hecho de que la factoría transnacional en cuestión no se encuentra, precisamente, entre el santoral al que pudiera rendir devoción. Sin embargo, ¡qué de momentos útiles me ha brindado para mi ejercicio de la docencia!

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Para empezar, me sirve como magnánimo material de ejemplificación cuando explico la narratología. O sea, la manera como está compuesta una obra narrativa y cómo el protagonista va quemando una serie de etapas muy reconocibles. Es maravilloso porque, casi todas las películas, argumento al margen, siguen una estructura idéntica. Contemplen cómo el héroe, al que se le asigna una compleja misión, debe partir en busca de la sabiduría (y de su propio resarcimiento) para triunfar finalmente, como se suele decir en el argot deportivo, “sobre la bocina”. Los ejemplos se me caen de las manos: “Bichos”, “Toy story”, “Monstruos S. A.”, “Buscando a Nemo”…

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Pero hoy, en realidad, de lo que he venido a hablar es de la acción tutorial de ciertos filmes. Muchos habremos tirado de “Del revés” para familiarizarnos con las emociones básicas. Es muy visual contemplar cómo unos personajillos estereotipados de colorines ayudan a la chavalería a identificar qué sienten. Y lo más importante: a entender que no hay emociones positivas ni negativas, y que estar triste o tener miedo es algo natural. Mas esta película ya tiene su solera (siete añitos va a hacer), y en un mundo en donde lo que sucedió antes de ayer ya no es noticia, se torna en desfase. De hecho, Pixar intentó actualizarse con “Soul”, pero no fue igual. Que estará demodé, pero el público es también muy clásico.

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En cambio, más reciente es la película “Encanto”. Una alumna me instó a que la viera, y yo pensé para mí en qué necesidad tenía de ser espectador de un filme de dibujos sobre una señora colombiana que habla con las puertas. Sin embargo, ¡fuera prejuicios!, ahí que la vi. No es mi película favorita ni mucho menos, pero tiene “mensaje”. Francamente, que por fin se dote de heroicidad narrativa a mujeres normales me parece un avance en aras de la igualdad y la aceptación de las más jóvenes. Sin matar a la gallina de los huevos de oro, el canon de las “princesas Disney” se empieza a adecuar bastante más a la realidad en que vivimos.

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Como reseñamos anteriormente, la protagonista, Mirabel Madrigal, es una adolescente que busca su don dentro de una familia mágica con poderes sobrenaturales concedidos por su propia casa. Una casa que se tambalea, y un símbolo, al fin y al cabo, de la búsqueda de la identidad, del quién soy yo; de cuál es mi sitio. Y otro cable más que me echa Pixar en mis clases. A este paso, como sucede con la casa de los Madrigal, voy a tener que ir a ponerles un cirio…

Autoría: Pseudópodo (Departamento de Lengua y Literatura).

CANTA 2 (Garth Jennings)

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De vez en cuando, una de esas películas de las que poco esperas, de las que ves por cierta obligación o compromiso, te sorprende gratamente. Eso es precisamente lo que a quien esto escribe le ocurrió con Canta 2, segunda parte de una película de dibujos animados del estudio Animation que, a pesar de haber visto dos veces, nunca ha terminado de gustarle.

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Sin embargo, como os digo, Canta 2, desde su arranque, mantuvo mi interés gracias a esa historia de superación personal que nos cuenta el intento, por parte de una pequeña compañía teatral de montar un gran espectáculo musical, enfrentándose a mil y una adversidades. Una historia que se sustenta en un ritmo perfecto, gracias a un montaje que, a diferencia de lo que suele pasar en el cine de hoy, ha optado por no incurrir en escenas redundantes, dejando fuera del metraje el habitual aluvión de secuencias de relleno. Así las cosas, Canta 2 es, sobre todo, una película intensa.

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Además, no solo es fiel al género al que pertenece, el musical, sino que dentro del mismo resulta una película sobresaliente, gracias a una serie de números que invitan tanto a volver a ver la película como a disfrutar de su excelente banda sonora, plagada de canciones muy actuales, clásicos modernos de Billie Eilish, Camila Cabello o U2 (no en vano, Bono, en la versión original, pone voz a uno de los personajes más significativos de la trama).

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Un melodrama impecable en el que los dibujos animados llegan a destilar tal derroche de sentimientos que por momentos se antojan actores de carne y hueso, envueltos en un mundo de colores tan deslumbrantes como hermosos.

Canta 2. Una fantasía animada perfecta para disfrutar durante el fin de semana en los mejores cines.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

NO MIRES ARRIBA (ADAM MCKAY)

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Adam McKay es el director y guionista de la película de la semana, «No mires arriba». Tras cosechar un gran éxito de crítica en sus anteriores trabajos «La gran apuesta» (2015) y «El vicio del poder» (2018), la crítica no ha sido tan unánime con «No mires arriba», que sin embargo sí ha obtenido un rotundo éxito en taquilla, algo que suele ser muy común en la industria de Hollywood.

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La película de la semana es una parodia del cine de catástrofes. Cuando comienzas a sumergirte en la trama no puedes evitar pensar en títulos como «Deep Impact» (1998) o «Armageddon» (1998), pero la manera de enfocar la trama no puede ser más diferente. La película que reseñamos esta semana es una sátira despiadada de la sociedad en la que vivimos. Adam McKay, director y guionista de «No mires arriba» (título original «Don’t look Up»), se centra en criticar de manera burlesca los medios de comunicación y la política manejada por lobbies o grandes fortunas. Los primeros moviéndose bajo los únicos parámetros de los resultados de audiencia y de las superficiales y frívolas redes sociales. La segunda inmersa en un diálogo de sordos con la ciencia, esclava de las posibles consecuencias electorales de sus actos y también de los lobbies económicos, verdaderos dueños del mundo.

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El éxito de la película radica en que, a pesar de presentar una realidad grotesca y ridícula, ésta resulta ser alarmantemente actual y verídica en la época de pandemia que estamos padeciendo, además de contar con un elenco plagado de grandes (y carísimas) estrellas de Hollywood.

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La historia comienza cuando la estudiante de doctorado Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence) y el astrónomo Randall Mindy (Leonardo DiCaprio) descubren un cometa de varios kilómetros de anchura que sigue una trayectoria de colisión con la tierra. Por el tamaño del cometa la colisión conllevaría la extinción de la humanidad. Tras el descubrimiento, los científicos exponen en la Casa Blanca la situación a la presidenta Orlean (Meryl Streep), que decide no tomar ninguna medida porque podría salir perjudicada en las inminentes elecciones al Congreso. La pareja de científicos se ve abocada a una travesía mediática para intentar forzar una reacción social que obligue al gobierno a tomar medidas y evitar la destrucción del planeta.

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En el mundo de las fake news y las redes sociales encuentran numerosas dificultades para exponer una noticia, aunque sea de una importancia tan enorme como la que quieren divulgar. A pesar de todo, Kate y Randall consiguen dar a conocer el peligro en un programa matinal presentado por la fría y manipuladora periodista Brie Evantee (Cate Blanchett). Se consigue la aprobación de una misión gubernamental para desviar la trayectoria del cometa. Dicha misión está liderada por el casposo, racista y homófobo militar Benedict Drask (Ron Perlman, conocido por el personaje del jorobado Salvatore en «El nombre de la rosa» (1986), y a quien muchos le encuentran un parecido razonable al «Cholo» Simeone, entrenador del Atlético de Madrid).En el último instante la misión se aborta por la presión del millonario Peter Isherwell (Mark Rylance), principal financiador de la campaña de la presidenta Orlean, que decide otro plan para aprovechar los valiosos minerales que contiene el cometa.

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Muchos espectadores han querido ver en el guion un retrato de la sociedad durante la pandemia si sustituimos el cometa por el virus del COVID, pero el guion se concluyó antes y la película contaba unos pocos meses de producción cuando la pandemia se desató a principios de 2020. Como reconoció el director, el guion se escribió pensando en la crisis climática, el calentamiento global y el movimiento negacionista del mismo, liderado por la administración Trump y algunos medios de comunicación del país.

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Otra de las claves para que “No mires arriba” no haya dejado indiferente a nadie se encuentra en los numerosos guiños humorísticos, que muchas veces solo son comprensibles en la cultura norteamericana. A nadie se le escapa que el papel de la presidenta Orlean, interpretada por Meryl Streep, está basado en Donald Trump. Los eslóganes facilones y el nepotismo del personaje de Meryl Streep en la película, hacen recordar el eslogan de «Make America Great Again» gorra incluida, y el hecho de que Donald Trump nombrará como dos asesores destacados a su hija Ivanka y a su yerno. Además, Meryl Streep se recrea en este papel, considerado como una dulce venganza, ya que la actriz fue catalogada por el expresidente como «una actriz sobrevalorada». Por otro lado, hay guiños en ese personaje a otros expresidentes, como los discursos en portaaviones de George Bush hijo, o que la presidenta de la película no fume en público, algo que decidió Barack Obama por motivos de imagen.

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Respecto a otro personaje de la película, algunos medios dedicados al cine han señalado el papel del millonario Peter Isherwell, como una mezcla de Jeff Bezos (Amazon), Elon Musk (PayPal), Steve Jobs (Apple) y Mark Zuckerberg (Facebook).

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Las mayores críticas a la película han llegado por la introducción de gags muy forzados que no aportan nada a la historia, alargan la métrica de la película (algo excesiva) y hacen que se difumine la fuerza de reflexión del guion en los espectadores, banalizando la crítica satírica del film. Con todo, “No mires arriba” ha obtenido 324 millones de horas de visionado en sus tres primeras semanas desde su estreno, y todo hace presagiar que alcanzará el primer puesto del ranking de las películas más vistas en Netflix (la plataforma utiliza como parámetro los millones de horas de visionado en las primeras cuatro semanas desde su estreno).

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Al igual que Jennifer Lawrence, me seguiré preguntando por qué todo un general de las fuerzas armadas de los Estados Unidos le cobra un puñado de dólares por unos aperitivos que son gratuitos en la Casa Blanca.

Isaac Cuesta (Departamento de Física y Química)

LA CASA GUCCI (RIDLEY SCOTT)

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Gucci, esa firma de lujo al alcance de muy pocos (y más en los tiempos pandémicos y de crisis que vivimos), ha servido al director británico Ridley Scott como base temática de su última película. Protagonizada por una impecable Lady Gaga en el papel de Patrizia Reggiani, el resto del reparto lo completan Adam Driver, en el papel de Maurizio Gucci (marido de Patrizia), Jeremy Irons, como Rodolfo Gucci (padre de Maurizio), Al Pacino, como Aldo Gucci (hermano de Rodolfo), Jared Leto, como Paolo Gucci (hijo de Aldo) y Salma Hayek, que da vida a Pina, consejera espiritual y confidente de Patrizzia.  

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Con este reparto digno de mención, el filme se centra en un episodio muy concreto de la historia de la famosa familia italiana; el auge y ocaso de Maurizio Gucci, nieto del fundador de la marca, Guccio Gucci, un culebrón casi a la altura del mítico Falcon Crest. 

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Todo comienza cuando Maurizio Gucci, conoce a Patrizia Reggiani en una fiesta en 1978. Ella es una mujer guapa y extrovertida que trabaja en la pequeña empresa de camiones de su padre, y que poco tiene que ver con el mundo al que pertenece él, un estudiante de derecho que cuando llegue el momento, heredará la mitad de una de de las marcas de moda más punteras de la época: Gucci. 

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Desde el principio quedan claras sus intenciones; Patrizia trata de conquistarlo con las tretas y artimañas típicas de una mujer que tiene claro su objetivo, a pesar de la oposición de Roberto, quien enseguida la cala. Así, y pese a que el padre de Maurizio trata de convencerle de que no es la mujer ideal para él y que si no la deja lo desheredará, él hace caso omiso y sigue adelante con su historia de amor hasta el punto de casarse con ella.

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Los siguientes son años tranquilos, en los que Maurizio, alejado de su padre, se acostumbra al trabajo en la empresa de camiones de su suegro y ambos amplían la familia. Y es ese embarazo el que une a la pareja con otro miembro de la familia, Aldo Gucci, tío de Maurizio afincado en Nueva York. Tras varios encuentros y desencuentros, sobre todo con Paolo, el excéntrico primo de Maurizio que juega a ser diseñador sin haberse preparado para ello, éste entiende que debe reconciliarse con su padre, que está enfermo terminal. El problema viene cuando fallece y, a pesar de que el testamento estaba modificado, había un documento sin la firma del difunto Roberto Gucci; y no era pecata minuta, sino que se trataba de la credencial que le transfería el 50% de las acciones de la firma. 

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Evidentemente esto a Patrizia no le hace ninguna gracia y, mientras manipula a su marido a su antojo, empieza a visitar asiduamente a Pina, su consejera, y confabula contra todos para hacerse con la mayor parte de las acciones de su familia política, poniendo sobre la mesa sus maquiavélicas intenciones. Consigue desestabilizar a la familia encarcelando a Aldo, que es acusado de evadir impuestos en EEUU, y alejando a Paolo de la firma, siendo víctima de un complot. Sin embargo, Patrizia no cae en la cuenta de que a ellos también les van a salpicar tales acciones, hasta que la policía entra en su casa con una orden judicial que les acusa de falsedad documental. Es entonces cuando huyen a Suiza; primero va Maurizio, y allí se reencuentra con Paola, su amiga de la infancia; más tarde lo hace Patrizia con la hija de ambos, pero ese reencuentro entre la pareja no es demasiado positivo, ya que Maurizio se ha dado cuenta del poder que su mujer ha ejercido sobre él durante mucho tiempo: Es por ello que pronto manda a su mujer y a su hija de vuelta a Florencia y empieza una relación con Paola. 

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Gastos desorbitados, caprichos salvajes y viajes paradisíacos marcan una época de derroche junto a su nueva pareja, poniendo en peligro las finanzas de la empresa familiar, por lo que decide buscar financiación en la sociedad Investcorp. A base de engaños consigue que su tío venda su parte de las acciones, pero ese sólo será el principio de sus problemas. 

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Mientras Patrizia se niega a darle el divorcio y comienza a urdir su venganza contra él, gracias al apoyo de Pina, Maurizio está sumido en la búsqueda de un buen diseñador capaz de rejuvenecer la obsoleta y tradicional marca italiana. Ese puesto será ocupado por el prometedor John Ford, responsable de los desfiles más llamativos y espectaculares que la firma hubiera presentado jamás, pero ya era tarde; Inverstorp decide que Maurizio debía ser reemplazado por Ford y por su asistente de toda la vida, Doménico de Sole, sí Gucci quería seguir siendo una empresa solvente y respetada dentro del lujoso mundo en el que se movía desde su nacimiento. Finalmente, la despechada Patrizia alentada por Pina, contrata a unos esbirros, sicilianos pero de poca monta, que asesinan a su exmarido en las escaleras de su casa, cuando ya no tenía ni voz ni voto en la empresa fundada por su abuelo. 

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Tanto Patrizia como Pina y los sicarios, fueron juzgados y condenados por asesinato, cumpliendo todos ellos varios años de cárcel. Aldo murió viejo y enfermo, Paolo lo hizo en la más absoluta pobreza y Gucci quedó en manos de Inverscorp, la sociedad que la gestiona actualmente, lo que nos hace pensar que para gerenciar una empresa en condiciones, hace falta tener algo más que un buen apellido.

Ana Lahoz (Departamento de Geografía e Historia) 

ENCANTO (BYRON HOWARD, JARED BUSH)

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Como suele ser habitual, con la llegada de la Navidad aparece en cartelera una nueva película de Disney. Frozen, Big Héroe 6, Coco son algunas de las más exitosas y recientes propuestas de la compañía, acompañadas, como sabéis, por el lanzamiento de juguetes, disfraces, bandas sonoras, videojuegos e incluso espectaculares atracciones para los famosos parques Disney.

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A la fiesta de la que os hablo viene a sumarse Encanto, un espectáculo de luz y color, de magia y sonido; sobre todo de sonido dado que a los pocos minutos de metraje uno se percata de que está ante un musical que cuenta con números espectaculares.

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Y es que el argumento de Encanto es lo que menos importa. La historia de la familia Colombiana que emigra y que por el camino, gracias a una vela mágica, se encontrará viviendo aislada en un entorno maravilloso (con una casa estupenda que hace las funciones de atento mayordomo) es una mera excusa para, como os digo, dar paso a una explosión de canciones maravillosas que acompañan el ameno metraje desde su comienzo hasta su final.

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Ya en cines, e imagino que en breve disponible en Disney +, las fechas que se acercan son propicias para acercarse a las salas comerciales y disfrutar en toda su espectacularidad (con la mascarilla bien puesta) de lo que en el fondo no es sino un estupendo cuento que basa su argumento en el conocido mito de la tierra de Jauja.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

LA NOCHE DE VARENNES (ETTORE SCOLA )

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La película de esta semana nos lleva a finales del siglo XVIII, concretamente a la Revolución Francesa.

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Por supuesto hemos  incluido títulos cuya acción se sitúa en el siglo que nos ocupa Rob Roy o El último mohicano, aunque  curiosamente no habíamos reseñado ningún largometraje que recrease dicho hecho histórico, capital en la Historia Universal y europea concretamente. En este caso se trata de una muestra fundamental del mismo en la Cinematografía, auténtica radiografía de la sociedad francesa en la época revolucionaria.

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Los ejemplos de películas que recreen el siglo XVIII  francés y la Ilustración son numerosos y de tratamiento tan diverso como El misterio del collar, El Pacto de los lobosFanfan la Tulipe, o Ridicule. También  Valmont o Las amistades peligrosas (versiones ambas de la novela de de Choderlos de Laclós), Beaumarchais el insolente o las más recientes El libertino o El perfume (basada esta última en la alucinante novela de Patrick Süskind)  por citar algunas de las más conocidas. También series como  La condesa de Charny (1989) o Madame de Pompadour (2006).

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Al retomar el tema de la Revolución Francesa en la Historia del Cine nos encontramos con un amplio panorama, auténtico subgénero, dentro del cine de recreación histórica, especialmente el del siglo XVIII. Ya en el Cine Mudo, y aún en el siglo XIX, aparece La Mort de Marat (1897) y siguiendo en el cine europeo, ya en el siglo XX, Madame du Barry (1919) de Lubitsch. Cruzando el Atlántico Nursing a viper de Griffith (1909) o Las dos huerfanitas del mismo director (1921). En las postrimerías del periodo mudo nos encontraríamos con una obra maestra de referencia como es Napoleón de Abel Gance (1927).

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A partir de los años 30, podríamos distinguir más bien títulos con distintas versiones de los mismos, algunos de los cuales tendrán secuelas a lo largo de las siguientes décadas y esto tanto desde el punto de vista conservador como desde la  reivindicación de la Revolución. En el primer sentido nos encontraríamos con La Pimpinela Escarlata, Diálogos de Carmelitas, El reinado del Terror o incluso (depende del enfoque) Historia de dos Ciudades. En el segundo con más obras maestras: La Marsellesa de Jean Renoir (1938) o Danton de Andrzej Wajda (1982).

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También hay parodias o comedias sobre la misma como Empiecen la Revolución sin mi, Gracias y Desgracias de un casado del año II,  una entrega de Los visitantes o el apartado correspondiente en La Loca Historia del Mundo. Biopics diversos sobre María Antonieta y también aproximaciones curiosas sobre Marat o el Marqués de Sade. En otro sentido abundan  numerosos documentales o miniseries para la TV como L’eté de la Révolution, La Révolutión française o series más largas como Les nuits révolutionnaires (ambas de 1989). Curiosa sería la producción francesa Si Versalles pudiera hablar  de Sacha Guitry (1954) que constituiría una historia del edificio a través de sus principales hechos y personajes emblemáticos.

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En los últimos años La inglesa y el duque de Éric Rohmer (2001) o Adiós a la reina de Benoît Jacquot (2012) serían un aporte cinematográfico más al tema que nos ocupa. La más reciente obra a destacar sería Un pueblo y su rey de Pierre Schoeller realizada en 2018.

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Volviendo al largometraje de hoy, está basado en la novela de la escritora francesa Catherine Rihoit (nacida en Caen en 1950)  y publicada el mismo año en que se produjo éste. La acción constituye una puesta en escena de la sociedad de la época revolucionaria, en la que los diversos personajes de los más diversos grupos sociales (salvo el Clero) van retratándose constantemente. Por tanto no es solo un lujo para la vista (vestuario, edificios, paisajes), sino que también contemplamos una auténtica recreación de las mentalidades plasmadas en cada una de las actitudes y diálogos.

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Sus principales protagonistas son Jean Louis Barrault, Harvey Keitel, Hanna Schygulla y sobre todo un maduro Marcello Mastroianni (que interpreta a un crepuscular Casanova).Completan este reparto de lujo Jean-Claude Brialy, Daniel Gélin, Andréa Ferreol o Jean Louis Trintignant.

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En cuanto a su director Ettore Scola (Trevico, Italia, 1931) es un prolífico director de largometrajes y algunos documentales con cierto sentido del humor en ocasiones como Una mujer y tres hombres (1974), Una jornada particular, ¡Qué viva Italia! (ambas de 1977) por citar solo unos pocos títulos.

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Finalmente en los aspectos técnicos, comentar la banda sonora de Armando Trovaioli, la magistral dirección de Fotografía de Armando Nannuzzi (Jesús de Nazareth o La caída de los dioses).

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Nada más, sino transportarnos cual si de una máquina del tiempo se tratase a esa Francia revolucionaria del siglo XVIII.

Pedro Vizcaíno (Departamento de Geografía e Historia)

LA CRÓNICA FRANCESA (WES ANDERSON)

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Wes Anderson es uno de esos cineastas especiales, caracterizados por una filmografía que los hace diferentes, por lo que al sentarnos frente a la pantalla para ver cualquiera de sus películas debemos de estar preparados para entrar en un mundo extraño, donde la comedia no se ajusta a patrones convencionales sino que obedece a una personal manera de entender el humor.

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Así las cosas, La crónica francesa viene a engrandecer este particular universo, junto a otros títulos de culto como Aquatic Life, Viaje a Darleging o El gran hotel Budapest (la película más conocida de su autor, gracias quizás a la nominación a un buen puñado de Oscar); y quizás se note el reconocimiento que a estas alturas ya tiene el cineasta, puesto que desde el comienzo se nota que esta película se sustenta en un más holgado presupuesto, puesto que sorprende la gran cantidad de decorados que han sido diseñados para ella, la gran cantidad de información, de mimo y cuidado, con el que ha sido rodado cada plano. Un verdadero trabajo titánico, increíble, que hace que la puesta en escena de La crónica francesa sea una de las mejores que quien esto escribe ha podido ver en los últimos años.

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Respecto de su guión, éste no resulta menos sorprendente, por su tendencia al “collage”, que de alguna manera nos recuerda Pulp Fiction de Quentin Tarantino. De hecho, si aquella película tomaba como base la novelita negra de kiosko, ésta apuesta por el noticiario sensacionalista, hilvanando tres historias (a cada cual más sorprendente) que sirven para recuperar ese cine, cada vez menos habitual, conformado por episodios, tal y como es el caso de títulos como Historias de Nueva York, Creepshow o Refugio macabro (por citar algunas).

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Y, sobre todo, lo que no deja de sorprender es el tremendo grupo de actores que aparecen, aunque sea durante unos pocos minutos, en la película. De memoria y a vuela pluma cito a Benicio del Toro, Tilda Swinton, Edward Norton, Francesc McDormand, Bill Murray, Owen Wilson… ¡Todo un lujo que se cierra c on croché de oro gracias a la no menos estupenda banda sonora compuesta para la ocasión por otro de los grandes, Alexandre Desplat!

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

EL CRACK CERO (JOSÉ LUIS GARCI)

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La vi en el cine, en cuanto se estrenó. Más tarde, la compré en blu-ray, y la volví a ver. E incluso volví a verla una vez más en alguna que otra plataforma. Y el otro día, de casualidad, viendo lo que había en la parrilla televisiva, aquí y allá (creo que se dice hacer “zapping”), la encontré, justo cuando empezaba, y no pude evitar volver a verla, porque El crack Cero, como todo el cine de José Luis Garci, que es uno de nuestros (y de los que no son nuestros) mejores cineastas, mejora con el paso del tiempo (dicen los entendidos que al buen vino también le ocurre).

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Es una película atípica, porque Garci rueda en blanco y negro cuando las nuevas generaciones parecen huir de todo lo que huela a pasado, porque Garci no tiene prisa en contar una historia que va desarrollándose poco a poco, con una lentitud que no es tal, puesto que es el ritmo perfecto, adecuado. No hay que tener prisa. Es una película hecha para ser paladeada, a fuego lento, con un mimo especial hacia los diálogos (tiene réplicas memorables, frases de esas que se quedan, como, y cito de memoria, “lo que más me gusta de tu casa son los libros, porque abrigan”).

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La cámara se queda quieta, se mueve sólo cuando debe hacerlo, sin ampulosidades ni ambages, homenajeando como sin quererlo a los grandes del cine a los que don José Luis siempre cita (John Ford, Howard Harks, Fritz Lang…), pues Garci siempre ha entendido el encuadre como una pintura (siempre ha afirmado que la mejor escuela de cine es el museo del Prado), de ahí su puesta en escena clásica, impecable, su gusto por cuidar la iluminación y porque los objetos, decorados, actores, estén donde tienen que estar.

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Y hablando de actores, los grandes pilares del cine de Garci, siempre impecables, fabulosos, con dos actores protagonistas de excepción (Carlos Santos y Miguel Ángel Muñoz) que tuvieron la difícil tarea de encarnar a los personajes que Alfredo Landa y Miguel Rellán dieron vida durante la década de los 80, cuando Garci conquistó la taquilla con dos obras maestras de las que esta es precuela: El crack y El crack 2.

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Trilogía memorable de nuestro cine español. Quienes veáis una o las tres, ya sabéis que recibiréis la pertinente firma en vuestro pasaporte cultural. Además, si os encantan (que seguro que sí) y sois curiosos, quien esto escribe os recomienda el estupendo libro Adictos al Crack, que trata de tan célebre saga.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Española y Literatura)

 
EL NIÑO QUE DOMÓ EL VIENTO (CHIWETEL EJIOFOR)
 
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 Dirigida por Chiwetel Ejiofor, actor nominado al Óscar por su interpretación en la película 12 años de esclavitud,  El niño que domó el viento está basada en la historia real de William Kamkwamba, joven malauí que logró salvar a su pueblo de la hambruna a principios de este siglo.

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La película, cuyos derechos de difusión fueron adquiridos por Netflix tras su estreno en el año 2019, es la primera incursión del actor británico en el mundo de la dirección. La idea de filmarla rondaba en la cabeza de Ejiofor desde que, hace más de una década, leyó el libro autobiográfico de William Kamkwamba y supo, según sus propias palabras, que la adaptación cinematográfica de esta historia iba a ser su primera película como director.

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Además de dirigir la cinta, Ejiofor se reserva un papel principal en el film como padre del protagonista,  William Kamkwamba, que es interpretado por el joven Maxwell Simba. La familia  se completa con Agnes, madre de William, y Annie, su hermana, que ven como sus terrenos son primero inundados por las fuertes lluvias y después azotados por una intensa sequía sin poder hacer nada para evitarlo.

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Resulta especialmente impactante para alguien que vive en este cómodo “primer mundo” ver cómo la naturaleza, con su fuerza, puede acabar con todo: sin grano no hay dinero, no hay comida, no hay nada. La familia, desesperada, no puede enviar a su hija Annie a la universidad ni pagar el colegio al que William debería asistir y al que tanto desea ir. El padre de William, en un intento de que el grano dure el máximo tiempo posible, deja incluso de comer, mientras William se refugia a escondidas en la biblioteca del colegio, rodeado de libros, buscando una solución a su problema. (He escrito “a escondidas”, sí… Al no haber pagado el colegio, William no tiene derecho a leer los libros de la biblioteca. Sin dinero, tampoco existe el derecho a la educación y al conocimiento).

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Finalmente, los esfuerzos de William dan sus frutos y descubre que, para solucionar la hambruna que los asola, sólo necesita fabricar una bomba de agua, pero para ello debe lograr que su padre esté dispuesto a sacrificar uno de sus bienes más preciados: su bicicleta.

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Rodada en Malawi por insistencia del director, la película no sorprende en exceso, pues somos conscientes en todo momento de lo que va a ocurrir y cómo se va a desarrollar la trama, sin olvidar que el mismo título nos adelanta el triunfo del protagonista sobre el viento. Sin embargo, la profundidad de los personajes y sus dudas, enfrentamientos, ilusiones y conflictos, llevan a buen puerto la película y hacen que merezca la pena dedicar una tarde a esta historia de ingenio y superación, donde descubrimos lo que se puede hacer con la dinamo de una bicicleta y valoramos, aún más, el poder de los libros y de la educación.

Esther Herguedas (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

EL MUNDO SIGUE (FERNANDO FERNÁN-GÓMEZ)

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Hoy vamos a hablar sobre El mundo sigue, la película maldita de Fernando Fernán-Gómez, filmada por el maestro en 1963 y estrenada dos años después en Bilbao. Lamentablemente, fue prohibida en su momento por no presentar una realidad social favorable al Régimen, lo que supuso un duro revés para su autor y para la historia de nuestro cine, ya que es una de las mejores películas del cine español y quizás la obra maestra de Fernán Gómez. El punto de partida para la redacción del guion fue la novela homónima de Juan Antonio de Zunzunegui, un gran novelista de ideología falangista.

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El mundo sigue fue una especie de regalo que Fernán-Gómez se hizo a sí mismo como premio a su ya larga trayectoria cinematográfica de veinticinco años, unas bodas de plata con el cine, podríamos decir. Lástima que esta celebración le produjera tantos problemas y prácticamente ninguna alegría. Aparentemente, no es justificable que tras la llegada de la democracia tardara tanto en reestrenarse la película , no lo hizo hasta 2015, pero seguro que influyó en ello el hecho de que su propio director se negara en más de una ocasión a hablar sobre su obra maestra, como si de un trauma se tratara. Menos mal que Juan Estelrich, ahijado de Fernán Gómez e hijo del productor, pudo encontrar una copia lo suficientemente buena para ser restaurada y reestrenada ocho años después de la muerte del artista.

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Lo cierto es que Fernán-Gómez no pretendía realmente criticar al franquismo, aunque tampoco lo contrario, sino más bien crear una película partiendo de la realidad, de la cotidianeidad, hacer arte documental, podríamos decir.  En El mundo sigue se narra la lucha fratricida de dos hermanas en el Madrid de la época, con sus contradicciones, su carga de violencia e injusticia, y todo ello con un dechado de técnica narrativa en el juego de planos, en el ritmo, en los monólogos, en la fotografía, una auténtica obra maestra en definitiva.

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Eloísa, magistralmente interpretada por Lina Canalejas, es una buena chica que había triunfado en la vida hasta el punto de convertirse en Miss Malasaña, pero que comete el terrible error de casarse con un ludópata sin ninguna ética, con el que tiene nada menos que cuatro hijos. Eloísa es sencillamente un personaje perfecto, bellísimo en su físico y en su interior, sencillo en sus ambiciones y muy de época, tan solo desea criar a sus hijos y poder ser feliz con su familia. El camino de la honradez la hará caer en la depresión, en un callejón sin salida, en una atmósfera agobiante, en un laberinto imposible, en la ruina. Hay momentos de verdadero malestar para el espectador, como cuando Eloísa está a punto de prostituirse con el jefe de su marido, un sudoroso y repugnante propietario de bar. Afortunadamente, comprueba ente lágrimas que es incapaz de rebajarse y será capaz de mantener su dignidad a cualquier precio, aunque le cueste la vida.

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No es el único personaje verosímil y plenamente humano, también lo es el camarero, su esposo, un ser por el que el espectador siente desprecio y asco, un tipejo que no lleva dinero a casa, que hace sufrir a su preciosa mujer y que no se preocupa ni lo más mínimo por sus hijos. Todos hemos conocido a alguien exactamente así y Fernán Gómez, un hombre de mundo, fue capaz de interpretarlo a la perfección.

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Luisita, personaje interpretado por Gema Guillén Cuervo, es la hermana de Eloísa. Al contrario de esta, se adapta más a las circunstancias de la época y asciende económicamente gracias a su belleza, a su capacidad para engatusar a hombres pudientes. Ni siquiera sus propios remordimientos consiguen frenarla, su frustración vital, su necesidad de triunfo, le impiden pararse y sigue adelante sin preocuparse por la honestidad de sus actos. Es un personaje arribista que no duda en vender su belleza para conseguir una buena posición social, que desprecia a su hermana, a la que considera una fracasada.

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Todo ello acontece en una España en la que contrasta el puritanismo aparente con la miseria moral y material, la corrupción funcionarial y periodística, la presencia de mujeres de vida alegre, de ladrones, de adúlteros. Es obvio que uno de los aspectos más interesantes de la película es la lamentable situación de la mujer de carne y hueso, la pobre protagonista, piropeada en la calle sin ningún respeto, acosada por hombres indeseables, ninguneada por su familia, por su marido. La atmósfera es en este sentido absolutamente irrespirable, asfixiante, y Fernando Fernán Gómez es capaz de comunicárnosla como una experiencia artística y humana.

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Es una pena que el maestro nunca llegara a reconciliarse con su gran obra, a la que tanto había querido en realidad.

El mundo sigue se puede ver en el siguiente enlace de RTVE:

https://www.rtve.es/play/videos/cine-de-siempre/mundo-sigue/6082901/

Javier Ochoa (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

LUCA (ENRICO CASAROSA)

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¿Tendrías un amigo que fuera un monstruo marino? ¿Cambiarías tu vida por conseguir tus sueños? De estos y otros temas trata una de las últimas películas de Disney, creada por Pixar. Luca Paguro, el protagonista de esta gran aventura, es un monstruo marino, que vive bajo el mar con su familia. Dedica su tiempo a cuidar de  sus peces, pero, aunque su vida es tranquila y tiene todo lo que necesita, él quiere ir más allá. 

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La película, ambientada en un pequeño pueblo de  la riviera italiana, nos muestra el desafío que supone abandonar nuestra zona de confort por ir en busca de nuestros sueños. El protagonista ansía salir a la superficie, donde adquiere forma humana,  pero como muchas veces en la vida, se necesita alguien que tire de ti para tomar la decisión última de cambiar tu vida. Ese último empujón se lo da Alberto, otro monstruo marino que vive de forma contínua en la superficie y está dispuesto a enseñarle todo lo que sabe, aunque es menos de lo que aparenta. Desde comenzar a andar, pasando por saltar, montar una Vespa…todo esto lo hacen juntos, demostrando que una verdadera amistad se basa en la confianza y en las actividades que nos unen. Es una amistad sana, sin prejuicios y en la que la admiración mutua supone un nexo de unión irrompible entre ellos. 

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Ambos deciden montar una Vespa con todo lo que tiene Alberto en su casa de la superficie, objetos del mundo marino y del exterior. Pero deciden ir más allá, siguiendo su pasión por las Vespas, deciden ir a un pueblo llamado Monterroso, pero ello entraña el riesgo de que su secreto, ser monstruos marinos, pueda ser descubierto con una sola gota de agua que se derrame sobre ellos. 

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Allí conocen a Giulia, una niña sin prejuicios que decide ayudar a dos desconocidos en apuros, ante la intimidante amenaza de Ercole Visconte y sus secuaces.Ercole es  un preadolescente con aires de grandeza, que tiene atemorizados a los niños del pueblo, además de ser el gran enemigo de Giulia. Todos los niños del pueblo participan en un triatlón en el que  tienen que ir en bici, comer pasta y nadar, y que siempre gana Ercole, lo que supone el inicio de esta trama de persecución, para evitar que alguien que no sea él gane la carrera. Nuestros protagonistas deciden participar juntos para conseguir la Copa Portorroso, con la que además conseguirían dinero para poder comprar su ansiada Vespa. Giulia ha fracasado siempre en su intento por ganar a Ercole en ediciones anteriores del triatlón, sin embargo,esta parece una gran oportunidad para ello. 

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La constancia enmarca parte de esta trama: comen pasta, entrenan con las bicicletas…todo para conseguir el premio más preciado. Luca y Alberto arriesgan su vida por lo que más quieren, pero deben tener cuidado, los riesgos acechan en este pueblo pesquero que adora cazar monstruos marinos. De hecho el padre de Giulia es un afamado pescador, que observa a los nuevos amigos de su hija, a quienes les da una oportunidad, sin conocerlos. Mientras tanto, los padres de Luca, Daniela y Lorenzo, adquieren forma humana en la superficie para encontrar a su hijo, ellos deben encontrarlo antes de que alguien descubra quién  y qué es Luca. Así que van mojando  a los niños del pueblo sin mucha fortuna.

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Sin embargo, la amistad entre Luca y Alberto se ve amenazada por la especial relación entre Luca y Giulia. Estos tienen mucho en común y Alberto no comparte esos intereses que le distancian de Luca. Por esta razón, decide mostrarle a Giulia que son monstruos marinos. Giulia no da crédito a esa realidad y huye de Alberto al descubrir su naturaleza marina. Descubre después que Luca también lo es y no comprende semejante riesgo por conseguir una Vespa. ¿Merece la pena arriesgar tanto por un sueño?Parece que sí.

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El día de la carrera, Luca y Giulia se presentan por separado. Finalmente, a pesar de ser descubiertos por la lluvia, ganan la carrera y les es reconocido el mérito ante todo el pueblo. Así, todos reconocen el esfuerzo y demuestran que el que sean monstruos marinos no es razón suficiente para no ser los ganadores de la Copa Portorroso. 

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Los valores de la película quedan plasmados a lo largo de toda la historia: amistad,lealtad, ayuda, no tener prejuicios, aceptar los cambios, rechazar actitudes negativas…todo esto nos muestra Disney en una película plagada de guiños a la cultura mediterránea y a otras películas de Pixar. ¿No te has dado cuenta?Entonces lee atentamente. Por supuesto, podemos encontrar  la famosa pelota de Pixar en una azotea, durante los entrenamientos de los protagonistas; un pato Donald de peluche en la habitación de Giulia; el  libro de Le Avventure Di Pinocchio, que sirvió de inspiración a Walt Disney para su largometraje Pinocho de 1940… 

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¿Has encontrado  la alusión a Toy Story? Pues hay una , gracias a un motocarro, Piaggo Ape 50, del Pizza Planet, la afamada pizzeria de Toy Story, que podemos encontrar aparcada en la gran final de la Copa Portorroso.  Pixar nunca defrauda,ni en sus mensajes, ni en sus historias, ni en la calidad de sus personajes.  Quizás en próximas películas de Disney descubramos algo relacionado con la película de Luca, estáte atento y atenta a la pantalla.

Amelia Pellicer (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

Sleepy Hollow (Tim Burton, 1999)

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¿Te gusta el misterio y lo paranormal? ¿Eres de los que no se pierde un túnel del terror? Si aún no tienes planes para este Halloween, te recomiendo que sigas leyendo y le des una oportunidad a este largometraje que creará la atmósfera ideal para la víspera de Todos los Santos. Esa noche en la que la línea que separa el mundo de los vivos y el de los muertos se hace tan fina.

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Sleepy Hollow (1999) es una historia de misterio y terror dirigida por el inigualable del género Tim Burton, conocido por películas de ambientación gótico-romántica como Pesadilla antes de Navidad, La novia cadáver, Sweeney Todd, o Eduardo Manostijeras, entre otras. Así mismo, cuenta con intérpretes de la talla de Johnny Depp, Christina Ricci, Christopher Walken, Miranda Richardson y Christopher Lee.

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La cinta está basada en el relato del escritor romántico estadounidense Washington Irving (1783 – 1859) llamado La Leyenda de Sleepy Hollow. El concepto “basada en” es bastante acertado en este caso, porque si bien la película recrea la atmósfera y la idea general del relato de Irving, hay bastantes detalles del argumento y de la caracterización de los personajes que difieren del cuento original.

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Nos encontramos en el Nueva York del año 1799, y es allí donde conocemos al agente de policía Ichabod Crane (Johnny Depp). Tras varias disputas con sus superiores, en las que Ichabod les recrimina sus métodos de investigación medievales, nuestro protagonista es enviado a un pequeño pueblo para que ponga en práctica sus novedosas técnicas sustentadas en la ciencia. El pueblo en cuestión es Sleepy Hollow, donde están teniendo lugar una serie de misteriosos asesinatos en los que los cadáveres aparecen sin cabeza.

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Ichabod no solo se enfrenta al misterio de descubrir al asesino, sino a la superstición de los habitantes del pueblo que creen que el responsable de las muertes es el vengativo y sanguinario fantasma de un jinete sin cabeza que vaga por los bosques que rodean el pueblo.

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¿Podrá Ichabod, un hombre de ciencia, descifrar el misterio de Sleepy Hollow? ¿O se dejará llevar por las creencias supersticiosas de sus habitantes? Lo que está claro es que en esos bosques hay algo… o alguien…

Isabel Martínez Esteban (Departamento de Inglés)

DAVID ATTENBOROUGH: UNA VIDA EN NUESTRO PLANETA

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“Soy David Attenborough, y tengo 93 años”. Así comienza el documental “David Attenborough: Una vida en nuestro planeta”, publicado en 2020 por el mítico naturalista británico.

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“Una vida en nuestro planeta” es a la vez una historia de amor, de terror, un réquiem y una plegaria de ayuda hacia toda la humanidad para que aún estemos a tiempo de salvar el que es nuestro hogar. Es un testimonio en vida de David Attenborough, quien se ha dedicado durante más de 50 años al estudio de las diferentes especies que habitan la Tierra, y otros tantos años a intentar concienciar sobre la necesidad de preservar la biodiversidad y el papel que nosotros jugamos en ello. El científico vuelve atrás en el tiempo, hasta los años 30, para exponer los cambios que se han sucedido desde entonces y siendo él el propio testigo de esta historia.

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Se trata, posiblemente, del David Attenborough mas sincero y conmovedor, en un documental que te llega hasta dentro, te hace caer a lo más hondo pero a la vez, al final, te hace volver a tener esperanza. No se trata de un drama, ya que una vez más, el científico nos da las claves para frenar esta situación antes de que sea demasiado tarde.

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Cabe destacar igualmente las increíbles imágenes y secuencias, tan habituales en otros de sus trabajos, así como una banda sonora preciosa que ayuda a que se te pongan los pelos de punta.

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Esta es una de las frases que en mi opinión resume bastante bien la idea del documenta, una de las muchas llamadas de atención que nos hace David Attenborough a lo largo de los 90 minutos: “Nuestros predadores habían sido eliminados. Casi todas nuestras enfermedades estaban controladas. Habíamos logrado producir alimentos a medida. No quedaba nada que pudiera restringirnos. Nada que nos frenara. A menos que nosotros nos frenáramos seguiríamos consumiendo la tierra hasta agotarla.”

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Pero, ¿es este el final? David Attemborough aún tiene otra frase, la de la esperanza que llega al final del documental: “Si cuidamos de la naturaleza, la naturaleza cuidará de nosotros”. Así que aún estamos a tiempo, y esto sólo empieza por ser conscientes de lo que sucede a nuestro alrededor, pero… ¡debemos serlo ahora!

Andrea Elvira Arizón (Departamento de Física y Química)

LA SONRISA DE MONA LISA (MIKE NEWELL)

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No nos llevemos a engaño; estamos hablando del título de una película, aunque muchos estarán pensando de forma ineludible, en el famoso cuadro de Da Vinci. Y es que el argumento de la película nos traslada al mundo del arte, de las pinacotecas, de las obras artísticas que en ellas se albergan…

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La sonrisa de Mona Lisa es una película estadounidense del año 2003, protagonizada por Julia Roberts y dirigida por Mike Newell. Este último, es quizás más conocido por su labor como director en la cinta Cuatro bodas y un funeral, o por su obra Prince of Persia: Las arenas del tiempo, basada la saga de videojuegos del mismo nombre.

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La película, está ambientada en la década de 1950 en EEUU, momento en el que se tensaron las relaciones con la Unión Soviética, (fueron las dos superpotencias vencedoras de la Segunda Guerra Mundial), y ambas se enemistaron, convirtiéndose en líderes de dos bloques antagónicos: por un lado, el bloque Occidental (occidental-capitalista) liderado por Estados Unidos, y por el otro, el bloque del Este (oriental-comunista) abanderado por la Unión Soviética, creándose lo que se conoció como Guerra Fría. De estos dos bloques, el capitalista aparece bien reasentado en el filme.

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Cabe destacar el cambio de rol de género que la mujer sufrió durante los años 50, respecto a la década anterior, algo que aparece reflejado en la película. Katherine Watson, profesora de Historia del Arte en la prestigiosa universidad de Wellesley, tiene como alumnas a las más brillantes y aventajadas estudiantes del país, pero pronto se da cuenta de que los métodos de enseñanza a los que están acostumbradas, son obsoletos y anticuados, basados en lo memorístico y en la falta total y absoluta de razonamiento.

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Así, la recién aterrizada profesora Watson, pronto se da cuenta de que, si sus discentes quieren emanciparse y ser realmente independientes, debe luchar por cambiar esas metodologías arcaicas y apostar por un tipo de enseñanza en la que las alumnas piensen por sí mismas y puedan llegar a sus propias conclusiones.  Y dentro de su disciplina, la Historia del Arte, deja de lado esa tediosa labor de enumerar obras artísticas y aglutinarlas en periodos históricos estancos, y opta por dotar a sus alumnas de los recursos necesarios para entender el arte, para comprender las razones que llevaron a los artistas a realizar sus obras, o para llegar a determinada conclusiones que no apareen en los libros de texto.

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Y con ello, todas esas alumnas, se dieron cuenta de que la vida no tenía por qué ser algo predeterminado, que los estereotipos a los que estaban acostumbradas no eran inamovibles y que los roles sociales podían cambiar…

Ana Lahoz (Derpartamento de Geografía e Historia)

El coleccionista de huesos (Phillip Noyce, 1999)

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Originalmente llamada “The Bone Collector”, El Coleccionista de Huesos es una película inspirada en la novela homónima de Jeffery Deaver de 1997. De hecho, esta novela es parte de la saga de libros “Lincoln Rhyme Series”, que narra los casos a los que se enfrenta el criminólogo Lincoln Rhyme, un detective tetrapléjico que resuelve crímenes con la ayuda de su compañera Amelia Sachs.

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Lincoln Rhyme, interpretado por Denzel Washington, es un antiguo policía que quedó tetrapléjico hace tres años mientras investigaba al asesino de un compañero, cuando le cae una viga encima. Aunque no fallece de milagro, las secuelas del accidente lo dejan en camilla para el resto de su vida, pudiendo mover únicamente la cabeza, los hombros y el dedo índice de la mano derecha. Rhyme está decidido a que le ayuden a acabar con su vida mediante la eutanasia cuando una oleada de crímenes misteriosos acecha la ciudad de Nueva York. El singular asesino, además de asesinar de formas muy crueles a sus víctimas, se queda con un hueso del cuerpo de las mismas, de ahí que sea llamado el Coleccionista de Huesos. A su vez, intenta mantener en jaque a la policía dejando pistas de su próxima víctima y lugar en el escenario del crimen.

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Amelia Sachs, interpretada por Angelina Jolie;  es una policía de calle con un pasado tormentoso. Ella es la primera en acudir a una de las escenas del crimen. De ahí que cuando la policía pide ayuda a Rhyme para desenmascarar al asesino, este quiera contar con Amelia, quien se convierte en su mano derecha. Haciendo uso de un equipo tecnológico bastante avanzado para la época, la privilegiada mente de Rhyme y la intuición de Amelia en las escenas criminales, ambos intentaran descubrir quién es la persona que está matando despiadadamente a los ciudadanos de Nueva York y por qué.

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Con una trama que deja al espectador intrigado hasta el último momento, esta película recuerda a una especie de copycat, tema célebre en el Hollywood de los años 90 donde el asesino es un imitador de crímenes anteriores, como ocurre en Copycat (1995). A su vez esta película tiene la influencia de El Silencio de los Corderos (1991), que había triunfado poco antes y que dejó huella en películas thriller posteriores con la figura del psicópata; y de Seven (1996), con el mismo tema del escabroso asesino en serie.

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Una thriller americano que aunque bastante típico, muy entretenido e impredecible. La obra de Phillip Noyce intriga desde el primer momento al espectador. Una película muy interesante que deja una sorpresa al desvelarse el asesino verdadero y sus motivos.

Selección y reseña: Paula Abenia (2º de Bachillerato)

CRY MACHO (CLINT EASWOOD)

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Lo que quizás más sorprenda de Cry Macho es la edad de su principal artífice, Clint Eastwood, quien superando los noventa años no solo produce y dirige sino que, tal y como hiciera con Mula, su anterior película, también protagoniza esta nueva propuesta.

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Con el amigo Clint sobran las presentaciones. Estamos ante uno de los grandes clásicos vivos del cine. Alguien que empezó muy joven, apareciendo brevemente en La Tierra contra los platillos volantes, y que pronto alcanzó fama internacional, gracias a sus papeles protagonistas en las películas del oeste dirigidas por Sergio Leone y, por supuesto, gracias a su encarnación del detective Harry Callahan en la saga de Harry el sucio.

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Sin embargo, a pesar de la fama de tipo duro e inflexible, otorgada por sus personajes, Clint Eastwood se fue destacando como un cineasta versátil, un director capaz de emocionarnos a todos con obras maestras de la talla de Cazador blanco, corazón negro, Los puentes de Madison o Million Dolar Baby.

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Así las cosas, Cry Macho se aparta del Eastwood más trágico, devolviéndonos su faceta más sentimental, gracias a una historia que nos cuenta el viaje de un veterano cowboy, de Texas a México, al encuentro de un niño, fruto de un matrimonio fracasado, que debe devolver a su padre. Una película amable, tranquila y reposada, acerca de la importancia del amor y de la amistad en el proceso de formación de toda persona. La sencillez como principio, en una pequeña gran película de, como siempre en el cine de Clint, factura clásica.

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Estupendo el elenco actoral, con un joven actor coprotagonista, Eduardo Minett, que da la réplica perfecta al gran Clint, y estupenda tanto su banda sonora, compuesta por Mark Mancina, como, sobre todo, esa bonita fotografía de Ben Davis que, como quien no quiere la cosa, hace del paisaje un protagonista más de este “western” moderno que cambia violencia por emotividad.

Selección y reseña: Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Española y Literatura)

MARE OF EASTTOWN (BRAD INGLESBY)

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Mare es una detective de mediana edad que desempeña su trabajo en su ciudad natal, Easttown, un lugar endogámico, con pocas expectativas para los jóvenes, donde las drogas, la prostitución, la violencia y la maternidad adolescente son habituales.

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Mare se encuentra en el punto de mira al no haber sido capaz de hacer avances en el caso de una joven desaparecida hace ya un año, ya que da por hecho que nunca la encontrarán, puesto que probablemente esté muerta y abandonada. Por este motivo, ante el asesinato de otra joven, recibe, pese a su resistencia, a un nuevo compañero para ayudarla en sus pesquisas.

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Su vida personal tampoco se encuentra en el mejor momento, pendiente de si perderá la custodia de su
nieto, sin haber asumido todavía el duelo por la muerte de su hijo y siendo testigo de que su marido va a
rehacer su vida con una nueva pareja.

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Mare es honesta, directa y poco complaciente, se refugia en su trabajo para no sentir dolor ni culpabilidad por acontecimientos pasados y su determinación la llevará a sospechar de todos, así como a desentrañar una maraña de secretos familiares que se esconden en las relaciones tóxicas entre primos, amigos y vecinos de toda la vida.

Patricia Chavarrías (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

LOS MITCHEL CONTRA LAS MÁQUINAS (MICHAEL RIANDA)

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Esta película de animación de Netflix que lleva varias semanas en la lista de los TOP10 de películas más vistas, aúna muchos condicionantes para que sea un buen plan de peli y pizza para el fin de semana tanto paraa adultos, como para jóvenes y niños.

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Kaitie Michel, la hija adolescente, es aceptada en la universidad de cine de sus sueños y está deseosa de comenzar. La relación con su padre es muy distante y para compensar esta carencia, su padre decide cancelar su vuelo y que toda la familia le acompañe a la universidad, comenzando un largo viaje por carretera.

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Durante el viaje comienza el robopocalipsis y el levantamiento de los robots y la tecnología que le ha dado a Katie la oportunidad de escapar de su familia se vuelve en su contra.

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Los Mitchell durante su viaje se encuentran luchando contra teléfonos inteligentes, y robots mientras su viaje por carretera se convierte en una búsqueda épica por la supervivencia de la humanidad y que termina reconciliando a la familia de los Michel.

Una película llena de humor y con una estética, dentro de la animación, original y con enganche.

Elsa Bermejo (Departamento de Música)

MOXIE (AMY POEHLER)

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Una adolescente cansada de situaciones machistas y sexistas en su instituto, realiza anónimamente unos folletos feministas que deja en los baños de las chicas. A partir de este momento varías adolescentes impulsan diferentes acciones para reivindicar más igualdad entre chicos y chicas.

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Yo recomiendo que veáis esta película, porque está muy bien y nos puede hacer reflexionar sobre el feminismo.
¿Os animáis?

Adriana Pallás 1ºESO B

NOMADLAN (CHLOÉ ZHAO)

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Y ha llegado el turno de reseñar la película que en esta ocasión se ha alzado con el Oscar a la mejor película. Nomadland, una producción independiente que, paradójicamente, parece contrariar ese estilo de vida que predica Hollywood. Aún más chocante puede resultar que su disfrute no ya en cines, sino en plataformas digitales, pueda hacerse desde ya a través de Disney+, poderosa multinacional que tampoco encarna ese tipo de vida alternativa que nos muestra esta película.

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Pero nada debe extrañarnos en estos tiempos pandémicos que nos tocan vivir, en los que
quizás no venga nada mal el que a través del cine nos asomemos a esas vidas alternativas de
los que poco o nada tienen, de los que viven (bien por obligación, bien por decisión propia) de
espaldas a ese mundanal ruido en el que muchos estamos inmersos.

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Nomadland expone el retorno a una vida basada en la ayuda mutua y la sociedad de trueque. Vida errante apegada a la tierra y a la caravana. El rostro de Francesc McDormand, quien también obtuvo el Oscar por su interpretación (transformándose en una de las actrices con más estatuillas de la Historia del Cine) reflejando la resignación, el dolor, también la alegría de un mundo paralelo al nuestro, que entiende lo distinto como posibilidad.

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Y el paisaje como telón de fondo, subrayando la propuesta con atenuado bucolismo.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Española y Literatura)

GATTACA (ANDREW NICCOL)

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Gattaca es un film de Andrew Niccol de ciencia ficción-drama que vió la luz en 1997, y fue nominada a un Óscar a la mejor dirección artística. Destaca entre las películas de crítica hacia el impacto de la tecnología en la sociedad, actualmente se considera una película de culto, tanto para los amantes de temas científicos como para las mentes más filosóficas, la historia descrita como distopíatranshumanista es un clásico recurso para abrir debate tanto en clases de Biología, Filosofía o Valores por su rica trama y la cantidad de situaciones que nos ponen en un entresijo ético.

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Gattaca nos sitúa en un ‘futuro no muy distante’ para tratar temas muy actuales como los asuntos de la privacidad de los datos genéticos, el determinismo genético, la discriminación atendiendo a tu genoma, la eugenesia y los hijos a la carta, así como de los eternos temas filosóficos acerca de la identidad individual. Todo esto puede resultar familiar si has leído “Un mundo feliz” de Aldous Huxley que impacta por tanto por su contenido, como por la sociedad (¿tan avanzada?) que consiguió idear a principios del siglo 20. Aunque en aquella época gran parte de la tecnología utilizada para obtener descendientes de distintas castas – alfa, beta o gamma – por determinación genética y los condicionamientos a los que los someten a temprana edad, podría parecer totalmente inaudito, hoy en día podríamos no estar tan lejos de llegar a ver algo similar.

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A pesar de que la historia de Huxley no ha sido adaptada aún a la gran pantalla, Gattaca, se centra en uno de los elementos principales que aparecen en la novela: la manipulación genética como base para la sociedad perfecta, de manera que se plantea un mundo que encaja en las expectativas de la República de Platón.

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En ese futuro, la normalidad es que los niños sean concebidos in vitro y con técnicas de selección genética. Sin embargo aún quedan seres intrépidos que se saltan las normas establecidas para concebir de manera natural, Vincent (Ethan Hawke) es uno de los últimos niños concebidos de esta manera, pero nace con una deficiencia cardíaca por la cual no le otorgan más de treinta años de vida. Lleva la etiqueta de “no válido”, alguien condenado a ocupar los puestos menos gratos de la sociedad. Por el contrario, su hermano Anton ya es concebido mediante técnicas artificiales y recibe lo mejor de la carga genética de sus padres, lo cual le garantizará el acceso a infinidad de oportunidades. Cabe mencionar que los válidos no tienen cualidades supra-humanas, pero poseen lo mejor de los humanos: inteligencias superdotadas y físicos perfectos. Frente a ellos se encuentran los no válidos o in-válidos (Hijos de Dios o Nacidos por fe) que son personas cuya configuración biológica aún ha dependido del azar y que conforman la nueva clase baja. En esta sociedad tan predeterminada, Vincent, desde niño, sueña con ser astronauta e ir al espacio pero por su condición de no válido, es consciente de que nunca podrá ser elegido haga lo que haga, ya que sus aspiraciones vienen determinadas de nacimiento. Durante años ejerce toda clase de trabajos hasta que un día contacta con un hombre que le proporciona la llave para pasar a la élite: adoptar la identidad de Jerome (Jude Law), un deportista válido que se quedó paralítico por culpa de un accidente. En esta sociedad se puede seleccionar lo mejor de la genética, pero no esquivar los caprichos del destino. Así Vincent tendrá una oportunidad de acceder a la Corporación Gattaca, una industria aeroespacial, donde es seleccionado para una misión a Titán. Para hacer frente a las constantes pruebas genéticas a las que es sometido, deberá emplear inteligentemente las muestras de sangre y tejidos que Jerome le prepara. Todo irá bien hasta que el director de la misión es asesinado y las consecuentes investigaciones irán generándole dificultades para poder proseguir con su plan.

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Como curiosidad, no puedo dejar de comentar el nombre de la película, que para nada está escogido al azar, Gattaca está formada por letras del ADN (guanina, adenina, timina, y citosina) y la simbología genética es omnipresente en todo el film, el principal exponente es la gran escalera espiral del apartamento del protagonista junto con unos decorados fríos y funcionales que la han convertido en una película de referencia.

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Espero que la historia te despierte la curiosidad por disfrutar de su trama, estoy segura de que vendrá acompañada de reflexiones y conversaciones interesantes, nunca deja indeferente.

Ana Palmero (Departemento de Geología y Biología)

HÉROES: SILENCIO Y ROCK & ROLL

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Es un documental de Netflix que narra el ascenso de un grupo de provincias, como así se denominan los propios componentes, Héroes del Silencio, que consiguió situar en el mapa a Zaragoza. Héroes del silencio es, porque a pesar de la separación de la banda siguen igual de vivos, un grupo de rock de gran trascendencia en los 80, liderado por Enrique Bunbury y con un sonido cada vez más duro.

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Cada uno de sus componentes tocaban en diferentes formaciones de más o menos éxito local. Ensañaban en garajes cercanos y coincidían tomando algo en los bares próximos a sus locales de ensayo. Deciden unirse y formar juntos una nueva banda.

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Cuatro chicos que tenían muy claro qué querían hacer, cómo querían sonar, trabajadores y con un sueño común. Recuerdo que cuando ya habían cosechado más de algún éxito, las hermanas de mi amiga Belen, algunos años mayores que nosotras, bebían los vientos por la rubia melena del cantante y se emocionaban al contar que ya los habían visto actuar subidos a un remolque de tractor como escenario en una pedanía de mi pueblo. Así empezaron Héroes. Tocando donde les dejaban, recorriéndose cualquier lugar de la geografía de la provincia y ampliando este espectro poco a poco. Compartían esta
admiración con artistas como Ole Ole, Alaska, Loquillo… y a mi la verdad, que no me terminaban de emocionar… cantaba sus canciones los sábados por la noche porque era inevitable no sabérselas… sonaban a todas horas en las dos únicas cadenas de televisión que había y en los 40 principales. Nunca llegué a comprarme ninguno de sus discos.

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Rechazaron a grandes productores porque su sonido no era lo que ellos representaban en sus conciertos y lo que les gustaba. Eran exigentes. En directo eran inmejorables. De hecho, llegaron a la televisión y como quien no quiere en 1987 llegaron a oídos de Gustavo Montesano (guitarrista de Olé Olé) y Roberto Durruty, ambos productores que buscaban nuevos talentos. Aunque a Gustavo no le
impresionaron, acabaron yendo a verles en directo. Cuando llegaron a Zaragoza y vieron que la gente se pegaba por ver a los Héroes del Silencio el olfato les dijo que ahí había algo. Y cuando les vieron tocar… se enamoraron de ellos.

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Consiguieron un contrato con EMI después de que les retaran a grabar un single y vender 5.000 copias. Grabaron Héroes de Leyenda y vendierón 30.000 copias. Ahí es nada. Pero EMI les pidió que vivieran en Madrid, les quiso meter unas trompetas para que sonaran más pop, más vendibles… y de nuevo la cabezonería maña se impuso. NO. Fue la respuesta del grupo que iban a una.

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La crítica musical era muy dura con ellos pero nunca les importó. Solo querían hacer lo que más les gustaba, y el público los adoraba. Cada vez eran más respetados. Se les acusaba de ser bordes con la prensa pero ellos se defendían diciendo que eran fieles a su estilo. Las giras eran interminables, los seguidores se sumaban por todos los rincones del mundo: Alemania, Bélgica, Francia, Inglaterra…. Hasta saltaron el charco a hacer las américas.

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Empezaron sin tener un estilo definido y acabaron con un sonido cada vez más duro. Empezaron sin un objetivo claro. Querían éxito. No buscaban la fama. Enrique tocabael bajo, pero pronto se dieron cuenta que necesitaba más libertad de movimiento en elescenario así que ficharon a un bajista, Joaquín Cardiel. Ya estaban los cuatro: Enrique Bunbury, Juan Valdivia, Pedro Valdivia y Joaquín Cardiel. Más tarde ficharían al guitarrista Alan Boguslavsky para apoyar a Juan.

Carmen Moliner (Departamento de Lengua Española y Literatura)

DARK (BARAN BO OBDAR Y JANTSE FRIESE)

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Dark es una serie de televisión alemana, catalogada en el género de la ciencia ficción, con un formato de thriller o suspense. Fue creada por Baran bo Obdar, director y guionista alemán y Jantje Friese, coproductora y guionista de la serie. Ya habían trabajado previamente juntos en la producción de la película Who I am- No system issafe, en 2014, y cuyo guion fue nominado al mejor guion en los German Films Awardsen 2015.

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La serie Dark fue la primera emitida en alemán, aunque también está disponible en otros idiomas como el castellano, en la plataforma de streaming Netflix el 1 de diciembre de 2017, recibiendo numerosas reseñas positivas y comparándola con la serie Stranger things, emitida en la misma plataforma. Tras su éxito, decidieron crear dos temporadas más, con un final cerrado, que vieron la luz en junio de 2019 y junio 2020 respectivamente.

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Con solo visualizar la introducción ya se puede presuponer que se trata de una serie totalmente diferente a lo que hayas visto anteriormente, y que no te va a dejar indiferente. Esto es debido a las imágenes simétricas que se suceden al ritmo inquietante y a la vez pegadizo, de la melodía del grupo Apparat, llamada “Goodbye”.

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La trama se desarrolla en la localidad ficticia de Winden, una pequeña ciudadgermana cuyo principal reservorio natural es un bosque húmedo con cuevas en su interior que albergan misterio y desconcierto. Además, posee una central nuclear que nutre de trabajo a sus habitantes, pero sobre cual la se cierne la sospecha de oscuros secretos relacionados con la desaparición periódica de niños, algunos de los cuales reaparecen en el futuro, en una época que ya no les corresponde.

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Ya en los primeros capítulos de la primera temporada queda claro el argumento principal de la serie, siendo ni más ni menos que los viajes en el tiempo- espacio. Titilan las luces de la ciudad, aparece música inquietante de la maravillosa banda sonora y los arrendajos empiezan a caer de forma masiva en el asfalto, todo ello es un signo de que algún habitante a abierto la puerta de la cueva custodiada por la central nuclear, para viajar en el tiempo y/o en el espacio (mundos paralelos).

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“Sic mundus creatus est” reza la entrada a la cueva que permite saltar en el tiempo tanto hacia adelante como hacia atrás; siendo el lema de los viajeros en el tiempo que la utilizan para llevar a cabo su plan, y cuyos linajes se entrelazan, siendo casi hasta necesario lápiz y papel para no perder detalle de la genealogía repartida en cuatro familias: los Nielsen, los Doppler, los Kahnwald y los Tiedeman. Con sus respectivos oscuros secretos cada una de ellas.

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Sin duda los grandes protagonistas de la serie son Jonas Kahnwald, con su característico chubasquero amarillo, que trata de resolver un problema familiar que le impide conciliar el sueño cada noche; y su amiga-amante Martha Nielsen, una joven chica de instituto, hija de uno de los más conocidos policías de la ciudad y de la directora del instituto. Ambos van a protagonizar una historia de amor utópico, con la esperanza de que sus acciones a lo largo de la serie hagan que sus caminos se junten para siempre y/o puedan salvar a los habitantes de Winden de una terrible catástrofe.

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Conforme transcurren los capítulos, la trama se hace más complicada, con viajes entre universos paralelos, además de en el tiempo, y sin la necesidad de entrar a la famosa cueva, solamente con el uso de la llamada partícula de Dios, utilizada por la comunidad de viajeros del espacio-tiempo que está dividida en dos bandos con misiones opuestas: el de Adam y Eve.

La gran complejidad de la serie va abriendo paso a una infinidad de elucubraciones por parte del espectador sobre el desenlace, totalmente inesperado desde mi punto de vista, y cerrado, agradeciendo así el poder conectar una serie de acciones que se suceden entre los personajes a lo largo de los capítulos.

Con buenísima valoración por los críticos tanto profesionales como amateurs, este thriller distópico hará que te quedes pegado a la pantalla, inamovible, sin querer perder ni un detalle, y disfrutando en cada momento de los giros de guion, así como de los posibles entramados que tu mente diseñará tras su visionado para encajar las piezas de este gran puzle.

José Antonio Sanz (Departamento de Biología y Geología)

EL HOMBRE QUE PUDO REINAR JOHN HUSTON (1975)

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Reciente aún la desaparición de Sean Connery, me ha parecido oportuno recordar otro de sus títulos mas emblemáticos. La Película de la Semana viaja así al siglo XIX. En este caso en el contexto del colonialismo británico en plena “Era Victoriana”.

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Evidentemente no es la única muestra de esta temática.  Recordemos ciertos títulos que recrean el mundo colonial “victoriano” como “Las montañas de la luna”. Este género (o subgénero) al que se le ha denominado también como de “aventuras colonialesrecrea el momento de apogeo del Imperio británico como “Revuelta en la India” (sobre la rebelión de los “cipayos”), “Kim de la India”, cualquiera de las versiones de “Las cuatro plumas” o las más críticas “Zulú” y “Amanecer, Zulú”. Constituiría además, una suerte de “género bélico del siglo XIX”.

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Siguiendo esta línea, escapando al “mundo colonial”, pero situada en la misma época y dentro de la tensión entre las potencias europeas, aparece la magnífica producción  “La última carga”.

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En este contexto que estamos detallando, se situaría la que no podía faltar entre los clásicos del cine de “recreación histórica” y “de aventuras” de “La Película de la Semana” y que hoy nos ocupa: “El hombre que pudo reinar”.

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Este largometraje está basado en  el  relato del mismo título de Rudyard Kipling (1865-1936), el famoso escritor británico nacido en la India, autor así mismo de obras de referencia como el ya citado “Kim de la India” (1901) también llevado al cine, y por supuesto “El Libro de las Tierras Vírgenes”(1894) más conocido como “El Libro de la Selva”. El relato, de cuya puesta en escena hoy tratamos, fue publicado en 1888. Trazar aquí una biografía de este Premio Nobel y símbolo cultural del colonialismo británico nos ocuparía bastante espacio, así que nos conformaremos con una breve alusión a sus dimensiones de periodista, escritor o masón, recogidas también en el largometrajeobjeto de la presente reseña.

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¿Por qué reseñar “El hombre que pudo reinar”?  La respuesta podía ser otra pregunta ¿Por qué no antes? Además de la magnífica recreación de lugares, ambientes, vestimentas, el reflejo de las mentalidades es fundamental. La reflexión en torno al colonialismo, a la “civilización”, el imperialismo británico, la famosa “carga del hombre blanco” (en varios sentidos) a la que el propio Kipling se refería. Todo esto abordado con un constante sentido del humor, las frases socarronas que van jalonando el largometraje dotándolo de una ironía insuperable que ayudan además a hacer mas patente y eficaz su carga crítica.

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Por otro lado ese constante vitalismo, optimismo, espíritu de aventura, va de la mano de unas localizaciones, unos paisajes magníficos.

La película de hoy reúne todas las características del cine al que nos estamos refiriendo en los párrafos anteriores y además cuenta con razones  de peso desde el punto de vista de la pareja protagonista, Michael Caine  y por supuesto el ya citado Sean Connery, sin demasiado espacio de nuevo aquí para hablar de sus magistrales carreras (aunque ya señalamos hace unos meses titulos relacionados con este último que además abre la reseña de hoy) si a esto añadimos la figura de su director, John Huston, las razones para el visionado de este largometraje son claras.

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Este realizador, ya nos visitó en una ocasión con una obra ambientada en la Edad Media donde debutó su hija Anjelica, “Paseo por el Amor y la Muerte” y es además el responsable  de otros títulos de referencia como “El halcón maltes”, “El secreto de Sierra Madre”, “La reina de África” o“Dublineses”.

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Completan la ficha técnica el magistral director de fotografía Oswald Morris y el genial músico, autor de partituras cinematográficas Maurice Jarre, ambos galardonados en numerosas ocasiones.

Para acabar, qué mejor que mencionar  las opiniones autorizadas de dos periodistas:

«Película inolvidable, cumbre del espíritu aventurero del director, y una nueva incursión en el terreno de los personajes perdedores y desengañados que se alimentan de ilusiones y de dignidad (…) Todo ello envuelto en unas imágenes bellísimas y un ritmo narrativo apabullante.«

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Miguel Ángel Palomo: Diario El País.

«La más bella película de aventuras de todos los tiempos«.

Maruja Torres: Diario El País.

Pedro Vizcaíno (Departamento de Geografía e Historia)

 

ADIVINA QUIEN VIENE ESTA NOCHE(STANLEY KRAMER, 1967)

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Una pareja de enamorados desciende de un avión que acaba de aterrizar en San Francisco y, entre mimos y arrumacos, se hacen con sus maletas y cogen un taxi. Si añadimos que ella es blanca y él es un chico de color, hoy en día no estaríamos aportando un detalle muy significativo, pero si nos vamos a 1967, estamos ante una de las películas más taquilleras del momento, llegando a los 21 millones en su estreno en EEUU y ganadora de dos Oscar, mejor actriz de reparto (KatharineHepburn)  y mejor guión original (William Rose).

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Actores de la talla de Spencer Tracy, Katharine Hepburn y SidneyPoitier, hacen de esta película una delicia, que servirá para catapultar a Katherine Houghton (sobrina de Hepburn) hacia un gran éxito profesional en el teatro y el cine.

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Personalmente me gusta mucho el clima que se crea a lo largo de la película, la música, las conversaciones llenas de cordialidad, tratando temas delicados de una forma muy elegante, la simpatía que generan algunos personajes, etc.; es una película que se disfruta desde el principio.

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Adivina quién viene esta noche es la historia  de un amor interracial, en una sociedad en la se empezaba a luchar por la igualdad de los derechos de todas las personas, pero en la que aún los mundos de «blancos» y «negros»  estaban  separados por unos límites muy claros, y este tipo de relaciones hacían aflorar muchos prejuicios en los ciudadanos.

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Matthew Drayton (Spencer Tracy) es un editor con gran prestigio, él y su esposa Christina (Katharine Hepburn) han educado a su hija Joanna ( Katharina Houghton) con unos valores poco comunes en aquellos tiempos, defendiendo siempre la igualdad entre todas las personas independientemente del color de su piel, haciendo de Joanna una persona libre de prejuicios, tanto que se enamora de Jonh Prentice(Sidney Poitier) un apuesto y elegante médico de color.

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Convencida de que sus padres, muy liberales, van a celebrar con orgullo y felicidad su noviazgo, llega a casa para presentarles a su prometido, que no está tan seguro de que las cosas vayan a ir tan bien como Joanna espera, y efectivamente, así es.  Christina no puede oponerse a esa relación, pues ve a su hija muy enamorada y feliz, sin embargo, su padre muestra cierto recelo y rechazo, es entonces cuando se desata la tormenta en forma de sustanciosas e interesantes conversaciones entre los personajes implicados.

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La familia de Jonh será invitada a cenar con ellos esa noche, con la intención de ayudar a Matthew a hacer ver a sus respectivos hijos que están cometiendo un error. Las discusiones se sucederán entre Matthewy su esposa, Matthew y un buen amigo, monseñor Mike Ryan (CecileKellawey), que trata de arrojar calma al asunto, y entre Jonh y su padre, que acaban su conversación con estas palabras:

«Papa, tú eres mi padre, yo soy tu hijo, te quiero. Pero tú te consideras un hombre de color. Yo me considero un hombre.»

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Llega la hora de la cena y Matthew ha tomado una decisión, su precioso discurso lleno de mensajes de amor hacia su mujer será la clave del desenlace de esta bonita historia.

Alicia López Cerezuela (Dpto. Biología y Geología)

PHANTASMA (DON COSCARELLI)

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Esta va a ser una reseña especial, puesto que hoy voy a hablarte de cómo una película puede transformarse en uno de esos títulos favoritos que nunca vas a cansarte de ver ya que supusieron algo especial. De hecho, Phantasma(Don Coscarelli, 1979) tiene la virtud de transportarme a otra época, cuando yo tenía entre cinco y seis años y el mundo era muy diferente.

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No había Internet, y tan solo podíamos disfrutar de un par de cadenas de televisión que emitían durante algunas horas, por lo que (si a ello le añadías el ser un niño) ciertas cosas adquirían unas tonalidades maravillosas. Y eso fue lo que me pasó con Phantasma, una película que me tenía loco ya desde su mismo título, con aquella extraña “Ph” en lugar de la característica “F”, y cuyo cartel, que me asaltó durante un paseo familiar en los porches del paseo de la Independencia, todavía lo llevo clavado en la retina.

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De hecho, no ya el cartel me parece uno de los más atractivos y originales de toda la Historia del Cine de Terror, sino que su “slogan” resulta, incluso hoy, absolutamente impactante: “Si usted no se asusta viendo esta película, es que usted está muerto”.

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¿De qué trataría aquello? ¿Quién sería la extraña mujer del cartel? ¿Por qué ese título? Mi imaginación de niño potenciaba aquellos misterios, elucubrando respuestas y posibilidades que hacían de Phantasma un atractivo misterio. ¿Pensáis que satisfacer la curiosidad era tan fácil como pagar una entrada de cine? ¡No! En aquel entonces la entrada a menores estaba prohibida para las películas calificada para mayores de 18 años.

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Y por si fuera poco, la televisión colocaba un anuncio (bueno, hoy se dice “trailer”) de la película en, por ejemplo, las pausas del 1, 2, 3 (el concurso más popular de la televisión de la época, que veíamos todos los niños) para la publicidad. Aquello era capaz de hacer enloquecer a cualquiera

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Que me contaran la película. Esa era la solución. Que mi padre (que también era aficionado al cine de terror) fuera a ver Phantasma y, al volver a casa, me contara detalladamente todo lo que ocurría en la pantalla. Y lo hizo, y bastante bien, y no sólo una vez, respondiendo de paso a todas las preguntas que yo le hacía. Así que, entre el cartel, el anuncio y aquella narración, Phantasma, uno de los grandes clásicos del cine de terror moderno, cobró vida en mi imaginación y se transformó en una de las películas que, como ya os he dicho, más me gustan.

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Sí. Phantasma, hoy por hoy, forma parte de mi colección, junto al resto de títulos de la saga (puesto que tal fue el éxito y su popularidad que son ya cinco las partes que la conforman). La he visto infinidad de veces y me conozco de memoria su pegadiza melodía. Los marmóreos pasillos de la cripta, el hombre alto, los encapuchados esclavos, la foto del cochero, los dedos que se transforman en un extraño insecto, la esfera asesina, la puerta a otra dimensión… son algunos de los irrepetibles elementos que os vais a encontrar en esta obra maestra que sustituye la falta de presupuesto por una desbordante imaginación.

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Una película única, que cuenta con legiones de fans, entre los que se encuentra J.J.Abrams, responsable de algunas de las últimas películas de Star Wars, quien no dudó en bautizar a uno de los personajes de la saga galáctica como Phasma, homenajeando a la película de Don Coscarelli.

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Y por si ello fuera poco, también le debemos la reciente actualización de la película a 4K, lejos de las borrosas texturas del vídeo Betamax en el que yo pude verla por vez primera.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Española y Literatura)

EL DILEMA DE LAS REDES SOCIALES (JAMES ORLOWSKY)

Caí por casualidad en este documental de Netflix atraída por su título. Me gustó lo de “dilema” por aquello de cuestionarme todo lo que tengo alrededor. Sí, llamadme friki, pero me gusta conocer todas las versiones, posibilidades, conductas, soluciones… De todas ellas me convence algo.

Y en este tema de las redes sociales, yo ni estoy muy puesta, ni me atraen en exceso, ni se me dan bien; y me interesan lo justo.

Empecé a usar Facebook como una herramienta de difusión y publicidad en mi trabajo. Twiter como una forma de estar al día de noticias de manera rápida y resumida, pero de la que tengo que reconocer, que pocas veces consulto y menos tiro del hilo de los twits principales que recibo. Youtube lo uso mucho para ver dibujos con mis hijos y algún video que me he grabado dando clases durante el confinamiento, en un canal, que prefiero no mentar, porque me da vergüenza la simplicidad de los videos que tengo colgados. En Instagram solo acepto a los más cercanos y aún así no cuelgo casi fotos personales porque tengo miedo de que, al hacerlo, se haga un mal uso de ellas por la cesión de la propiedad de dichas fotos que das de manera explícita al aceptar las condiciones de descarga de la red. Watshap es la que más uso. A veces tomo conciencia y me asusta las veces que consulto el móvil para ver si me ha llegado alguno. Y no considero que tenga un problema de adicción. Pero reconozco que lo miro a menudo. Desde que mi trabajo no me exige una línea de teléfono a cualquier hora, tengo por costumbre dejar el teléfono en silencio en otra habitación distinta a la que me encuentro. Incluso salgo de casa sin el móvil. Y confieso que, a pesar de que lo practico desde hace algunos años, sigue produciéndome una sensación infinita de libertad y de paz.

Recibir una notificación, sacar el móvil del bolsillo y contestar. Es un sencillo gesto que ya hemos naturalizado y que, según desvelaron ejecutivos de Apple, realizamos unas 80 veces al día. Cada vez que desbloqueamos el teléfono e interactuamos, una empresa está luchando para que pasemos más tiempo en su aplicación, ya sea WhatsApp, Instagram o Twitter. El nuevo capital es la atención. Y eso es justo lo que pretende denunciar El dilema de las redes sociales, un documental recientemente estrenado en Netflix. El largometraje de Jeff Orlowski pretende que tomemos conciencia sobre el peligro de los algoritmos, pero lo hace desde la reina de las plataformas VOD que los usa permanentemente.

Aunque no es el exceso de uso de las redes lo que me produjo mayor dilema y preocupación, sino lo que el simple uso de las mismas acarrea.

Este documental cuenta con extrabajadores e incluso creadores de Google, Twitter, Pinterest, Instagram, Youtube, Facebook… Y es de esta última red, una de las mayores banderas de la adicción en la red: el botón de “like”. A todos ellos se les pregunta por cuál es el problema de las redes. Todos explican lo que en el reportaje llaman “el capitalismo de vigilancia”. Y es que se beneficia del seguimiento de grandes empresas tecnológicas cuyo modelo es asegurar que los anunciantes tengan éxito. Es un nuevo tipo de mercado dedicado a negociar con los datos de millones de personas para mantenerlas pegadas a las pantallas. Cuantos más minutos, más audiencia y, por tanto, más inversores interesados en esa marca. Y eso es justo lo que hace Netflix. Como explican en Wired, una página especializada en tecnología, la mayoría de lo que se decide ver en Netflix está determinado por un complejo algoritmo que no solo tiene en cuenta qué ves, también qué viste hace un año, la hora del día o incluso si empezaste un programa pero lo abandonaste a los 10 minutos. La plataforma de streaming se alimenta de dos tipos de datos: explícitos, cuando el usuario señala que le ha gustado una serie, e implícitos, basados en las pautas de comportamiento. «No nos dijiste explícitamente ‘Me gustó Unbreakable Kimmy Schmidt, simplemente te bebiste la serie y la viste en dos noches, así que lo entendemos de manera conductual. La mayoría de datos útiles son implícitos», señala Wired Todd Yellin, vicepresidente de innovación de productos de Netflix.

«Cada acción que uno realiza es vigilada y registrada. Exactamente qué imagen miras y cuánto tiempo la miras», dice en el documental Jeff Seibert, ejecutivo de Twitter. Pero no es la única que practica estos métodos.

En el documental hablan de cómo estos algoritmos explotan las vulnerabilidades de la psicología humana, pero lo hace a través de una plataforma que tampoco queda exenta de estas prácticas. Como si Amazon nos alertara sobre que debemos fomentar la compra en comercios de barrio y al mismo tiempo continuara vendiéndonos productos con ofertas rompedoras.

Además, no hace ni una sola referencia a uno de los escándalos más importantes de la última década: el de Cambridge Analytica. Facebook perdió 37.000 millones de dólares en un solo día por verse envuelto en acusaciones de robo de datos e interferencia política. El revuelo llegó hasta el Congreso y el Senado de EEUU, donde Mark Zuckerberg se encargó de dar testimonio. Entre otras cosas, este suceso provocó que entrara en vigor el Reglamento General de Protección de Datos de la Unión Europea (GDPR, en inglés).

Otro de los aspectos en los que incide el documental es en cómo las fake news campan a sus anchas en redes sociales en general y en Facebook en particular. Jaron Lanier, informático y pionero de la realidad virtual, pone un ejemplo: «Imagina por un segundo que Wikipedia dice: ‘Vamos a dar a cada persona una definición diferente y nos pagarán por eso’. Wikipedia te espiará y calculará qué puede hacer para que esa persona cambie por algún interés comercial. Y luego cambiará la entrada. ¿Te lo imaginas?».

Es precisamente lo que pasa en Facebook, YouTube o incluso Google, que varía el resultado de buscar términos como «cambio climático» según la localización. En redes sociales se despacha al gusto del navegante, lo cual genera microcosmos de personas con sus propias realidades y sus propios hechos. Incluso si son mentira. Con el tiempo tienes la falsa sensación de que todos coinciden contigo porque todas tus noticias piensan como tú ¿Las consecuencias? La extrema polarización de la opinión pública y el florecimiento de teorías conspiratorias.

«Es fácil pensar que solo convencen a unos pocos estúpidos, pero el algoritmo es cada vez más inteligente. Hoy te convencen de que la tierra es plana, pero mañana te convencerán de otra falsedad», observa Guillaume Chaslot, ex encargado de trabajar en las recomendaciones de YouTube. Es algo que hemos visto con los negacionistas del COVID-19, que evitan usar mascarillas y señalan a la telefonía 5G y a Bill Gates como responsables de la pandemia para implantar microchips a través de vacunas y así controlar las mentes de los ciudadanos.

En esta época de pandemia en la que los médicos mejor que nadie nos enseñan la importancia de hacer triaje, es decir, clasificar a los pacientes en función de su dolencia y la urgencia de su atención y luchar contra el edadismo, o lo que es lo mismo, no discriminar a ningún paciente por su edad. Pues bien, creo que la verdadera pandemia es que tomarse tiempo para contrastar la realidad se ha convertido en una práctica en peligro de extinción.El pensamiento único nos destruirá como humanidad. No nos va a permitir crecer.

Mª Carmen Moliner (Departamento de Lengua y Literatura)


LOS SIMPSON

La serie muestra el día a día de una familia de clase media de Estados Unidos que vive en el pueblo de Springfield.

Los personajes principales, los miembros de la familia son: Marge, Homer, Bart, Lisa, Maggie y por último Abraham Simpson, el abuelo. Cada uno tiene su papel en la familia. Homer, el padre, trabaja en la central nuclear, está todo el día en el bar de Moe y se lleva bastante mal con Bart, su hijo. Marge, su mujer, es una maniática del orden y siempre discute con Homer. Bart, tiene ataques de hiperactividad y se mete constantemente en líos. Lisa, la hija mediana, siempre quiere ser perfecta y es muy egocéntrica. Maggie, es la hija pequeña, ha usado en ocasiones armas de fuego y también ha agredido a gente. Abraham, el padre de Homer, es el abuelo, una carga para la familia, por ello está en la residencia de Springfield. 

Los episodios más vistos son los número 128 y 129 de la temporada 6 y 7, tratan de quién mató al señor Burns, otro episodio mítico fue “El enemigo de Homer”, episodio 176 de la temporada 8, que trata de que después de que el señor Burns ve un reportaje sobre la vida de Grimes decide contratarlo en la Planta Nuclear, en el mismo sector que Homer, y es allí cuando se inician los problemas entre ellos.

Una serie larga, muy larga, pero muy, muy divertida.

Selección y reseña: Claudia Badules (3º B)

LA LIBRERÍA (ISABEL COIXET)

Hace unos meses circuló por change.org -la plataforma social de peticiones en la que individuos o grupos solicitan la adhesión de las personas que siguen esta red a causas de lo más variopinto- una petición para declarar a las librerías de toda España como un servicio esencial que abastecen de un producto de primera necesidad, los libros, de tal forma que los ciudadanos pudieran acudir a las librerías en las zonas con restricciones y limitaciones comerciales o en caso de confinamiento domiciliarios como consecuencia de la pandemia. Los promotores de la iniciativa, más bien las promotoras, pues eran mujeres quienes lanzaron esta petición, esgrimían entre otros argumentos “quelos libros son siempre un buen refugio. Pero en estos tiempos que nos ha tocado vivir, para millones de personas están siendo un auténtico salvavidas en el que buscar consuelo, evasión, esperanza, entendimiento… y libertad.”

Esta petición me ha traído a la memoria una película del año 2017, dirigida por Isabel Coixet, que subraya, trasciende y hace suyo también el argumento principal de la petición que circuló por change.org: al fin y al cabo, los libros son siempre un salvavidas en los que encontrar consuelo, evasión, esperanza, entendimiento y libertad.

La película, ganadora de tres premios Goya en 2017 a la mejor película, la mejor dirección y el mejor guion adaptado, escrita y dirigida por Isabel Coixet, es la adaptación de “La librería”, una novela de la escritora británica Penélope Fitzgerald. La película retrata con ternura y sensibilidad las vicisitudes de una mujer, viuda de guerra, que, en los años 50 del siglo pasado, decide abrir una pequeña librería que le permita ganarse la vida (¡y no solo eso!) en una localidad de la costa inglesa.

Florence Green, la protagonista, hace algunos años que ha enviudado; su marido murió en la II Guerra Mundial. Juntos habían trabajado entre libros en una gran librería londinense y siempre tuvieron la idea de abrir una librería fuera de Londres. La guerra truncó ese sueño y Florence decide dejar Londres y hacerlo realidad en una pequeña localidad de la costa británica. El nombre de la localidad, imaginado por la autora de la novela, Hardborough(pueblo duro), es toda una premonición de lo que le espera a la dulce Florence. Su inocente pretensión de abrir una librería desatará, para su sorpresa, todo tipo de reacciones, y no siempre amistosas, entre los habitantes de la localidad.

Su principal antagonista, Violet Gamart, otra mujer, una de las notables del pueblo, rica, influyente y acostumbrada a que la comunidad se pliegue a su voluntad, se opondrá a que la librería se instale en el local que Florence ha alquilado y tratará por todos los medios para que desista de su proyecto. Florence sólo goza del apoyode una niña de diez años, Christine, a la que contrata fuera del horario escolar para que la ayude en la librería y con el respaldo de un hombre solitario, Edmund Brundish, un tanto misántropo, algo mayor que ella, inteligente, lector empedernido y sobre el que circulan curiosas leyendas en el pueblo que refuerzan su solitaria existencia.

Sobre esta anécdota se sustenta el desarrollo de la película. No es una película de acción trepidante. Es más bien unrelato lleno de sensibilidad, de matices, de situaciones y diálogos sutiles en los que afloran los estados de ánimo de los personajes y dejan traslucir la maldad por la maldadque los poderosos que intentan doblegar a quienes no se pliegan a sus deseos, la abrumadora indiferencia de una comunidad que se mantiene al margen de una situación tan injusta como contraproducente para sus propios intereses (el cierre de la librería). Pero también la solidaridad y quién sabe si el amor sublimado del empedernido lector solitario, el señor Brundish, que decide movilizarse frente a la arbitrariedad de Violet.

El final de la historia de nuestra librera en Hardborough es más o menos previsible dada la intensidad y la naturaleza de las fuerzas en conflicto. Aunque también hay una esperanzadora, curiosa y asombrosa sorpresa en el final de la película, no desvelamos nada si decimos que la historia acaba de forma bastante realista, es decir, de la forma en la que suelen terminar este tipo de enfrentamientos.A lo largo del metraje asistimos a la ilusión de una mujer por hacer realidad su sueño en una Inglaterra que en 1959 no ve con buenos ojos que una mujer sola tome las riendas de su destino y quiera escribirlo a su manera. Su tozudez y su verdad conseguirá inicialmente su propósito, pero la maldad gratuita, personificada en el caprichoso proyecto que Violet Garmat tiene pensado para el local en el que Florence Green ha instalado su librería, la amenazará constantemente. De esta manera, la humilde librería adquiere una importante carga simbólica como expresión de un mundo que se desmorona, en el que la cultura parece no importar a pesar de los esfuerzos de nuestra librera por conectar a los habitantes del lugar con la letra impresa que está haciendo época en ese momento en Inglaterra (Nabokov y Bradbury principalmente), aun cuando la mayor parte de las ventas que sostienen económicamente el negocio sean manuales prácticos y los textos utilitarios que compran los vecinos del lugar.

Los acontecimientos se suceden sin estridencia alguna, sin ninguna salida de tono. El desarrollo de la historia que se adivina está tratado con esa contención tan característica que de forma tópica podemos atribuir a los ingleses. El trabajo de los actores, impecable, ayuda enormemente en este sentido. Su talento, al servicio de una puesta en escena sutil y armónica, nos hace disfrutar de cuidados diálogos, de silencios y de apenas perceptibles y reveladores gestos que trasmiten la fuerza interior y las pasiones que atraviesan a los diversos personajes aun cuando exteriormente mantengan esa capa de educación y control que puede hacerlos parecer en una primera contemplación fríos y distantes.

Es una película para espíritus sensibles. Bella, trágica, que habla sobre personas que defienden la dignidad humana y la calidad de la literatura contra los prejuicios y las maledicencias de la sociedad. No gustará a todo el mundo porque la acción es prácticamente inexistente y la anécdota que la sostiene es bastante sencilla. Pero a pesar de ello, o quizá por esa razón, “La librería” es unamaravillosa metáfora de la lucha entre la mezquindad que existe en cualquier lugar del mundo y la firmeza, labondad y la fuerza de los sueños que se le oponen. Como dijo la propia Coixet, su directora, de trata de la historia de “una sociedad que distingue entre exterminados y exterminadores”.En esta desigual controversia los libros suelen ser de gran ayuda. Aunque no lo parezca.

Charo Gómez García (Departamento de Biología)

LOS BRIDGERTON (CREADA POR CHRIS VAN DUSEN)

El bullicio reina en casa de los Bridgerton. Daphne, la mayor de las hermanas, va a ser presentada como debutante ante la reina, como corresponde a una señorita de su condición social. El objetivo, formar parte de la sociedad y conseguir una proposición de matrimonio adecuada.

Tras haber sido nombrada como “el diamante de la temporada” por la propia reina, la actitud de su hermano acaba dejándola sin pretendientes, por lo que llegará a un acuerdo con el Duque de Hastings para fingir un interés mutuo que la haga más deseable y librar a este  último, que no desea casarse, de la persecución a la que se encuentra sometido por las madres de la alta sociedad.

Como podemos imaginar la situación se complicará y aparecerán sentimientos que pondrán a Daphne en un situación comprometida.

La búsqueda del amor, la reputación social, el honor y las obligaciones familiares se reflejan en esta serie situada en Inglaterra durante el periodo de Regencia, que cuenta con una narradora excepcional,  Lady Whistledown, una voz que, escondiéndose tras el anonimato, publica una crónica social a la que ningún secreto se escapa.

La serie recrea de forma excepcional los elementos más estéticos  y atractivos de la época, en un desfile de vestidos, peinados, bailes y fiestas que seguro dejarán su influencia en algún detalle de nuestros vestuarios.

Selección y reseña: Patricia Chavarrías (Departamento de Lengua Española y Literatura) 

AMADEUS (MILES FORMAN)

Perdóname, Mozart, fui yo quien te destruyó” – susurró en medio de la noche un viejo gravemente enfermo. Era 1823 cuando el ex compositor de la Corte austríaca Antonio Salieri, recordó a su más talentoso rival, Wolfgang Amadeus Mozart. Y de eso va nuestra siguiente película, del recelo, de la admiración teñida de envidia, de la pelusa que da que alguien te desbanque por tener un talento innato fuera de lo común… Sin embargo, hay quienes defienden que el argumento de la misma está sólo vagamente relacionado con la verdadera realidad que los compositores vivieron en la Corte del Emperador austriaco Jose II. 

Sea como fuere, la intención tanto de Shaffer, el autor de la obra de teatro original,  como de Forman, el director de la cinta, no era plasmar una biografía oficial o documental sobre Mozart; la idea era crear una fantasía basada en un mito popular en los siglos XVIII y XIX (Mozart vs. Salieri), para así presentar el verdadero tema de la obra: el hombre en contra de Dios. De esta manera, la película construye un gran mito que para algunos seguidores de Mozart fue incluso ofensivo y se llegaron a realizar protestas en contra del papel que había tomado la productora, ya que presuntamente había contribuido a dañar la imagen de Mozart y degradarla del estatus de genio musical al de estúpido con suerte. Protestas aparte, lo cierto es que Amadeus muestra a un Mozart cinematográficamente apasionante y efectivo.

Tanta trascendencia tuvo el filme que estamos reseñando, Amadeus, estrenado en 1984, que fue todo un éxito a nivel mundial. La cinta fue galardonada con 40 premios, entre los que destacan 8 premios Óscar, 4 BAFTA, 4 Globos de Oro y un Premio del Sindicato de Directores.

Su director, Milos Forman, ha sido uno de los más consagrados del séptimo arte, a pesar de no contar con una extensa filmografía. Algunas de sus cintas más laureadas han sido Alguien voló sobre el nido del cuco o la que ahora nos ocupa, Amadeus, rodada casi íntegramente en la ciudad checa de Praga. 

La película nos acerca a la vida de dos importantes personajes dentro de la música clásica, y digo clásica porque nos referimos al periodo conocido como Clasicismo, que se desarrolló entre 1750, tras la muerte de J.S. Bach y 1820, cuando Beethoven comienza a introducir sonoridades e instrumentaciones más acordes al nuevo estilo romántico. El primer protagonista es el músico Antonio Salieri, maestro de capilla en la Corte Imperial vienesa, encarnado por F. Murray Abraham, y el otro, uno de los más grandes y reconocidos compositores de todos los tiempos, Wolfgang Amadeus Mozart, en la piel de Tom Hulce. El film cuenta la vida de este último, narrada desde su rival Salieri, tanto en su infancia, su juventud hasta su muerte.

De Antonio Salieri, podemos destacar que fue un buen músico, dotado de especial talento y con habilidades para la enseñanza. Sin embargo, su nombre se ha visto ligado a una presunta (y no demostrada) rivalidad con Wolfgang Amadeus Mozart, acusado además de plagio y de haber causado la muerte del compositor salzburgués. Este acontecimiento, sin ninguna base histórica, fue recreado primero en un poema de Aleksandr Pushkin, en el que se inspiró el compositor ruso Nikolai Rimski-Kórsakov para componer su ópera Mozart y Salieri y más tarde, por el escritor británico Peter Shaffer para escribir la obra de teatro Amadeus, que inspiró directamente a Forman para rodar esta cinta. 

Y qué decir de Mozart, ese niño prodigio que fue pianista, violinista, compositor, director de orquesta… vamos, un músico completísimo. Apreciado por la realeza y la aristocracia europea, con sólo 17 años ya trabajaba en la corte de Salzburgo; sin embargo, su afán por aprender, por superarse y por ascender en su posición social, le llevó a viajar por Europa y a instalarse en Viena, cosa que no le salió del todo bien, ya que pasó por bastantes penurias económicas. Vivió en una época de grandes cambios (basta recordar la toma de la Bastilla en 1789), poco antes de su muerte, momento en que la nobleza, agonizante, agotaba sus privilegios para dar paso a la burguesía dominante. 

Volviendo a la película, decir que Amadeus narra de forma espectacular el encuentro entre la locura y la genialidad, la culpa y la envidia. Desde el punto de vista técnico es maravillosa y su banda sonora no tiene parangón. Pocas veces se ha visto en el cine una simbiosis tan perfecta entre cine y música. La historia se inicia en la Viena de 1781, cuando Wolfgang Amadeus Mozart llega a la corte a la edad de 25 años. Con su carácter un tanto infantil y un talento innato asombroso, enseguida consigue conquistar al rey pero también liberar un sentimiento de odio y pelusa en Salieri, quien desde el primer momento reconoce su terrible genialidad. Es por ello que desde el comienzo, la película se convierte en un doble relato, donde cada triunfo de Mozart supone un mazazo para Salieri, carcomido por la envidia que le provoca el saberse mediocre. Toda esa aversión, sólo podrá tener un desenlace: la muerte de su émulo.

No cabe duda de que nos encontramos ante una obra maestra de la historia de la cinematografía, llena de energía y con una espléndida narrativa. El guión es soberbio, al igual que la dirección que Forman plantea, lo que incluye al filme en la lista de títulos imprescindibles.

Selección y reseña: Ana Lahoz (Departamento de Geografía e Historia)

GRACE AND FRANKIE (NETFLIX)

Grace and Frankie es la última serie de Netflix a la que me he enganchado y que me gustaría compartir con vosotros. Pertenece al género de comedia y está creada por Marta Kauffman (co-creadora de la popularserie​ Friends​)y Howard J. Morris (​Sullivan&Son)​.ProducidaporPaula Weinstein a través de Skydance Productions, la serie está protagonizada por Jane Fonda (​Barbarella)​ y Lily Tomlin (​Extrañas coincidencias​). Al dúo de actrices las acompaña un reparto compuesto por Sam Waterston, Martin Sheen, Brooklyn Decker, Ethan Embry, entre otros. Sin duda, la serie brilla por este elenco veteranos de actores y actrices.

Como dato curioso, tengo que comentaros que Jane Fonda y Lili Tomlin son amigas desde 1980, cuando rodaron la comedia, ​Cómo eliminar a tu jefe​. Ahora, 40 años después, bordan una serie que bien puede convertirse en serie de culto como lo hizo en su día ​Friends y que nos adentra ​en la vida de estas dos mujeres septuagenarias en las que un hecho totalmente inesperado, las hace empezar desde cero.

El hecho inesperado tiene lugar en el primer capítulo de la serie cuando, Robert y Sol, esposos de Grace y Frankie, viejos amigos y socios, les piden a ambas el divorcio después de 30 años de matrimonio, para casarse, ellos dos, “ahora que se puede”. Salir del armario a los 70 es solo la premisa de esta comedia de Netflix acerca de enfrentar nuevos comienzos, aunque sea en el otoño de la vida.

Sin duda, las principales protagonistas son Grace (Jane Fonda) y Frankie (Lily Tomlin) que no pueden ser más antagónicas, Grace es una elegante, práctica y algo fría empresaria retirada, y Frankie una espiritual artista amateur, consumidora de marihuana y otras yerbas. Pero tras la hecatombe que significa para ellas el anuncio de sus futuros ex maridos, las dos deciden refugiarse en una casa playera de San Diego propiedad de ambas familias.

No puedo dejar de mencionar a Martin Sheen, que da vida a Robert, un veterano de la actuación con más de 100 producciones a sus espaldas. Entre los títulos más exitosos destacan ​Apocalypse Now y ​El ala oeste de la Casa Blanca. Por su parte, Sam Waterston, Sol, es famoso por ser un personaje de peso en Ley y Orden, la serie policiaca más longeva de la televisión estadounidense, y en ​The Newsroom.

Es curioso como esta serie que no hizo demasiado ruido en su estreno ha conseguido sobrevivir siete temporadas y enganchar a público de todas las edades. No es una serie para gente mayor aunque, las caderas rotas y la pérdida de la audición estén presentes, pero sus conflictos verdaderos son parecidos a los de cualquiera que haya pasado por la ruptura de una relación larga o quien se haya tenido que controlar para dejar de mandar mensajes a su ex cada vez que se siente triste. Es una historia acerca del paso del tiempo, pero también sobre la capacidad de reinventarse, de perdonar, de permitirse nuevos amigos y nuevos amores, a cualquier edad. Toca muchos temas actuales: LGTB, el feminismo, la amistad verdadera, la invisibilización en la sociedad actual de las personas mayores, de cómo se van enfrentando a las adversidades físicas y psicológicas de la edad, de drogas, de sexo, y de la muerte. Todo ello con mucho humor y de frente, sin rodeos.

La serie, a pesar de no haber ganado ningún premio, ha tenido varias nominaciones a los Emmy y Globos de Oros por el guión y la actuación de Jane Fonda y ​Lily Tomlin​. Ojalá la industria reconozca el trabajo que han realizado, aunque el mejor reconocimiento es llevar siete temporadas en antena y que siga funcionando. ¡No dejéis de verla!

Selección y reseña: Charo Palos (Departamento de Lengua Española y Literatura)

OKJA (BONG JOON-HO)

Bong Joon-Ho se ha hecho mundialmente famoso al ganar el premio Óscar a mejor Película y a mejor director por Parásitos en 2019, una joya del cine de nuestro tiempo indudablemente recomendable.

En Okja (2017), el director surcoreano crea una historia surrealista, pero hermosa y a la vez descarnada, una historia que interpela a cualquier ciudadano occidental.

Corea del Sur, un joven país que ha sido profundamente transformado por la industrialización y el desarrollo en solo unas décadas, es el escenario elegido para hacer una crítica de la sociedad del consumo y del bienestar en la que vivimos.

En esta película algo tan extravagante como un concurso mundial para elegir al mejor supercerdo, propuesto por una multinacional de la industria alimentaria, sirve para cuestionar los sistemas de producción, las campañas de marketing y los alimentos transgénicos.

Bong Joon-Ho muestra con valentía el contraste entre una vida sencilla y tranquila con la codicia y el consumismo propios de la sociedad occidental. Tal y como afirmó el papa Francisco en 2018: “Lo que alimenta la vida no son los bienes, sino el amor; no es la voracidad, sino la caridad; no es la abundancia ostentosa, sino la sencillez.”

En esta cruzada acompañan al director y guionista surcoreano Tilda Swinton (Michael Clayton, El curioso caso de Benjamin Button), Jake Gyllenhaal (Amor y otras drogas), Giancarlo Esposito (Braking Bad), así como Brad Pitt en la producción.

Si tienes Netflix y estás dispuesto a reflexionar sobre nuestro modo de vida no puedes perderte Okja.

Selección y reseña: Mariano Turmo (Departamento de Física y Química)

GRANUJAS DE MEDIO PELO (WOODY ALLEN, 2000)

Mi propuesta de esta semana es una divertida comedia de 94 minutos, escrita, dirigida y protagonizada por WoodyAllen, e inspirada en Rufufú (1958), una comedia italiana de Mario Monicelli.

Imaginad un ladrón ex-convicto, retirado y arruinado, un ratero que no dispone de otra motivación que la de delinquir para obtener dinero, y que por tanto decide reunir a sus secuaces para dar el «golpe definitivo», el atraco a un banco, y por fin hacerse rico. Este simpático personaje es Ray Winkler (Woody Allen), apodado «la mente» por sus cómplices, que accederán a participar en su infalible plan, hacerse con la pizzería que está al lado delbanco y excavar un túnel para cometer el atraco. Frenchy (Tracey Ullman) es la mujer de Ray y también tomará cartas en el asunto, su rol será regentar la pizzería que será transformada en una tienda de galletas como tapadera, «Sunset Cookies», con tal éxito y afluencia de gente que  acabará comprometiendo los planes de Ray para excavar el túnel. Tras ser descubiertos, la historia da un giro inesperado, pues aunque el plan de este mediocre ratero y sus caricaturescos compinches fracasa, el destino los lanza a una nueva aventura en un mundo desconocido para ellos, el de los ricos, donde conocerán a David (Hugh Grant) que aceptará ser su maestro para pulir sus modales y que puedan desenvolverse en la alta sociedad.

En esta película Woody Allen hace del humor un elemento constante, pero además tendrá la oportunidad de mostrarnos de forma explícita que el hábito no hace al monje, así como las hipocresías y mezquindades de las altas clases sociales, y cómo el dinero puede acabar transformando a las personas sin hacerlas más felices.

Selección y reseña: Alicia Cerezuela (Departamento de Biología)

LA SOMBRA DEL PASADO (FLORIAN HENCKEL VON DONNERSMACK)

La película de Florian Henckel von Donnersmarck, su director y guionista, remite a la historia reciente de la atormentada Alemania, pasando su protagonista, Kurt Barnett, por tres escenarios: su infancia en la época nazi, su adolescencia y juventud en la Alemania Oriental comunista y sus primeros años adultos en la Alemania Occidental capitalista. Al parecer, la trama argumental se inspira, aunque de forma muy libre, en la biografía de uno de los pintores más destacados del panorama artístico alemán actual Gerhard Richter, considerado uno de los artistas vivos más influyentes.

La película tiene un doble foco: el trasfondo es una crónica histórica, nunca profunda, de la Alemania de los años 30 y 40 -la hitleriana y de inmediata posguerra- y la de los 50 y 60 -la dividida-, que ven como se afianzan dos modelos sociopolíticos contrapuestos y, como símbolo, la construcción del muro de Berlín, ya en 1961; pero, en el primer plano vemos una reflexión sobre el poder del arte para ser un reflejo crítico y emocional de la realidad individual y colectiva.

La cinta comienza con la visita que Kurt, el coprotagonista de la película, siendo niño, hace a una exposición de arte degeneradoEntartete kunst-, un arte que englobaba y representaba todo lo que el totalitarismo nazi consideraba que no favorecía a su causa y provenía de influencias modernas acuñadas por, según ellos, bolcheviques y judíos: obras fauvistas, cubistas, dadaístas, surrealistas,… y múltiples pintores de las diversas vanguardias -en la película se ejemplifica con Kandinski- son objeto de escarnio y ridiculización por parte del régimen nazi, tal como puede verse en las primeras secuencias de la película.

La traumática vivencia del internamiento y eliminación de su joven tía Elisabeth, que se había convertido en su primera mentora, por las autoridades nazis en el marco de sus políticas eugenésicas marcará al protagonista de por vida. Es aquí donde hace acto de presencia el otro protagonista de la película, el amoral Dr. Seeband, encarnado por el actor Sebastián Koch. Él es el que personalmente firma el expediente médico que conduce a la eliminación de su tía. Sin duda, el director y guionista Florian Henckel von Donnersmarck consigue definir de forma magistral a este maquiavélico y mefistofélico personaje incapaz de asumir su pasado y sus crímenes de guerra, y, desde luego, sin ninguna mala conciencia, ni rastro de arrepentimiento.

Pero volvamos a Kurt -encarnado por el actor Tom Schilling- con un rostro inocente y aniñado. Lo encontramos, ya en plena primera juventud, viviendo y bebiendo la pócima de la represión de su creatividad en una Alemania del Este en la que sólo el realismo socialista al servicio del régimen comunista vigente está permitido.  La frustración de nuestro joven protagonista en la búsqueda  de su propia identidad artística en un ambiente imposible, termina por hacerle huir a la Alemania Occidental capitalista, donde, ya con menos trabas, comienza su búsqueda artística y personal en los ambientes artísticos de Dusseldorf. Finalmente, tras diversos intentos fallidos, Kurt encuentra sentido a su búsqueda artística rememorando una frase que su tía Elisabeth le dejó grabada a fuego sólo lo que es auténtico es bello.

En realidad, su trayectoria es la de la propia Historia del Arte -del clasicismo a lo conceptual, del expresionismo al arte pop-, terminando por componer un relato en el que se combinan los traumas individuales y colectivos de Kurt y de una parte del pueblo alemán.

Algo más de tres horas de metraje que logran emocionar, entretener e ilustrar con ayuda de unas interpretaciones notables, de una fotografía sobresaliente, que llegó a merecer su nominación a los Oscar, y de una esmerada banda sonora; técnicamente, La sombra del pasado es, en mi opinión, una película brillante y espléndida, siendo un lienzo extenso, a ratos expresionista, delicado y muy sensible. Muestra con trazos precisos y formas clásicas y académicas, un período de la historia de Alemania de la que muchos alemanes seguramente no se sienten muy orgullosos.

Selección y reseña: Fernando Lahoz.

HOST (ROB SAVAGE)

Host. Una de las sorpresas de la temporada. Una ópera prima, firmada por Rob Savage, que se realizó aprovechando el periodo de confinamiento, coordinando a las actrices a través de sus ordenadores personales. La historia, sencilla, el resultado, una bomba de relojería.

Un grupo de amigas, aburridas de estar en su casa confinadas por la actual pandemia, deciden llevar a cabo una sesión de espiritismo telemática. Como no podía ser de otra manera, lo que comienza como mero pasatiempo acaba complicándose… más de lo debido.

Un cuento de miedo tan clásico como moderno, perfecto para quienes queráis pasar cincuenta tensos minutos (sí, es una película corta). Host fue la película revelación del pasado Festival de Sitges. Una película que, aunque haya sido estrenada en salas comerciales, resulta perfecta para las plataformas de las que todos podemos disfrutar en nuestras casas. Que yo sepa, está ya disponible en Filmin, a través de alquiler, y en Movistar.

No es la primera vez que el terror nos llega a través de esas aplicaciones que todos utilizamos como Meet o Zoom. Los aficionados al cine de terror ya pudimos disfrutar no hace mucho de las dos excelentes entregas de Eliminado, que Host toma como punto de referencia. Estamos ante una variedad muy curiosa del subgénero del metraje encontrado, al que, como sabéis, pertenecen títulos emblemáticos como Holocausto caníbal, El proyecto de la bruja de Blair o Rec. En esta ocasión, el resultado final es el producto del encuentro telemático entre, como os he dicho, una serie de amigas, un grupo de jóvenes actrices que a través de sus miradas, gritos, lloros y rostros desencajados van a contagiaros su pánico. Garantizado.

Puertas abiertas a la oscuridad de la casa que os van a poner especialmente nerviosos, trampillas en el techo que hay que atreverse a abrir, pasillos en los que se ha oído ese ruidito que hay que ir a investigar, umbrales que hay que traspasar y puertas que se abren solas, misteriosamente… y como no, el apoyo de esa cámara con flash con la que vamos a descubrir que esconde la más negra de las oscuridades.

Host. Toda una fiesta. Un carrusel de suspense y sustos que juega con nuestra pandémica situación actual de inteligente manera, haciendo de ella un pretexto perfecto para confeccionar un espeluznante relato, tan moderno como un tablet de nueva generación, tan viejo como el mismo demonio.

Host. No os la perdáis… si os atrevéis.

Selección y reseña: Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Española y Literatura)

EL PROCESO PARADINE (ALFRED HITCHCOCK)

Alfred Hitchcock es uno de esos directores cuya filmografía sirve de perfecta carta de  presentación: Vértigo, El hombre que sabía demasiado, Encadenados, La ventana indiscreta, Psicosis, Los pájaros, Con la muerte en los talones son algunos de los grandes clásicos no ya de su filmografía sino de la Historia del Cine.

Nacido en Londres, la filmografía de sir Alfred queda no obstante ligada a Hollywood desde que en 1940 trabajara para el productor David O. Selznick en Rebeca (la anglosajona y la norteamericana), para quien también va a dirigir la película que hemos elegido en esta ocasión, quizás menos conocida que algunas otras que hemos nombrado, pero tan emocionante, cautivadora e intensa como su trama, que nos cuenta la historia de un abogado inglés (una de las mejores interpretaciones de Gregory Peck) que, a pesar de estar felizmente casado (Ann Todd en el papel de la esposa, regalándonos otro memorable personaje) se enamora de la mujer a la que debe defender de una acusación de asesinato (magistralmente interpretada por Alida Valle).

La película, fotografiada en un excelente blanco y negro (con algunos momentos claramente influidnos por el expresionismo) cuadra su elenco con el personaje de otro de los grandes, Charles Laughton, en el papel del juez Thomas Horfield, porque, obviamente, al margen de la carga de amor y dramatismo, esta es una película de juicios; uno de esos títulos emblemáticos que, en cierta forma, constituyen un género propio basado en la atracción que el cine siempre ha tenido por fiscales, acusados, jueces, abogados… De hecho, Gregory Peck volvió a darnos una lección de interpretación al encarnar en 1962 al abogado Atticus Finch de Matar a un ruiseñor.

En efecto, Testigo de cargo (también con Charles Laughton), Doce hombres sin piedad, Anatomía de un asesinato, Philadelphia, La caja de música, JFK o la reciente El juicio de los 7 de Chicago son algunos de los títulos clásicos que, junto a este Proceso paradine, deberíais ver si os gusta la jurídica tendencia cinematográfica.

Selección y reseña: Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Española y Literatura)

EMILY EN PARÍS (UNA SERIE CREADA POR DARREN STAR)

Emily es una joven publicista americana que, debido al embarazo de su jefa, se ve sorprendida con la posibilidad de pasar un año en París, representando a su empresa en una agencia de marcas de lujo francesa.

Sin  hablar ni una palabra de francés, pero con la cabeza cargada de romanticismo se instala en un piso bohemio de la capital francesa  y empieza su aventura.

Sin embargo, el choque cultural es inmediato, Emily es políticamente correcta y entusiasta del trabajo mientras que los franceses se dedican a la seducción y hacen del lujo y el estilo su forma de vida. Poco a poco irá encajando y aportando su visión americana al negocio, al tiempo que se aficiona a los croissants, hace amigas y se encapricha de su vecino de abajo.

Franceses guapos y bien vestidos, lugares emblemáticos de París, rincones con encanto por doquier y ese je ne saisquoi de la capital francesa nos conquistan en una serie que es como una bonita postal que no podemos dejar de mirar. Emily in Paris es cálida y agradable como un chocolate caliente, lista para edulzarnos esta Navidad.

Selección y reseña: Patricia Chavarrías (Departamento de Lengua Española y Literatura)
 
 
INTO THE WILD (SEAN PENN)
 

Seguro que alguna vez te has sentido saturado, sobrepasado por todas las responsabilidades, la vorágine de la forma de vida, el consumismo, el exceso de información, las exigencias familiares…y en esos momentos de deseperación, te has llegado a plantear romper con todo, irte a un lugar a reconectar contigo mismo,  con la naturaleza, encontrar tu centro y volver a empezar desde un lugar de más equilibrio. Todos estos sentimientos los aglutina Christopher McCandless, el protagonista de Into The Wild, un adolescente que no concibe la forma actual de vida, ni las imposiciones que nos vienen heredadas por nuestra cultura capitalista y egocéntrica. Por todo ello, decide darse un tiempo tras graduarse en el instituto e irse a vivir a Alaslka en plena naturaleza… y hasta aquí puedo contar.

Es una película de aventuras, que habla de romper barreras culturales, de superaciones personales, un film para reflexionar, para encontrarte reflejado por momentos en el personaje que está al otro lado de la pantalla, para disfrutar de los paisajes de naturaleza salvaje y virgen de Alaska, y finalmente, creo que nos invita a plantearnos cómo vivimos nuestra vida, ¿decidimos ser seres alienados que seguimos la estructura vital establecida o decidimos coger las riendas de nuestro destino y asumir todos los riesgos y precariedades? No creo que haya una respuesta correcta, pero sí creo que es una película que no deja indiferente a nadie, que de alguna manera u otra, te toca, y que en muchos aspectos puede llegar a conmover al espectador y removerle sentimientos profundos.

Además, está amenizada con una banda sonora de 10, de esas que querrás volver a oíren bucle, creada por Eddie Vedder, el vocalista y guitarrista del mítico grupo de grunge-rock  Pearl Jam, que nos envuelve sutilmente para meternos de lleno en la historia.

Te invito a verla y disfrutar de ella, ahora que vienen las navidades y con ella, una época de consumismo tan desmesurado, puede ser ideal, o quizás no…pero desde luego te recomiendo que la pongas en tu lista de películas para ver.

Como aperitivo te dejo el vídeo de Society uno de los temas principales de la película:

https://www.youtube.com/watch?v=4v1eOMrcQb8

Selección y reseña: Ana Palmero (Departamento de Biología)

V DE VENDETTA (JAMES MCTEIGUE) 
 

«Recuerden, recuerden, el 5 de noviembre…»

V for Vendetta (titulada V de Vendetta en España y V de Venganza en Hispanoamérica) es una adaptación al cine de la novela gráfica V for Vendettaperteneciente al sub sello de DC Cómics,  Vertigo Cómics, escrita por Alan Moore e ilustrada por David Lloyd.  La película fue dirigida por James McTeigue y producida por Joel Silver y las hermanasWachowski quienes además se encargaron de escribir el guión. Está protagonizada por Natalie Portman en el papel de Evey Hammond y Hugo Weaving como V.

La película toma como punto de partida la conspiración de la pólvora, ocurrida en 1605 y en la que un grupo de católicos fueron detenidos y ejecutados por intentar destruir el Parlamento inglés con el objetivo de matar al rey Jacobo I y acabar así con la persecución religiosa contra los católicos.

La trama de la película tiene lugar en un futuro ficticio, una distopía,  y muestra a V, un combatiente por la libertad que se oculta bajo una máscara de Guy Fawkes y que persigue la destrucción de un Estado Fascista ubicado en Inglaterra.

«Recuerden, recuerden, el 5 de noviembre. Conspiración, pólvora y traición. No veo la demora y siempre es la hora de evocarla sin dilación».

El 5 de noviembre se recuerda el intento fallido de asesinar al rey Jacobo I en la conspiración de la pólvora en 1605. Guy Fawkes se convirtió en el símbolo de esta conspiración. Alan Moore integró su leyenda en la conocida novela gráfica ‘V de Vendetta’ que dio lugar a la película producida por las hermanas Wachowski.

Guy Fawkes, el personaje histórico, de reaccionario a revolucionario

Guy Fawkes (York, 13 de abril de 1570-Londres, 31 de enero de 1606), también conocido como Guido Fawkes —nombre que adoptó mientras luchaba junto al éjercito castellano—, fue uno de los integrantes del grupo de católicosingleses que intentó asesinar al rey Jacobo Ien la fallida conspiración de la pólvoraen 1605.

Fue Wintour quien presentó a Fawkes y Robert Catesby, otro católico inglés que estaba planeando asesinar al rey Jacobo Iy restaurar una monarquía católica en el trono de Inglaterra.  Fawkes junto a los explosivos. Detenido y encarcelado, en los siguientes días fue interrogado y torturado, tras lo cual finalmente confesó. Fue condenado a muerte por alta traición, pero inmediatamente antes de su ejecución pública el 31 de enero Fawkes saltó desde el cadalso en el que lo iban a ahorcar y se rompió el cuello, con lo que evitó la agonía de la mutilación que le esperaba.

Fawkes se convirtió en el símbolo de la conspiración de la pólvora, cuyo fracaso se conmemora en Inglaterra cada 5 de noviembre desde entonces en la conocida como Noche de Guy Fawkes, durante la cual se quema su efigie en una hoguera y se lanzan fuegos artificiales.

En la novela histórica Guy Fawkes; or, The Gunpowder Treason (1841), escrita por William Harrison Ainsworth, se retrata de manera simpática a Guy Fawkes, con lo que se creó una imagen popular del conspirador como «un personaje ficticio aceptable». Con el paso del tiempo Fawkes se ha convertido «esencialmente en un héroe de acción» en libros infantiles y novelas de escasa calidad como The Boyhood Days of Guy Fawkes; or, The Conspirators of Old London (Los días de infancia de Guy Fawkes; o Los conspiradores del Viejo Londres), publicada hacia 1905.

Según el historiador Lewis Call, Fawkes es en la actualidad «un gran icono en la cultura política moderna», cuyo rostro ha pasado a ser «un instrumento potencialmente poderoso para la articulación del anarquismo posmoderno”, a finales del siglo xx e inicios del xxi, ejemplificado por la célebre máscara que cubre el rostro del personaje V de la novela gráfica V de Vendetta de Alan Moore y David Lloyd y su adaptación al cine, en los cuales lucha contra un ficticio Estado Fascista inglés.

Anonymous

La máscara que utiliza el personaje, cuyo diseño está basado en los rasgos faciales de Fawkes, fue posteriormente adoptada por los miembros de la Comunidad Virtual  Anonymous  (Anónimo o Anónimos ).  Anonymous es un seudónimo utilizado mundialmente por diferentes grupos e individuos para realizar en su nombre —poniéndose de acuerdo con otros— acciones o publicaciones individuales o concertadas.

Desde 2008 Anonymous se manifiesta en acciones de protesta a favor y lucha por la libertad, del acceso a la información, de la independencia de Internet y en contra de diversas organizaciones, entre ellas, Daesh, la Cienciología, los servicios secretos, consorcios con presencia global, sociedades de derechos de autor y todos los sistemas de censura gubernamentales. En sus inicios, los participantes actuaban solamente en Internet, pero con el tiempo fueron desarrollando también sus actividades fuera de la red.

Alan Moore

Es un escritor británico y guionista de cómics,  labor esta última en la que ha destacado por sus trabajos reconocidos por la crítica y popularmente aclamados como Watchmen, V de Vendetta, From Hell y The League of Extraordinary Gentlemen.

Ha sido catalogado como el «mejor escritor de historietas de la historia»

La obra de Alan Moore ha tenido numerosas adaptaciones no sólo al cine. Ha sido adaptada al teatro y se ha compuesto música inspirada en esta obra.

La película nos deja grandes frases que nos hacen reflexionar:

Justicia, igualdad y libertad son algo más que palabras, son metas”

El pueblo no debería temer a sus gobernantes, son los gobernantes los que deberían de temer al pueblo”

Nos dicen que recordemos los ideales, no al hombre, porque un hombre se puede acabar. Pueden detenerle, pueden matarle, pueden olvidarle, pero 400 años más tarde los ideales pueden seguir cambiando el mundo”

Nadie olvidará esa noche y lo que significó para el país. Pero yo nunca olvidaré al hombre y lo que significó para mí”

Selección y reseña: José García (Departamento de Orientación)

SOMBRERO DE COPA (MARK SANDRICH)

En 1935 el cine ya era sonoro, por lo que el prodigio pudo obrarse gracias a la perfecta fusión de dos figuras del baile: Fred Astaire y Ginger Rogers.

Sombrero de copa es un clásico del género musical. Su tono amable y ligero, salpimentado con bailes y canciones constituyeron un patrón a seguir en otros títulos, también inolvidables, como New York New York o Cantando bajo la lluvia; dos películas que, a diferencia de esta, presentaban sus elaboradas coreografías a todo color.

Lo que menos importa de Sombrero de copa quizás sea su trama, una comedia de enredo basada en la confusión de personajes (como suele ser habitual en el género) que, en el fondo, (como también suele ser habitual) es una bonita historia de amor. Sin duda, lo más significativo es su apuesta por la elegancia (todo transcurre en ambientes selectos y todos los personajes visten y hablan con una perfección inmaculada) y, sobre todo, esos momentos mágicos e irrepetibles en los que ambos protagonistas nos hacen abandonar este mundo para trasladarnos al paraíso a través de su baile.

Como todas las grandes películas, Sombrero de copa ha sido reutilizada por el propio cine en multitud de ocasiones, si bien yo destacaría dos: el momento en el que en La milla verde John Coffey se emociona disfrutando de la película en una sesión carcelaria y, sobre todo, el bonito homenaje que José Luis Garci dedica en Tiovivo al número musical central de la película en su también impecable escena de cierre.

Selección y reseña: Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Española y Literatura)

COBRA KAI

Cuando Miguel Díaz es atacado por un grupo de adolescentes, Johnny Lawrence le rescata y finalmente accede a su petición de enseñarle kárate para defenderse de sus acosadores. Es así como Johnny se convierte en sensei y empieza a formar a su discípulo tal como él fue entrenado en su día.

Esta motivación le empuja a abrir un dojo al que llama Cobra Kai, como su antigua escuela, lugar que conseguirá atraerá a los inadaptados del instituto de Miguel, necesitados de superar la autocompasión para ser capaces de defenderse a sí mismos y enfrentarse a sus miedos y a sus enemigos.

Pero All Valley es un lugar pequeño, y Johnny se cruza con su antiguo rival, Daniel Larusso, quien le venció en el torneo final cuando ambos competían en su juventud y se despertará la vieja rivalidad entre ambos.

Daniel representa el kárate blanco, el equilibro entre el cuerpo y la mente aprendido gracias a su maestro Miyagi, mientras que Johnny fue entrenado en Cobra Kai bajo el lema “sin piedad”, pero si bien los métodos de Johnny no son en absoluto ortodoxos,  ahora su dureza salvará a los más débiles. Finalmente cada uno de ellos encontrará un joven discípulo al que formar.

Cobra Kai, como secuela de The Karate Kid atraerá a aquellos que la disfrutaron en su momento pero seguro que también consigue atrapar a las nuevas generaciones  que buscan su sensei.

Selección y reseña: Patricia Chavarrías (Departamento de Lengua Española y Literatura)

VIAJE A LA LUNA (GEORGE MÉLIÈS, 1902)

Hubo una época, mucho antes de Netflix, HBO o Amazon Video, en el que el cine no se grababa en formato digital, ni tan siquiera era en color, ni tan siquiera tenía sonido. Hubo una serie de pioneros, de directores que, partiendo de cero, sentaron las bases de uno de los mayores entretenimientos de nuestros días.

George Méliès era, antes que cineasta, un ilusionista, un mago enamorado de lo imposible. Así las cosas, decidió llevar a la pantalla una de las más hermosas novelas de otro gran soñador, Julio Verne (de quien te hablo, por cierto, en la reseña de esta semana), gracias a una serie de trucajes cinematográficos que, hoy por hoy, son seminales respecto del sofisticado mundo de los efectos especiales. Méliès, como Segundo de Chomón, como luego Griffith, o Keaton, o Eisenstein, o Chaplin, lo hizo todo partiendo de nada, basándose en algo común a los creadores citados: su inmenso talento.

Viaje a la luna, vista hoy, tiene la belleza y la fuerza de las historias de los viejos pergaminos. En sus escasos quince minutos de duración se intuyen infinitas posibilidades narrativas que, poco a poco, el cine posterior irá explorando, apartándose cada vez más de esa puesta en escena teatral que resulta tan obvia como encantadora en este gran clásico de todos los tiempos.

Es uno de los primeros títulos del cine de Ciencia Ficción (tan visionaria para la Historia del Cine como lo fue Frankenstein en la Historia de la Literatura), inaugurando una larga lista de clásicos en donde nos encontramos títulos del calibre de La guerra de los mundos, 2001, Star Wars o The Matrix.

Si te gusta el cine y tienes curiosidad por conocer el origen de las cosas, no debes perderte esta obra maestra cuyo enlace tengo a bien facilitarte.

https://www.google.es/url?sa=t&rct=j&q=&esrc=s&source=web&cd=&ved=2ahUKEwiB09b49frsAhVwVBUIHU0uBMwQyCkwAHoECAoQAw&url=https%3A%2F%2Fwww.youtube.com%2Fwatch%3Fv%3D5_xcB0-y10E&usg=AOvVaw0KufPFTHcK1aIyxUinMxo1

¡A disfrutarla!

Selección y reseña: Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Española y Literatura)

ROBIN Y MARIAN (Richard Lester, 1976)

Vuelve de nuevo la Edad Media a La película de la semana, periodo histórico que no ha faltado en estas reseñas cinematográficas. Recordemos La papisa Juana,  Paseo por el amor y la muerte o  El séptimo sello.  Por supuesto hablamos  de algunos aspectos de este periodo en el Cine  al visitarnos las dos primeras. En aquella ocasión, me referí también a  películas situadas en ambos periodos (inicios y finales de la Edad Media respectivamente) Sin embargo ésta, abarca la Edad Media “plena”, “clásica”  donde se encontrarían también las basadas en relatos de Walter Scott (Ivanhoe, donde aparece el propio RobinHood, o El Talismán). También la época de las Cruzadas  con una muestra homónima a cargo de Cecil B. de Mile y otra (El reino de los Cielos) de mano del también citado Ridley Scott.

Pero en este caso la figura de Robin Hood bien merece una reseña más detallada. La leyenda del bandido del bosque de Sherwood, aunque situada a fines del siglo XII, se rastrea ya en el siglo XIV. Los hechos que narra se desarrollarían durante el reinado de Eduardo II, es decir más de un siglo después de la historia tradicional que conocemos, en época de Ricardo Corazón de León. El investigador Joseph Hunter, lo relaciona con  el sobrino de un herrero al servicio de un noble y ya lo situaría en Locksley. participando en una revuelta acaudillada por el conde Thomas de Lancaster. Sin embargo será en 1459, cuando el escritor Wyrkin de Worde, en su “Pequeña gesta de Robin Hood”, lo hace aparecer como Robin o Rober Frizhood, conde de Hunttington y sitúa sus andanzas hacia 1160, como un noble desposeído que lucha por recuperar su título. Hacia 1226 aparecen documentos que hablan de un tal Robert Hood como fugitivo de la Justicia. En 1324 volvería a aparecer un Robin “real” en documentos que hablarían de  percepción de salarios de palacio. En cualquier caso podemos suponer, que la leyendase inspira en la existencia de bandas armadas formadas por campesinos y leñadores que se dedicaban tanto al pillaje como a hostigar a la nobleza, tras el triunfo de la invasión normanda, en el siglo XI.

Queda así de manifiesto, que entre el reinado del rey Juan (finales del siglo XII)  y el siglo XV, se sucederían, canciones, baladas y leyendas en las que el nombre de Robin Hood, bien como un personaje concreto o genérico sería habitual en el folklore inglés. Tanto Hood, como Hod  o Hoder eran apellidos habituales entonces; lo mismo sucedía con nombres como Robert o Robin  (hay evidencias de al menos 8 personas antes de 1300 se les aplicó este seudónimo).  A partir de entonces versiones, recreaciones y numerosas investigaciones, intentan apoyar la existencia de dicho personaje.

Volviendo a la Cinematografía, por supuesto hice alusión al “subgénero” Robin Hood, aunque en este caso, citaré más ejemplos. La primera vez que aparece el personaje que hoy nos ocupa en el Cine es en el cortometraje mudo Robin Hood and his Merries Men (1908) dirigido por Percy Stow, tres versiones más nos encontraríamos hasta la más conocida aún en el mudo  de 1922 de la mano del realizador Allan Dwany del actor Douglas Fairbanks.  El año siguiente se produjo una versión titulada Robin Hood and Maid Marian. Será sin embargo,  a finales de la década siguiente, cuando el personaje fije su imagen para gran parte del siglo XX con su imagen más clásica en la versión de Michael Curtiz (1938) con Errol Flynn y Olivia de Havilland al frente del reparto. Habrá que esperar hasta la década de los 90 (Robin Hood, príncipe de los ladrones y  Robin Hood el magnífico), ambas de 1991 para volver con obras de referencia dentro de dicha visión clásica el personaje. En medio series B de varias nacionalidades, parodias e incluso una película de Dibujos Animados de la productora Disney de 1973.   Por otro lado,  algunas series británicas desde los 50 hasta hoy. Ridley Scott haría la última aportación a dichos largometrajes con su versión de 2010 interpretada por Rusell Crowe y Cate Blanchett.

Para finalizar mi referencia a la Edad Media en su aspecto cinematográfico,  remito  al ensayo “La Edad Media en el Cine”, escrito por  J.J. Alonso, E.A. Mastache y J. Alonso Menéndez.

El largometraje que nos ocupa representa quizá la mejor película de su director, Richard Lester(Filadelfia, 1932),  director de las películas de The Beatles, además de Golfus de Roma (ya proyectada en «Cine e Historia») y algunas versiones muy personales de «Los tres mosqueteros». Nos lleva a una Edad Media más real, cotidiana con una recreación muy detallada de ambientes, vestuario, mentalidades, etc. (aunque pasado por la especial visión de Richard Lester), donde se rompe el mito del “buen rey Ricardo” y los héroes no son tan infalibles.

En cualquier caso, esta película es un pretexto para glosar la figura  del magnífico Sean Connery(Edimburgo, 1930- Nasau, Bahamas 2020), que desde sus orígenes humildes pasó por diversos empleos tan dispares como repartidor de leche, conductor de camión, socorrista, futbolista o modelo. A finales de los años 50 empezó a trabajar como secundario en diversas producciones. Su oportunidad le llegó en 1962, cuando fue elegido para interpretar el papel de James Bond en la primera película del Agente 007: Dr.No. A partir de ahí su carrera fue imparable (representando en varias ocasiones a dicho agente) y difícil de resumir en pocas líneas. Me referiré tan solo a algunas de las películas de “recreación histórica”: El nombre de la Rosa (por la que recibió un premio BAFTA), El hombre que pudo reinar, El viento y el león o Los intocables(por la que recibió su único Oscar).

Desde joven, estuvo muy vinculado a la causa soberanista escocesa, aunque curiosamente, desde hace unos años había fijado su residencia en Bahamas.

Volviendo a Robin y Mariam, ¿qué decir de la pareja protagonista junto a Sean Connery, Audrey Hepburn? Dos estrellas de referencia en la Historia del Cine. Aparte de sus famosísimas Vacaciones en Roma, Sabrina,  Desayuno con diamantes o  Dos en la carretera  Dentro de sus  “películas de época” citaré Guerra y Paz (1956), el western  de  John Huston Los que no perdonan (1960) y  My Fair Lady(1964).

Completarían el reparto actores tan solventes como Robert Shaw,  Richard Harris, Nicol Williamson, Delhom Elliot, Ian Holm o una jovencísima Victoria Abril, pues como otras películas de Lester, fue rodada en España.

Una película muy recomendable para tener una visión distinta de la leyenda de Robin Hood y de la Inglaterra medieval y cómo no, nuestro pequeño homenaje a ese enorme actor que fue Sean Connery.

Selección y reseña: Pedro Vizcaíno (Departamento de Geografía e Historia)

MISTERIOSO ASESINATO EN MANHATTAN (Woody Allen)

Catalogada en el género de comedia negra, Misterioso asesinato en Manhattan combina la intriga y la tensión del suspense propios de cualquier película de Alfred Hitchkock, me viene a la cabeza La ventana indiscreta, con el humor inteligente que suele caracterizar a los personajes protagonizados por Woody Allen. El resultado, ciento cuatro minutos de entretenimiento que te atrapan por la curiosidad que despierta sobre lo que va a pasar, los ingeniosos chistes que se suceden durante toda la película, el ambiente neoyorquino, los diálogos enérgicos, las numerosas escenas cómicas, etc.

Woody Allen y Diane Keaton interpretan, brillantemente, a Larry y Carol Lipton, un matrimonio consolidado pero anclado en la rutina y el aburrimiento. El hijo fruto de su matrimonio ya es independiente, ellos se encuentran en la mediana edad y se percatan de que sus intereses personales son muy diferentes y empiezan a tener lugares comunes con otras personas.

Una noche en la que los Lipton regresan a su piso en Manhattan, se topan con unos vecinos a los que no conocían, Paul y Lillian House, un matrimonio de avanzada edad muy agradable y aparentemente bien avenido. Entablan conversación y se generan simpatías recíprocas. Al día siguiente Lillian muere repentinamente de un ataque al corazón. Será la actitud extraña de Paul, que no parece tan afectado como cabe esperar, junto a la necesidad de añadir algo de emoción a su monótona vida, la que despierte en Carol las dudas sobre las circunstancias en las que se ha producido dicha muerte y la inciten a iniciar por su cuenta, no sin la desaprobación de su marido (la acusa de fantasear), una investigación para esclarecer los hechos.

Carol se verá apoyada por Ted (Alan Alda), un viejo amigo que se deja embaucar por sus sospechas, a la vez que ve una oportunidad de pasar más tiempo juntos. Esta situación avivará aún más los celos de Larry, que a su vez mantiene una estrecha relación de amistad con una escritora, Marcia Fox (Anjelica Huston). Se cierra aquí el bucle de celos de la pareja.

Un hecho inexplicable hará que Larry empiece a tomar en serio la posibilidad de un posible crimen, e iniciará una aventura detectivesca con su mujer. Los cuatro, Carol, Larry, Ted y Marcia urdirán un plan para «pescar a su sospechoso».

¿Te vas a quedar sin saber qué pasó?

Selección y reseña: Alicia López (Dpto. Biología y Geología)

AWAY ( JESSICA GOLDBERG)

El mundo se prepara para la primera misión tripulada a Marte por parte de un equipo internacional que poco a poco irá encajando sus distintas perspectivas y caracteres.

Aunque al principio parece que estamos ante una serie de ciencia ficción, pronto veremos que el aspecto emocional de cada uno de los personajes es una parte esencial en la trama, pues nuestras experiencias condicionan inevitablemente quienes somos y cómo actuamos en situaciones límite.

Emma, astronauta y comandante, es una mujer tranquila y conciliadora, que consigue consolidar su liderazgo a pesar de las reticencias iniciales de otros miembros que no la consideran suficientemente fuerte.

Por su parte,  el ingeniero Mischa, al comienzo duro y hosco  y la química Lu, de carácter analítico, provienen de países autoritarios, y están acostumbrados a poner el interés de su país por encima de sus sentimientos personales.

Todos ellos han dejado en la tierra a alguien que aman en busca del sueño dE pisar el planeta rojo y han pagado un precio por ello.

Kwesi, es el personaje más dulce, adoptado por una pareja de judíos, este británico-ghanés es el novato de la expedición y ofrecerá su fe para conseguir esperanza en los momentos difíciles.

Ram, fiel aliado de Emma, es el personaje más solitario, alejado de su familia desde la muerte de su hermano de la que se siente culpable, irá descubriendo el amor.

En esta difícil misión, con un 50% de posibilidades de supervivencia, donde se encuentran solos ante cualquier imprevisto contarán con un aliado en la Tierra, Matt, el marido de Emma, que trabaja en la NASA, y no desfallecerá intentando buscar soluciones a los problemas a los que se enfrenta la tripulación en una aventura trepidante en la que vamos sintiendo la lejanía del planeta azul cada vez más, así como la inmensidad del espacio y el afán de superación del ser humano.

Selección y reseña: Patricia Chavarrías (Departamento de Lengua Española y Literatura)

LO QUE EL PULPO ME ENSEÑÓ (PIPPA EHLRICH Y JAMES REED)

Esta película documental ha sido dirigida por Pippa Ehlrich y James Reed, y ha sido lanzada al público a través de la plataforma Netflix en el verano de 2020. En ella el productor y cineasta Craig Foster comparte el papel de protagonista con un pulpo hembra de la especie Octopus vulgaris (pulpo común).

La película se desarrolla en las costas rocosas del cabo oeste de Sudáfrica, donde se mezclan zonas de oleaje intenso, con remansos de paz como son los bosques poco profundos de algas en los que predomina el kelp, un alga de gran tamaño con hojas grandes y alargadas que bambolean al compás de la corriente disminuyendo su fuerza y creando las condiciones idóneas para albergar una gran cantidad de vida.

El protagonista humano tras pasar un periodo de estrés debido al excesivo trabajo y las preocupaciones cotidianas decide regresar a los momentos más felices de su infancia para intentar recuperar la ilusión su profesión. Y sobre todo lograr desconectar de sus problemas haciendo lo que más le gustaba de pequeño, bucear. En sus inmersiones, Craig transmite una emotiva pasión por el mundo submarino involucrando al espectador, que observa cómo se fusiona con el medio natural al prescindir de botella y neopreno, llevando solo lo imprescindible para realizar apnea. Es como un anfibio que nos va descubriendo las maravillas de un bosque tridimensional en el que no existe la gravedad, flotando así en todas las direcciones con movimientos de cámara suaves y elegantes que descubren una infinidad de seres vivos espectaculares, desde los más sencillos como las medusas y ctenóforos, hasta vertebrados escuálidos como los tiburones pijama que no presentan ningún peligro para el ser humano, pero son los principales depredadores de pulpos en estos lugares.

Durante una de las inmersiones Craig divisa en el fondo una forma extraña que le fascina, parece un amasijo de diferentes conchas que se va moviendo lentamente, coge aire para alcanzar el fondo y descubre en realidad que se trata de un pulpo. Se queda fascinado al instante por su gran mimetismo, y la expresividad de su mirada, con esa pupila extraña de forma rectangular que parece desconfiar de su inesperada presencia.

Craig sale en búsqueda del molusco cefalópodo todos los días durante un año, tiempo que dura su aventura con su amigo invertebrado, representando casi el 80% de la vida de este animal de aspecto alienígena y de inteligencia comparable a la de un perro o un gato, algo totalmente inquietante en la línea de la evolución.

Ambos coprotagonistas crean un vínculo muy íntimo del cual el espectador se hace partícipe gracias al excelente equipo de imagen que consigue unos maravillosos primeros planos, una nitidez absoluta aún a pesar de la espesura de sedimentos en el agua, colores vibrantes y texturas totalmente apreciables y casi palpables desde el sofá. Incluyendo además una narrativa sencilla, emotiva que llega directa al corazón del telespectador.

Durante el recorrido de los 90 minutos del documental, el espectador va a vivir diferentes emociones acordes con las experiencias que van surgiendo en la vida del pulpo y paralelamente en la del cineasta/actor. Observando como los problemas se diluyen en el bosque de algas macroscópicas y despertando el interés por el entorno natural y los seres que en él habitan.

Se trata sin duda de una gran obra en este género documental que incita al espectador a iniciarse en el descubrimiento de los ambientes submarinos o en aumentar la frecuencia de práctica en los ya iniciados en esta disciplina. Fomentando siempre el respeto por todos los seres que allí habitan y dejando un mensaje de conciencia importante de conservación.

Selección y reseña: José Antonio Sanz (Departamento de  Biología-Geología)

LA CASA DE LAS FLORES (MANOLO CARO, 2018 – …)

Si algo bueno me trajo el confinamiento, fue una suscripción a Netflix. Llevaba algún tiempo con la idea por la cabeza, pero hasta que no llegó el Coronavirus no lo hice. Aprovechaba cuando dormía la casa para empezar mi sesión nocturna de series. 

La primera serie con la que me topé fue La casa de las flores. No sabía nada de ella. Nadie me había hablado de la serie. Así que mi decisión vino marcada exclusivamente por la gran Verónica Castro. Hacía años que no la veía en una telenovela, supongo que desde Amor prohibido. Los de mi generación la recordarán por Los ricos también lloran que hizo que adquiriera una gran popularidad. 

Sí, durante mi infancia y adolescencia me ví todas las telenovelas que ponían por la televisión: mexicanas, argentinas, españolas. Y no, no tengo ninguna vergüenza en admitirlo.

La serie está dividida en tres temporadas más dos capítulos especiales. Narra la historia de la familia De la Mora, regentes de una florería (sí, florería y no floristería) con mucha historia familiar. Lo que llama la atención es que cada capítulo tiene el nombre de una flor y su significado. Sin ánimo de hacer spoilers, el primer capítulo lo dedican al narciso que simboliza la mentira. 

Todo arranca con un suicidio y, poco a poco, se va deshaciendo ese ovillo de lana en el que empiezan a salir las miserias humanas. La familia De la Mora, de cara a la galería, se pinta perfecta, pero por dentro son un cúmulo de pecados capitales y de mundos alternativos. Recuerda un poco al universo de Pedro Almodóvar.

La estética, la música, México, Madrid, las flores…todo te atrapa. Pero sin duda, sin menospreciar a Verónica Castro, mi mayor descubrimiento fue Cecilia Suárez.¡Qué delicia! ¡Qué belleza de ser! Su particular forma de hablar, ha dado mucho de sí. Y tengo que deciros que, algunas veces, la imito cuando hablo con alguna de mis amigas. Pero, más allá de esa característica, Paulina De la Mora, es la protagonista indiscutible de esta serie. Es la columna vertebral que intenta que la familia no se desuna, que todo siga como antes y de que se mantengan las apariencias de cara a los demás.

Si sois unos frikis como yo de las variedades diatópicas del español, os recomiendo que veáis el capítulo en el que el hijo de Paulina, mexicano de nacimiento, intenta imitar el acento madrileño. Resulta tan ridículo que hace reflexionar. ¿Se escuchará tan ridículo cuando nosotros decimos “güey”, “órale” y  “¡Qué padre!”? Seguro que sí. 

Lo que más me ha gustado es cómo trata temas con la aceptación del yo y de las diferentes orientaciones sexuales; de cómo en esta vida uno debe decir la verdad y de ser sincero con los demás, pero sobretodo con uno mismo. De lo importante que es despojarse de las cosas que nos restan en nuestro día a día y quedarnos solo con lo que nos suma. De que no hay nada mejor en la vida que ser una buena persona, aunque a veces la vida se nos tuerza y nos lo ponga difícil.

Como he dicho antes, la serie muestra mundos y submundos: descarnados, complejos, situaciones, a veces, incómodas. Hay que tener una mentalidad abierta y madura. Por estas razones, la recomiendo para mayores de 15 años. 

Selección y reseña: Charo Palos (Departamento de Lengua Española y Literatura)

ALIEN (RIDLEY SCOTT, 1979)

A finales de los años 70 el cine fantástico todavía estaba ligado, mayoritariamente, a producciones de bajo presupuesto que confiaban en la buena fe de los espectadores para perdonar efectos escenográficos poco elaborados. Alien irrumpió con fuerza en dicho panorama, sirviendo desde los parámetros de la superproducción una historia de terror ambientada en una remota galaxia.

Desde los primeros planos de la película, Ridley Scott ponía su inimitable talento visual al servicio de una trama llena de sorpresas que irían constituyendo algunos de los momentos e iconos más memorables del cine de género de las últimas décadas, pasando incluso a formar parte de la cultura popular. ¿Quién no reconoce, hoy por hoy, a la despiadada criatura alienígena de lengua asesina, protagonista no ya de un buen puñado de películas sino también presente en tebeos, novelas, videojuegos, camisetas…?

Sin embargo, quizás no sepas que, en origen, Alien era un guión, escrito por Dan O’Bannon e inspirado en una película italiana dirigida por Mario Bava que se titulaba Terror en el espacio. Fue el propio Ridley Scott quien, tras leerlo, intuyó las tremendas posibilidades de aquella idea, que terminó cristalizando en un título de enorme personalidad gracias a la labor de H. R. Giger, uno de los artistas europeos más originales del momento, en quien Scott confiaba plenamente.

De hecho, Giger fue quien diseñó tanto el monstruo como el universo orgánico y oscuro, letal para cualquier humano, en el que transcurre la película.

La elección de los actores supuso también todo un acierto, catapultando a Sigourney Weaver al estrellato, siendo uno de los primeros títulos que jugaban con el concepto de heroína superviviente, eliminando, de manera inesperada en aquel entonces, al supuesto protagonista masculino a la mitad del metraje.

Además, el diseño de sonido (los chirridos de la nave, los gases del planeta alienígena, los gemidos de la criatura…) contribuían de manera indisoluble a crear una atmósfera asfixiante intensificada por la memorable banda sonora que Jerry Goldsmith compuso para la ocasión.

Alien. Una obra maestra en estado puro. Una película irrepetible, de las que no te vas a cansar de ver. ¿Qué me dices? ¿Que no la conoces? ¿Qué nunca la has visto? ¿Y a qué estás esperando? Deja de leer esto inmediatamente y corre a disfrutarla, pero, antes, recuerda que “en el espacio nadie puede oír tus gritos”.

Selección y reseña: Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Española y Literatura)

EL PEQUEÑO LADRÓN (ERIC ZONCA, 2002)

Tras La vida soñada de los ángeles, el director Érick Zonca sorprendía con una película directa, breve e intensa, que exponía los avatares de un chiquillo marginal en la “Europa de bien”. El pequeño ladrón tomaba el testigo del neorrealismo italiano y parecía querer hablar en la misma jerga que utilizara Luis Buñuel en Los olvidados para hablarnos de la realidad de un mal intrínseco a toda sociedad: la pobreza, el hambre y la necesidad.

El pequeño ladrón es una de esas películas que, cámara en mano, perpetra una ficción de carácter documental, capaz de abrir una ventana para que el espectador se asome a esos pozos que lo rodean y en los que quizás no haya reparado.

En apenas 70 minutos, Zonca nos contaba una historia terrible, de incómodo final (como no podía ser de otra manera) que ligaba al director a otros grandes nombres del cine actual ligados al realismo: los hermanos Dardenne, Luis Rosales o Lars Von Trier por citar algunos ejemplos.

Una pequeña obra maestra, filmada desde los parámetros del bajo presupuesto, que recuerda como el género picaresco sigue estando de moda, siendo un fenómeno universal, con la misma carga amargo dramatismo que lo caracteriza.

Selección y reseña: Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Española y Literatura)

TENET (Christopher Nolan, 2020)

Hoy te voy  a recomendar una película apasionante, que acaban de estrenar en salas comerciales y que esta dando mucho, muchísimo de lo que hablar: Tenet. Te habrás dado cuenta de que Tenet es una palabra reversible, que tiene el mismo sentido leída de derecha a izquierda que de izquierda a derecha, introduciendo de esta original manera, ya desde el título, la concepción del tiempo con la que Christopher Nolan (guionista y director de la película) juega, de nuevo, en esta nueva propuesta cinematográfica.

Una palabra original para una película muy especial dentro del habitual panorama cinematográfico, y es que Tenet es una propuesta muy diferente respecto del cine comercial de gran presupuesto, dado que, al igual que ya hiciera en Origen o en Interestellar, Christopher Nolan se atreve a facturar una película de autor con el empaque de una superproducción, un título cuya complejidad conceptual choca con la espectacularidad de sus imágenes, por lo que puede provocar un cataclismo en un gran público que quizás se siente en las salas a disfrutar de sus palomitas sin esperar la exigencia que, prácticamente desde el primer minuto de proyección, este original director impone al respetable.

No hay que engañarse, como te digo, Tenet es una película exigente, que le pide al espectador una atención máxima e incluso un cierto conocimiento acerca de aspectos relacionados con la física cuántica, la teoría de la relatividad, los viajes temporales, las dimensiones paralelas… Como si Alb