Ni el pormenor simbólico
de reemplazar un tres por un dos
ni esa metáfora baldía
que convoca un lapso que muere y otro que surge
ni el cumplimiento de un proceso astronómico
aturden y socavan
la altiplanicie de esta noche
y nos obligan a esperar
las doce irreparables campanadas.
La causa verdadera
es la sospecha general y borrosa
del enigma del Tiempo;
es el asombro ante el milagro
de que a despecho de infinitos azares,
de que a despecho de que somos
las gotas del río de Heráclito,
perdure algo en nosotros:
inmóvil,
[algo que no encontró lo que buscaba.]*

(Jorge Luis Borges)

El poema de esta semana (primero del 2026) está directamente relacionado con esa fecha de tránsito en la que todos nos reunimos alrededor de la televisión, con un plato de doce uvas (hay quienes también con prendas rojas, anillos dentro de las copas, o incluso debajo de las mesas) dispuestos a comerlas conforme las campanadas van marcando. Pero, como no podía ser de otra manera, el escritor argentino Jorge Luis Borges se aparta de la simpatía de los Estopa o de la provocativa frivolidad de la Pedroche, componiendo, como suele ser habitual en él, un poema no tan preocupado por la sonoridad y las rimas sino más bien por su metafísico contenido, que convoca a través de sus versos, en una danza de carácter existencial, tanto a Heráclito como al enigma de ese Tiempo (en mayúsculas) que se antoja un personaje de manriqueñas resonancias.

Un poema que no invita al brindis despreocupado y entusiasta, sino más bien a la reflexión estoica, puesto que el calendario cambia pero el mundo sigue siendo el mismo, como si esas doce repetitivas campanadas remitieran en realidad al eterno retorno que predicara Friedrich Nietzsche.

El yo poético borgiano no espera de nosotros transformaciones ni cambios radicales sino, en una línea típica de la poesía de nuestro fray Luis de León, que aceptemos con serenidad el devenir de la vida tal y como es: con sus hábitos y con sus límites. Un sereno brindis poético que celebra discretamente el placer de lo cotidiano.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

Memória, Rosalía (ft. Carminho)

“Obra maestra” o “el disco más impresionante que cualquier estrella pop haya hecho en décadas”, son algunas de las críticas que ha recibido el nuevo álbum de Rosalía, LUX.

En este disco, la cantante abandona el ritmo, las letras, es decir, los códigos de su anterior álbum Motomami, lo cual ella mismo afirmó en una entrevista: “LUX es un viaje lírico, experimental y orquestal, nada que ver con mi anterior álbum”.

Son numerosas las canciones que componen este nuevo disco, sin embargo, hoy nos centraremos en una canción diferente, puede que no sea tan comercial, como otras composiciones que podemos encontrar pero, para mí, es uno de los temas más profundos. Hablo del fado: Memória. 

La letra está principalmente en portugués, lo que refuerza la autenticidad del género al que apela, y en ella se despliegan preguntas que remiten a la identidad, al paso del tiempo y al deseo de ser recordado. Por ejemplo: “Ainda te lembras de mim? / Ainda sabes de onde eu vim?” (“¿Aún te acuerdas de mí? / ¿Aún sabes de dónde vine?”).

El texto de la canción gira en torno a la memoria, a lo que se pierde, a lo que somos cuando ya no nos quedan los recuerdos: “Cuando morir, no quiero olvidar lo que viví”, es uno de los versos que destaca en la letra de este fado.

Creo que es maravilloso que una artista internacional como Rosalía haya conseguido unir la modernidad con la tradición, en este caso, con el fado portugués, que habla de saudade, ausencia e identidad.

Jimena Ortega (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

JOAQUÍN SABINA, SE RETIRA UN “MAESTRO”.

CANCIÓN “CALLE MELANCOLÍA”.

Como quien viaja a lomos de una yegua sombría

por la ciudad camino no preguntes adónde,

busco acaso un encuentro que me ilumine el día

y no hallo más que puertas que niegan lo que esconden.

Las chimeneas vierten su vómito de humo

a un cielo cada vez más lejano y más alto

por las paredes ocres se desparrama el zumo

de una fruta de sangre crecida en el asfalto.

Ya el campo estará verde, debe ser primavera,

cruza por mi mirada un tren interminable,

el barrio donde habito no es ninguna pradera

desolado paisaje de antenas y de cables.

Vivo en el número siete, calle Melancolía,

quiero mudarme hace años al barrio de La Alegría,

pero siempre que lo intento ha salido ya el tranvía,

en la escalera me siento a silbar mi melodía.

Como quien viaja a bordo de un barco enloquecido

que viene de la noche y va a ninguna parte

así mis pies descienden en la cuesta del olvido

fatigados de tanto andar sin encontrarte.

Luego de vuelta a casa, enciendo un cigarrillo,

ordenó mis papeles, resuelvo un crucigrama,

me enfado con las sombras que pueblan los pasillos

y me abrazo a la ausencia que dejas en mi cama.

Trepo por tu recuerdo como una enredadera

que no encuentra ventanas donde agarrarse, soy

esa absurda epidemia que sufren las aceras,

si quieres encontrarme ya sabes dónde estoy.

Vivo en el número siete, calle Melancolía,

quiero mudarme hace años al barrio de La Alegría

pero siempre que lo intento ha salido ya el tranvía,

en la escalera me siento a silbar mi melodía.

Joaquín Sabina. Letra extraída del disco “Joaquín Sabina y Viceversa, en directo”. Ariola 1986.

 Resumir la vida de este poeta, cantautor, bohemio, no cabe en una breve reseña y, en el tiempo de las primeras evaluaciones invernales, me es imposible. Elegir una de sus canciones, es difícil. Unas son sátiras, ironías, de amores perdidos y encontrados, del tiempo que pasa, de humor…Yo me quedo con su poética melancólica.

 Ahora me siento en la escalera, y pienso en las primeras veces que escuché a Joaquín Sabina. Primera impresión: sus actuaciones en la única televisión del país, junto con Javier Krahe y el “hombre orquesta”, Alberto Pérez.  Nos iban presentando su repertorio en plena “Movida madrileña”, en  la sala La Mandrágora. Alguno de mis amigos consiguió el disco para, a los más pobretones, grabárnoslo en cinta de casete. ¿Quién era mejor? ¿Krahe y sus canciones de “Marieta la malvada”? ¿“La Hoguera” o los boleros versionados de Alberto Pérez, o Sabina, a veces ironía, u otras más poético?

 Sigo sentado en la escalera, no enciendo un cigarrillo porque nunca he fumado, y recuerdo la primavera de 1986, campaña  de la OTAN, la Plataforma Anti-OTAN da su mitín en Zaragoza: aparcamiento de La Romareda, habla el escritor Antonio Gala y otros políticos que no recuerdo. Cierra Joaquín Sabina, con un gran concierto, y gratis.

 Mismo año: Sabina resucita la canción protesta. Con Javier Krahe, canta. “Cuervo ingenuo”, crítica ácida contra la posición de los socialistas y el presidente Felipe González, por su cambio de postura sobre la permanencia en la Alianza Atlántica. Intentos de censura, que no prosperan. Joaquín Sabina enriquece su propuesta musical, añadiendo a sus giras una magnífica banda de rock: “Viceversa”. Disco doble, y gira por España.

 Fiestas del Pilar de 1986: plato fuerte, Joaquín Sabina y Viceversa en la Carpa de la Romareda. No está inventado Internet, las entradas se sacan en la taquilla, media hora antes, sin problema, a trescientas pesetas. Entonces a los gobiernos les daba por subvencionar los conciertos. A una generación nos acostumbraron así, mal o bien.

 Después de cuarenta años, Joaquín Sabina es un mito, digno de un premio Nobel de Literatura, como el que le concedieron a Bob Dylan. Hace unos días, dejó de actuar y, como los mejores, salió por la “puerta grande”.

 Gracias, don Joaquín Sabina, y gracias a todas las calles de la Melancolía, que por lo menos nos dan la esperanza de viajar a los barrios de las “Alegrías”.

Francisco Javier Murillo Esteban (Departamento de Geografía e Historia)

Durante estos días, en 1º de ESO, hemos estado comparando el mito de Apolo y Daphne con otros textos de la tradición literaria que abordan el tema del amor no correspondido. Evidentemente, han aparecido nombres de autores consagrados (no ha podido faltar Bécquer), aunque también ha habido propuestas más actuales (hemos disfrutado y analizado canciones de Shakira o Bad Bunny). Pero, para la ocasión, traigo a colación un excelso soneto de ese gran poeta que fue don Francisco de Quevedo y Villegas, donde el autor de Los sueños nos habla de la desesperación que suponen el amar en vano.

A fugitivas sombras doy abrazos,
en los sueños se cansa el alma mía;
paso luchando a solas noche y día,
con un trasgo que traigo entre mis brazos.

Cuando le quiero más ceñir con lazos,
y viendo mi sudor se me desvía,
vuelvo con nueva fuerza a mi porfía,
y temas con amor me hacen pedazos.

Voyme a vengar en una imagen vana,
que no se aparta de los ojos míos;
búrlame, y de burlarme corre ufana.

Empiézola a seguir, fáltanme bríos,
y como de alcanzarla tengo gana,
hago correr tras ella el llanto en ríos.

(Francisco de Quevedo)

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

“Salir corriendo”, Amaral

Nadie puede guardar toda el agua del mar

En un vaso de cristal

¿Cuántas gotas tienes que dejar caer

Hasta ver la marea crecer?

¿Cuántas veces te ha hecho sonreír?

Esta no es manera de vivir

¿Cuántas lágrimas puedes guardar

En tu vaso de cristal?

Si tienes miedo

Si estás sufriendo

Tienes que gritar y salir

Salir corriendo

¿Cuántos golpes dan las olas

A lo largo del día en las rocas?

¿Cuántos peces tienes que pescar

Para hacer un desierto del fondo del mar?

¿Cuántas veces te ha hecho callar?

¿Cuánto tiempo crees que aguantarás?

¿Cuántas lágrimas vas a guardar

En tu vaso de cristal?

Si tienes miedo

Si estás sufriendo

Tienes que gritar y salir

Salir corriendo

Si tienes miedo

Si estás sufriendo

Tienes que gritar y salir

Salir corriendo

Si tienes miedo

Si estás sufriendoTienes que gritar y salir

Salir corriendo

Aunque ya había publicado dos discos, Amaral (1998) y Una pequeña parte del mundo (2000), fue con su tercer álbum Estrella de mar (2002) cuando el grupo zaragozano Amaral consiguió notoriedad tanto nacional como internacional con temas míticos como “Sin ti no soy nada”.

“Te necesito” o “Toda la noche en la calle”, fueron nominados a los Grammy Latinos en la categoría de “Mejor álbum de pop”, el grupo ganó el MTV European Music Award, y “Sin ti no soy nada” se hizo con el premio Ondas a la mejor canción.

La canción que nos ocupa, “Salir corriendo”, es la sexta de este tercer álbum del grupo, y trata una situación de violencia dentro de una relación afectiva. La letra describe el miedo, la confusión y la necesidad de escapar que experimenta alguien que convive con este tipo de maltrato.

Es una canción que deja espacio a la letra y a la voz de Eva Amaral, que comienza de forma contenida y se intensifica progresivamente reflejando la tensión emocional que sugiere la historia. El mensaje hace que la canción siga tristemente vigente a día de hoy, como bien publicó el propio grupo el pasado martes 25 de noviembre, cuando compartía en sus redes sociales un vídeo de su gira “Dolce Vita” en el que tocaban este tema con el siguiente mensaje: “Este verano grabamos estas imágenes para “Salir Corriendo” con Ester Navarrete con el deseo de que su potencia traspasara la pantalla y llegara a todas aquellas que sufren violencia de género. Cantar esta canción, escrita hace 20 años, sigue doliendo como el primer día. Es insoportable. Esto tiene que para. Ni una más.”#25N”

Isabel Martínez Esteban (Departamento de Inglés)

Camila Sosa Villada. La novia de Sandro (poemario)

Este es el elogio a mi fealdad

a su mano callosa y su oscura axila.

Este es el elogio a mi cuerpo que deambula

para huir de la memoria.

Este es un canto a mi nariz rota, a mis manos

de enano, a la sombra nigromante de mi barba.

Este es un sacrificio a mis tetas adolescentes,

a mis pómulos de india mansa,

a mis labios secos.

A los colmillos gastados en la rabia, a mis uñas rotas,

a mi sexo siempre a oscuras.

Estas son las últimas palabras de una amante

desahuciada,

una conversación con algún dios al que le sobra

el tiempo.

Camila Sosa (La Falda, Córdoba, 28 de enero de 1982) se ha convertido en un auténtico bombazo en Argentina. Es más, sus obras han sido traducidas a más de veinte idiomas. Esta licenciada en Comunicación social y Teatro, actriz, decente cantante, no deja indiferente a nadie. 

Tuvo que esperar a estrenar su primer espectáculo hasta 2009: Carnes tolendas, retrato escénico de un travesti. Además de varios notables ensayos, es la autora de la reconocidísima novela Las malas (Tusquets, 2019). Esta obra genial y rompedora le valió los galardones internacionales Sor Juana Inés de la Cruz 2020, Finestres de Narrativa 2020 y el Grand Prix de l’Héroïne Madame Figaro 2021; narra crudamente, pero con complicidad, las andanzas de un grupo de travestis en un parque de provincias argentino.

También es responsable de Tesis sobre una domesticación (2024), de la que pronto prometen una versión cinematográfica en la que participan los actores Gael García Bernal y Diego Luna. No, no voy a hacer spoiler; incluso podéis disfrutar de un libro suyo de relatos: Soy una tonta por quererte (2022). Es altamente recomendable.

“La vida de las travas, de la gente que vive en la calle, está signada por el fascismo. Las instituciones son fascistas, Todos tenemos un enano fascista adentro y a ese enano hay que tratar de patearle el culo y sacárselo de adentro”.

El viaje inútil, una autobiografía desnuda y reveladora, quizá nos dé una idea sobre esta increíble mujer. Sus padres, decía, nunca le dieron cariño, pero le marcaron a fuego dos cosas: la pasión por la lectura y la escritura. Que una cantante de cantina de barriada vulgar, vendedora ambulante y prostituta ocasional, marcada por una infancia opresiva y desesperanzadora, haya podido alzar su voz, dice mucho de la capacidad del ser humano para negarse a la aniquilación.

A los 14 años, en una villa pequeña de Córdoba, Camila tuvo que sobrevivir a risas maliciosas, a escupitajos y pedradas. Su propio padre le advirtió: acabarás en una zanja… A los 18, decidió buscar su camino. Al principio tuvo que subsistir en la gran ciudad eventualmente con la prostitución, después consiguió audiciones –no todas bienintencionadas- hasta que pudo debutar en el teatro; pequeños papeles, pero tenía talento. Hoy en día, ya es una actriz reconocida y respetada en Argentina. No sería ella si no nos hubiera contado su periplo desde la ruina hasta la cima.

Nadie nace de la nada. En su juventud, había publicado un libro de poemas (La novia de Sandro, 2015), que a mi juicio es el más limpio, sincero y acertado. Por eso lo he elegido como Poesía de la semana. La fama, las alabanzas… quizás han debilitado la llama, pero confío en ver de nuevo en Camila esa poesía fresca que me llamó la atención.

Miguel Ángel Aragüés (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

LEAN A GAMONEDA.

POEMA: “SIENTO EL AGUA”

Siento el agua

Me he sentado esta tarde a la orilla del río

mucho tiempo, quizá mucho tiempo,

hasta que mis ojos fluían con agua

y mi piel era fresca como la piel del río.

Cuando llegó la noche, ya no veía el agua

pero la sentía descender en la sombra.

No escuchaba otro ruido que aquel ruido en la noche;

no sentía en mí más que el sonido del agua.

¡Tantos seres humanos, tan inmensa la tierra,

y este ruido en la noche ha bastado para llenar mi corazón!

Yo no sé si he traicionado a mis amigos:

el cántaro está lleno de un agua oscura y dulce,

pero el cántaro sufre-el rojo, viejo barro.

Alguien tiene piedad de este cántaro.

Alguien comprende el cántaro y el agua.

Alguien rompe su cántaro por amor.

En todo caso, yo no he cogido el agua

para bebérmela yo mismo.

ANTONIO GAMONEDA. DEL POEMARIO “BLUES CASTELLANO”-1961-66, 2004.

Extraído, de Antonio Gamoneda, “Antología poética”. Literatura. El libro de bolsillo, n.º 5092, 1º de. 2006.

Antonio Gamoneda Lobón, es afortunadamente uno de los decanos de la poesía hispana, con 94 años. Nace en Oviedo en 1931, pero vive desde pequeño en León. Es un “niño de la guerra”, y siempre quedará marcado por los horrores del conflicto civil y la posguerra. Aprende de forma autodidacta a leer, con el único libro de poesías modernistas que había publicado su padre.

Con poca formación académica, pues muy joven entra a trabajar en un banco, el mismo va adquiriendo una amplia cultura, que le lleva finalmente a convertirse en funcionario y dirigir los servicios culturales de la Diputación de León. Es separado por el franquismo de su puesto de trabajo, y en los sesenta y setenta, le censuran y prohíben varios poemarios.

El mismo Gamoneda confiesa no pertenecer a ninguna generación poética, aunque los manuales lo adscriben a la generación del 50. Mantiene contacto, con escritores como Valente, Claudio Rodríguez o el novelista Caballero Bonald.

En los años ochenta, sobre todo con el Premio Nacional de Poesía por su antología “Edad”, empieza a publicar con más asiduidad y a contar con más presencia en los círculos culturales. Se suma a la moda de ediciones de sus poemas con fotografías, y junto con los artistas Antoni Tapies y Juan Barloja, publica sendos poemarios. Con Barloja, sus poemas versan sobre las matanzas de la plaza de toros de Badajoz en el verano del 36. El título es significativo: Mortal 1936.

Su poesía refleja los sentimientos, el paso del tiempo, la infancia perdida, la guerra y la posguerra, la rabia y la ira, fragmentos de sensaciones… Él mismo confiesa que la “acción poética, ha sido su forma de resistir. En una de las últimas entrevistas, realizada por el periodista Antonio Lucas en el suplemento literario del periódico “El Mundo”, Gamoneda confirma que siempre le han preocupado las injusticias, y que al final de su vida, lo que más le preocupa es el mundo que le va a quedar a su nieta.

Antonio Gamoneda no es un intelectual que aparezca en los medios de comunicación, pero sus opiniones sobre la situación de la sociedad, de la política actual, me parecen muy sensatas y acertadas. Afortunadamente, su obra literaria ha sido reconocida y premiada. Recibe el Premio de las Letras de Castilla y León, el Reina Sofía de Poesía y en el 2006, el Premio Cervantes. En el discurso de este premio, que merece la pena leerlo, dice que, como Cervantes y San Juan de la Cruz, él viene de la “cultura de la pobreza”, con poca formación académica, y que su obra parte de la “inocencia” y del “no saber”.

Por favor, les sirva esta humilde reseña para leer a un magnífico poeta, sencillo, que produce diferentes sensaciones cuando se lee y se vuelve a leer el mismo poema. Pueden comenzar con la “Antología poética”, publicada en El Libro de Bolsillo, de Alianza Editorial.

Lean a Gamoneda, gracias.

Francisco Javier Murillo Esteban (Dpto. Geografía e Historia)

“Remember, remember the 5th of November”

Remember, remember, the 5th of November,

Gunpowder, treason and plot.

I see no reason

Why gunpowder treason

Should ever be forgot.

Guy Fawkes, Guy Fawkes,

‘twas his intent

To blow up the King and the Parliament

Three score barrels of powder below

Poor old England to overthrow

By God’s providence he was catch’d

With a dark lantern and burning match

Holler boys, holler boys, let the bells ring

Holler boys, holler boys

God save the King!

“Remember, remember the 5th of November, gunpowder treason and plot, I see no reason why the gunpowder treason should ever be forgot” es la frase con la que Natalie Portman empieza V de Vendetta, película de 2005 dirigida por James McTeigue. Esta frase no supone sino los primeros versos de una rima popular británica que conmemora la llamada “Conspiración de la pólvora” (Gunpowder Plot) que el personaje principal de dicha película pretende recrear (con distinto resultado).

La “Conspiración de la Pólvora” es uno de los acontecimientos más relevantes de la historia de Reino Unido en relación a la constante lucha de poder entre católicos y protestantes que tuvieron lugar tras la creación de la Iglesia Anglicana por parte de Enrique VIII en el siglo XVI. Este hecho en concreto es bastante posterior, y tendría que haber tenido lugar de haberse conseguido llevar a cabo el 5 de noviembre de 1605.

Por aquel entonces, el rey de Inglaterra era Jacobo I, rey protestante cuya política religiosa era bastante intolerante con los católicos. Por este motivo, un grupo de católicos liderados por Robert Catesby idearon un plan para volar las Casas del Parlamento Británico para así asesinar al rey y a la aristocracia protestante que ese día iba a presenciar la Apertura Estatal del Parlamento. Sin embargo, para evitar posibles víctimas y daños colaterales, uno de los conspiradores envió una carta anónima a un amigo suyo advirtiendo del peligro de acercarse a las Casas del Parlamento en la fecha indicada. Esta carta fue trasladada a las autoridades que, en un registro del edificio la víspera del día del crimen, encontraron al conspirador que ha pasado a la historia como la cara visible de la conspiración: Guy Fawkes. Guy Fawkes era el encargado de vigilar los barriles de pólvora que habían escondido en los sótanos del Parlamento, por eso fue el primer detenido y de los primeros que confesó tras días de tortura. El grupo de conspiradores fue arrestado y ejecutado meses después.

El 5 de noviembre comenzó a celebrarse en Inglaterra para conmemorar el intento fallido de regicidio, pero como todo, la celebración ha ido evolucionando con el tiempo. En Inglaterra es un día de fiesta en el que se recuerda el hecho histórico, pero también hay espectáculos de fuegos artificiales y se hacen hogueras donde se queman muñecos que representan a Guy Fawkes.

Pero la trascendencia de esta figura no queda ahí, la cara de Guy Fawkes pertenece ya a la cultura popular, gracias a la película antes mencionada, V de Vendetta, que es a su vez adaptación de una novela gráfica del mismo título escrita por Alan Moore e ilustrada por David Lloyd. Del mismo modo, la máscara que usa el personaje principal, tanto en la película como en la novela, es la que usa el colectivo de ciberactivistas y hackers Anonymous.

V de Vendetta no es la única manera de acercarse a este suceso histórico. Por ejemplo, recientemente, Kit Harington, conocido por interpretar a Jon Nieve en la serie Juego de Tronos, protagonizó una miniserie de la BBC titulada Gunpowder (2017) en la que interpretó a Robert Catesby. Así mismo, en la Torre de Londres tienen lugar de vez en cuando experiencias inmersivas en las que el público participa y se sumerge en los acontecimientos que tuvieron lugar esos primeros días de noviembre de 1605.

Isabel Martínez Esteban (Departamento de Inglés)

“EL VAMPIRO”, DE CHARLES BAUDELAIRE

En más de una ocasión, hemos prestado atención a la relación que existe entre el terror y la poesía. Algunos autores como Edgar Allan Poe, Howard Philips Lovecraft o, más recientemente, Alejandra Pizarnik, han desfilado por esta sección. Pues bien, hoy le toca el turno a uno de los grandes clásicos de la literatura francesa, convenientemente traducido (eso sí). Charles Baudelaire fue el autor de un texto renovador y fundamental, una de las piezas seminales del simbolismo, Las flores del mal (1857), de donde surge “El vampiro”, poema que os reproducimos a continuación para vuestro deleite y disfrute.

Tú, que cual un puñal viniste a mi alma dura,

Tú, que cual un tropel de demonios furiosos

Llegaste, enardecida, con tu voz de locura,

Y el aire perfumaste de llantos contagiosos;

Tú que entraste, cual luna en la guarida impura

De un brujo, a iluminar con tus ojos piadosos,

Y que con un soplido apagaste, con premura,

El fuego de mi suerte y mis sueños hermosos;

Tú que, cual grave herida, te abriste en mi costado,

Tú que, cual vino ácido, te has vertido en mi ser,

Y has sembrado el desastre en mi noche y mi día;

¡Maldita seas! ¡Te amo! ¡Oh, fiera desdichada!

¡Tanto como la noche al lúgubre relámpago,

Tanto como el abismo ama el mar tempestuoso!

Evidentemente, no es un poema donde el vampirismo se trate desde la perspectiva propia leyendas o novelas como Carmilla o Drácula, sino que Baudelaire lo contempla desde el punto de vista del amor destructivo. La elegante estética del gran poeta francés combina a la perfección los elementos eróticos y los elementos terroríficos, transformando el amor en una fuerza que, tal que el vampirismo, absorbe la fuerza vital del individuo.

  El poeta hace uso de una retórica agitada, cargada de expresividad, donde destaca el uso de las exclamaciones y de una iconografía propia de las sombras del Romanticismo. La presencia de la luna, de la noche, del relámpago y, por supuesto, del mar tempestuoso, evocan los recovecos propios de la literatura gótica, al igual que esos “demonios furiosos”, esa “voz de locura” o ese “brujo” que pertenecen por mérito propio al ámbito de lo extraño, a la caverna poética donde habita ese vampiro que da título y esotérico sentido a una estética lírica tan siniestra como conmovedora.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

PABLO  GUERRERO, POETA Y CANTAUTOR EXTREMEÑO.

CANCIÓN “A CÁNTAROS”-  1968.

Tú y yo, muchacho, estamos hechos de nubes

Pero ¿quién nos ata?

Pero ¿quién nos ata?

Dame la mano y vamos a sentarnos

Bajo cualquier estatua

Bajo cualquier estatua

Que es tiempo de vivir, y de soñar y de creeer.

Tiene que llover

Tiene que llover

Tiene que llover

Tiene que llover a cántaros

Tiene que llover

Tiene que llover

Tiene que llover

Tiene que llover a cántaros

Estamos amasados con libertad, muchacho

Pero ¿quién nos ata?

Pero ¿quíen nos ata?

Ten tu barro dispuesto, elegido tu sitio

Prepara tu marcha

Prepara tu marcha

Hay que doler de la vida hasta creer

Tiene que llover

Tiene que llover

Tiene que llover

Tiene que llover a cántaros

Tiene que llover

Tiene que llover

Tiene que llover

Tiene que llover a cántaros

Ellos seguirán dormidos

En sus cuentas corrientes de seguridad

Planearán vender la vida y la muerte y la paz.

¿Le pongo diez metros en cómodos plazos de felicidad?

Pero tú y yo sabemos que hay señales que anuncian

Que la siesta se acaba

Que la siesta se acaba

Y que una lluvia fuerte, sin bioenzimas, claro

Limpiará nuestra casa

Limpiará nuestra casa

Hay que doler de la vida hasta creer

Tiene que llover

Tiene que llover

Tiene que llover

Tiene que llover a cántaros

Tiene que llover

Tiene que llover

Tiene que llover

Tiene que llover a cántaros.

   Extraído de mi cinta de casete original “Pablo Guerrero en el Olympia” 1970.

 A finales del pasado mes de septiembre, nos dejó uno de los referentes de la canción protesta española, el extremeño Pablo Guerrero. La canción que reseñamos, quizás sea la más conocida y una de las primeras que compuso. Es injusto, y en este caso todavía más, recordar a un músico y escritor, que a lo largo de su vida público diecinueve discos y casi otros tantos libros de poesía, por una única canción.

 El teatro Olympia, en París, se convirtió en un referente para los cantautores españoles, a finales de los años sesenta, cuando muchas de sus canciones estaban prohibidas o recortadas por la censura de la dictadura. Los cantantes Paco Ibáñez, Luis Llach, y el mismo Pablo Guerrero realizaron discos en directo, donde aparecían los aplausos y las voces  del público entre canción y canción. Conseguí la cinta original de segunda mano en el mítico Rastro de Zaragoza, que en los ochenta se instalaba en la Plaza de Toros de Zaragoza. Ese fue mi primer contacto con este cantautor, y me aprendí casi todas de memoria: Extremadura, Pepe Domínguez el de la barba en flor, El ermitaño, A cántaros…

 La segunda vez, gratis y en directo. Curso 1988-1989, José Antonio Labordeta, en la Universidad de Zaragoza, organiza un ciclo de cantautores. Todos los jueves, van pasando casi todos los míticos: Hilario Camacho, Paco Ibáñez, Javier Krahe…, en el Aula Magna de la Facultad de Ciencias, hasta completar el aforo. Pablo Guerrero, con su voz y guitarra, fue otro de los invitados del ciclo.

 Pablo Guerrero, nace en 1946, en un pueblo de Badajoz, Esparragosa de Lares.Cursa los estudios de Magisterio y Filosofía y Letras. Ya en 1968, se presenta al festival de la Canción de Benidorm, y gana el premio a la mejor letra, por  “Amapolas y espigas”. Durante su dilatada carrera recibirá numerosos premios  y reconocimientos, como la Medalla de Extremadura, La Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes, y un Goya, en 2001, por la mejor canción, junto a Luz Casal,  por la película El bosque animado, de José Luis Cuerda.

 Sería injusto recordar a Pablo Guerrero por una única canción, cuando, en su larga carrera, es un músico y poeta que va incorporando nuevos elementos e influencias. Él mismo reconocía, que sus dos grandes maestros en la poesía y en la música fueron García Lorca y Cohen, respectivamente. Sin embargo, sus discos van combinando nuevas propuestas musicales e instrumentales. Si en los primeros discos está claro que sus referentes son Serrat, Luis Llach, Bob Dylan, y la canción protesta en general, no se aparta de la música de Lou Red, los Beatles…, y por supuesto del folklore extremeño.

 En 1976, en su disco Porque amamos el fuego, incorpora el sonido del jazz, y pone música a poemas de Alberti y José Ángel Valente. En los discos siguientes incorporará elementos del flamenco, y en la década de los 90, su influencia le llega de la New Age y la música experiemntal. Se siente influenciado por Sting, Peter Gabriel, Suzanne Vega.., la poesía mística española y las filosofías orientales. Todo se puede apreciar en sus libros de poemas y en sus discos. Con la moda del “disco-libro”, edita Los dioses hablan por boca de los vecinos, donde recita sus propias composiciones, con música de fondo del grupos Finis Africae.

 Por su labor de recuperación de las tradiciones extremañas, su obra poética y su trabajo en la búsqueda de nuevas músicas, quince compañeros cantantes versionan composiciones suyas en un disco homenaje: Hechos de nubes, en 2007. Lo tributan entre otros, Labordeta, Cabra Mecánica, Serrat, Luz Casal, Luis Pastor…

 Sigue publicando libros de poemas, y nuevos discos donde combina nuevos temas e innovaciones musicales, casi hasta el último año antes de fallecer.

 Sirva aquí mi homenaje a este gran músico, poeta y cantautor español.

Fco. Javier Murillo Esteban (Departamento de Geografía e Historia)

Escalones – Hermann Hesse

Así como toda flor se enmustia y toda juventud cede a la edad,
así también florecen sucesivos los peldaños de la vida;
a su tiempo surge toda sabiduría, toda virtud,
mas no les es dado durar eternamente.
Es menester que el corazón, en cada llamado,
esté pronto al adiós y a comenzar de nuevo,
esté dispuesto a darse, animado y sin pudores,
a nuevos y distintos desafíos.
En el fondo de cada comienzo hay un hechizo
que nos protege y nos ayuda a vivir.
Debemos ir serenos y alegres por la Tierra,
atravesar espacio tras espacio
sin aferrarnos a ninguno, cual si fuera una patria;
el espíritu universal no quiere encadenarnos:
quiere que nos elevemos, que nos ensanchemos
escalón tras escalón. Apenas hemos ganado intimidad
en un morada y en un ambiente, ya todo empieza a languidecer:
sólo quien está pronto a partir y peregrinar
podrá eludir la parálisis que causa la costumbre.
Aun la hora de la muerte acaso nos coloque
frente a nuevos espacios que debamos andar:
las llamadas de la vida no acabarán jamás para nosotros…
¡Ea, pues, corazón, arriba! ¡Despídete, estás curado!

Hermann Hesse es uno de esos autores a los que prácticamente todo el mundo ha leído (aunque sea de manera obligada, bien el el instituto bien en la universidad). De hecho, así fue como lo descubrí yo, gracias a mi profesor de filosofía de 1º de Filología, don Jorge Ayala, con el que analizamos Demian (uno de sus grandes clásicos).

Desde entonces, El lobo estepario, El juego de los abalorios o Siddharta han sido otras de esas lecturas (que a todos nos suenan) que hicieron de Hesse uno de mis autores favoritos.

Así las cosas, hoy tengo a bien tratar brevemente de un aspecto menos conocido de este gran cultivador de la novela: la poesía (aprovechando una propuesta que mi amigo Javier Bernal hizo para el programa de “Poesía para llevar”, al que nuestro instituto pertenece y que comenzará en breve). Al igual que ocurre en su narrativa, Hesse no gusta de lo superficial, utiliza la literatura como método de reflexión. Por ello, su tendencia a la narrativa filosófica resulta perfectamente trasladable al campo de la poesía, tal y como es el caso del poema que nos ocupa, a través de cuyos versos Hesse lleva a cabo una reflexión acerca de la vida como acción, como posibilidad de experimentación constante que nos haga crecer, ascendiendo paso a paso por esos escalones que nos van elevando.

Esta tendencia de Hesse (premio Nobel de Literatura, por cierto), quien vio la luz entre 1877 y 1962, fue habitual en la literatura de la época (muy influida, sobre todo, por las corrientes existencialista). De hecho, los versos del poema elegido, Escalones, son fácilmente relacionables con dos de los autores más populares de nuestra Generación del 98: los esenciales Baroja y Unamuno. Sobre todo el segundo de ellos, don Miguel, también cultivó tanto la novela filosófica como la poesía, y coincidió con Hesse en su tendencia al cultivo de diversas disciplinas (además de novelista y poeta, Herman Hesse se dedicó también a la pintura, mientras que Miguel de Unamuno optó por el teatro).  

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

Quiero comerme libros como Unamuno

Quiero comer los libros, uno a uno,
cual fueran encerados de jalea.
Quiero mi nuevo ser así los vea,
siguiendo directrices de Unamuno.
Quiero las letras tintas color bruno
se vuelvan rojo vivo en viva tea.
Con sangre iluminada yo los vea.
Viva su majestad. No sienta ayuno

Quiero comer los libros. Digerirlos.
Volver lo negro blanco –al descubierto-.
Hallar letra cursiva de lo oculto.

Quiero comer los libros. Dirigirlos
a un fuego hecho con sangre en campo abierto.
Como Unamuno hizo, siempre culto.

Pocos esperarían que un aguerrido centrocampista del Athletic de Bilbao, curtido en los campos embarrados de la posguerra, se dedicara en los minutos del los descansos a componer poemas. No parece el mejor ambiente para la expresión lírica, y quizás por eso en su escritorio guarda todavía cuentos, poemas, un par de novelas de juventud y hasta un guion cinematográfico que no han visto la luz. Siempre le contuvo la sensación de que sus compañeros y su familia le tomaran por “un bicho raro”.

Todo comenzó con un viaje a Madrid cuando, picado por el gusanillo, decidió entrar en los círculos del mundillo literario. La dueña de la pensión donde se alojaba regaló a Fede un libro de poemas de Antonio Machado, y esto le abrió los ojos a un mundo desconocido: 

El martirio de mi alma púber-adolescente me concedió el derecho de hurgar la verdad en mi propio ser y en la sociedad mentira que había creado y alimentado ese dolor.
Lo hice en un diario poético informal, que comencé a escribir a los diecisiete años recién cumplidos, con pluma de uña y tinta de sangre y que, a lo largo de mi vida, no he dejado de escribir…

DAR A LUZ
Me he ido
pariendo,
paso a paso,
duda a duda,
silencio a silencio,
sangre a sangre,
en el alma útero,
rompiendo
tinieblas…
hasta «dar a luz»
un propio
alumbramiento…

(Federico Bilbao, ¡Reniego!)

Siempre dijo que “para escribir poesía hay que saber esperar”, y quizás por esto, casi al borde de la jubilación,  desde 1996 (Sonetos de geografía cercana) ha publicado más de una docena de poemarios, y ha sido galardonado con el IV premio Elías Amézaga, entre otros muchos.

Federico Bilbao Solozábal (Getxo, 1935), conocido en el ambiente futbolístico como Fede Bilbao, fue uno de los componentes más talentosos de ese fenomenal Athletic que obtuvo el título de Liga en la temporada 1955-1956. También cosechó tres Copas del Rey (entonces del Generalísimo), antes de que una grave lesión lo retirara de los campos a los 25 años. Llevaba en el primer equipo desde los 18, rechazando jugosas ofertas del Real Madrid y el Barcelona, solo por el placer de jugar junto a sus ídolos: Arteche, Zarra, Gaínza, Carmelo, Mauri, Maguregui, Beitia…

Tras su forzada retirada de la vida deportiva por una doble rotura de tibia y peroné, comenzó a trabajar primero como administrador de fincas y luego en su amado puerto de Bilbao. Por ello, muchos de sus poemas recrean la Ría y el ambiente portuario. De su decena larga de poemarios, son destacables ¡Reniego!,  Una piedra en el círculo y Otoñales rosas del amor. Aquí te tejo unos versos:

Tengo un ramillete de amigas
en una edad sin edad
de lúcida y serena madurez:
Que Dios las conserve
con toda su frescura,
pues son, en un jardín del invierno:
«Otoñales rosas del amor».

Miguel Ángel Aragüés (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

Mihai Eminescu, considerado el poeta nacional de Rumanía, nació el 15 de enero de 1850 en Ipotești, Moldavia. Su vida coincidió con un período de transformación política y cultural en Europa, marcado por el surgimiento del Romanticismo y las luchas por la independencia nacional. Aunque murió joven, a los 39 años, su legado literario perdura como uno de los más influyentes en la literatura rumana.

Entre sus poemas más celebrados se encuentran:

• «Luceafărul« (El Lucero): Un poema filosófico y místico que explora temas como el amor eterno y la naturaleza del universo.

• «Scrisoarea III» (Carta III): Una reflexión melancólica sobre el tiempo y la fugacidad de la vida.

• «Doina«: Una pieza lírica que evoca el folclore rumano, combinando emociones profundas con imágenes rurales.

Eminescu fusionó el romanticismo con elementos del folclore rumano y la filosofía oriental. Su escritura se caracteriza por:

• Un lenguaje rico en simbolismo.

• Referencias a la mitología y la naturaleza.

• Una mezcla de melancolía y espiritualidad.

Como datos curiosos merecen mención que fue políglota: dominaba el alemán, el francés y el latín, además del rumano. Trabajó como periodista y bibliotecario, lo que influyó en su visión cultural. Y que, a pesar de su fama póstuma, vivió en condiciones modestas y enfrentó problemas de salud mental.

Respecto a su legado, Eminescu sigue siendo un símbolo de identidad cultural en Rumania. Su obra ha inspirado generaciones de escritores y su imagen aparece en los billetes de 500 lei rumanos. Cada 15 de enero, se celebra el «Día de la Cultura Nacional» en su honor.

Amada, cada vez que yo pienso en nosotros,
un océano de hielo aparece ante mí:
sobre la blanca bóveda no hay ya ninguna estrella,
la luna es una mancha amarilla a lo lejos.
Sobre miles de témpanos que las olas se llevan,
un pájaro planea, las alas fatigadas,
mientras su compañera ha seguido adelante,
unida a la bandada que se pierde al poniente.
Hacia donde ella vuela mira desesperado.
Ya no siente ni pena ni alegría. ..Se muere,
soñando en un instante todo el tiempo pasado.
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .
Más lejos uno de otro cada vez nos sentimos,
cada vez me hundo más en la sombra y el hielo,
mientras desapareces en la eterna mañana.

Este poema, impregnado de melancolía y simbolismo, retrata con gran sensibilidad el proceso de distanciamiento emocional entre dos amantes. Eminescu, conocido por su tono elegíaco y su conexión con la naturaleza como espejo del alma, construye aquí una poderosa metáfora del amor perdido a través de un paisaje ártico y desolado.

El tema central es la separación emocional que se siente como un abismo creciente entre los amantes. A medida que «ella» se aleja hacia «la eterna mañana», el hablante lírico queda atrapado en un océano de hielo —una imagen que representa no solo el frío físico, sino la soledad interior, el estancamiento emocional y la muerte del vínculo afectivo.

En el poema, Eminescu utiliza imágenes naturales y extremas para transmitir estados anímicos. El océano de hielo: simboliza la incomunicación, la frialdad de una relación que se ha congelado; la luna como mancha amarilla y la ausencia de estrellas: representan la pérdida de guía, la desorientación y la tristeza abrumadora; el pájaro solitario: figura conmovedora del yo poético, agotado, abandonado por su compañera, pero aún con la mirada fija en su vuelo lejano, por su parte la eterna mañana es una metáfora ambigua; podría ser una promesa de renacimiento o, para quien queda atrás, una condena a la soledad perpetua.

El tono del poema es sombrío, introspectivo, y el estilo se caracteriza por su lirismo contenido, imágenes poderosas y un ritmo pausado que acompaña el sentimiento de resignación. La estructura libre, sin rima aparente, refuerza la idea de un pensamiento que fluye como una meditación o un lamento.

El poema puede interpretarse como una elegía del amor que se enfría con el tiempo. El hablante, paralizado por el recuerdo y la pérdida, contrasta con la figura de la amada que se proyecta hacia un futuro luminoso y distante. Así, el poema no solo narra una ruptura, sino que explora el abismo que se abre cuando dos seres que se amaron ya no comparten el mismo tiempo ni el mismo espacio interior.

En mi humilde opinión, un poema precioso que a todos nos puede llevar a un triste recuerdo de lo que se sintió por alguien y poco a poco se fue apagando.

Marimar Castro (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

LUIS PIMENTEL (LUGO- 1895-1958). OUTONO-OTOÑO.

Outono                                                          OTOÑO

Outono, alto aoutono :                              Otoño. Alto otoño:

Destilado licor.                                            Destilado licor.

Ela espida, limpia,                                       Ella desnuda, limpia,

Nun suntuoso cadro,                                 en un suntuosocuadro,

  (luminoso marfil).                                           (luminoso marfil).

Quixiera ser ámbar                                   Quisiera serámbar

          a folla.                                                        la hoja.

Si batises o río,                                           Si batieses  elrío,

      sonaría a puro ouro.                                sonaría a purooro.

Outono, alto outono.                               Otoño, alto otoño.

Nada vibra                                                  Nada vibra

   nin se derruba;                                           ni se derrumba;

nada hai hostil na terra.                           Nada hay hostile n la tierra.

Almíbar transparente.                              Almíbartransparente.

Sereo, terso ceo.                                       Sereno, tersocielo.

Non percuréis agora                                 No busquésiahora

     o misterio                                                     el misterio.

       Luis Pimentel- 1950.

Luis Pimentel  (Lugo 1895-1958).

 Luis Pimentel médico y poeta en castellano y gallego.  Como muchos, un buen escritor olvidado y poco leído, que se debe recuperar. Nace y muere en Lugo, donde permanece toda su vida. Estudia la carrera de Medicina en la universidad de Santiago de Compostela, y realiza una estancia en la famosa residencia de Estudiantes de Madrid, donde entra en contacto con los intelectuales de la Generación del 27, y con los nuevos  movimientos de vanguardia poética.

Sus poemas son sencillos, intimistas,  e influidos por el vanguardismo: sobre todo el simbolismo y la composición del verso libre.

Alejado de los círculos culturales de Madrid, pasa toda su vida en su ciudad natal. Publica un solo libro en vida, “Triscos”, en gallego,  en 1950. El resto de su obra, no muy extensa, aparece en revistas de poesía, y en dos libros póstumos: “Sombra do aire na herba”, en gallego, y “Barco sin luces”, que recoge su producción es castellano. 

Las atrocidades de la Guerra civil Española, marcan un giro hacia el existencialismo, en consonancia con el pensamiento europeo de los años cuarenta y cincuenta. Los últimos poemas reflejan el lado sentimental de su profesión médica.

Queremos, con esta breve reseña, animar a los lectores de esta página a leer y considerer a un gran poeta, hoy desconocido y olvidado.  

Francisco Javier Murillo Esteban (Departamento de Geografía e Historia)

La gramola se pone en marcha esta semana con un tema fresquito y veraniego de un grupo de música independiente llamado “Los Aslándticos”. Desde Córdoba, este grupo de amigos que fusionan todo tipo de géneros y han realizado colaboraciones con La Mari de Chambao, entre otras, dando como resultado una música positiva y vitalista que os animo a escuchar. Un ‘chute’ de energía directamente desde el Sur Peninsular.

LOS ASLANDTICOS (“Infinito”)

Pongamos que vuelvo a nacer

Y alguien me pregunta ¿Yo quién quiero ser?

Si quiero reencarnarme en un ave y volar a placer

O vivir en los mares con forma de pez

Si quiero nacer en Australia, medir 1’80

O tener una mente empresaria

Yo tengo muy claro que voy a decir

Yo quiero quedarme así

Si me dieran a elegir, elegiría repetir

Yo no me canso de vivir así

Y si me dieran a elegir, elegiría repetir

Yo volvería a ser así, infinito

Y puestos ya, suponer, suponte que me dejan de nuevo escoger

Si quiero conocer a otra gente, cambiar de papel

Para no equivocarme con tal de aprender

Si quiero que suene la flauta y todo sea fácil

Pero no tenga gracia, mira

Yo tengo muy claro que voy a decir

Prefiero quedarme así

Si me dieran a elegir, elegiría repetir

Yo no me canso de vivir así

Y si me dieran a elegir, elegiría repetir

Yo volvería a ser así, Infinito

Si me dieran a elegir, elegiría repetir

Volvería a ser así, infinito.

Laura Pedret (Departamento de Geografía e Historia)

«Peces de ciudad« (Joaquín Sabina)

Se peinaba a lo garçon

la viajera que quiso enseñarme a besar

en la gare d’Austerlitz.

Primavera de un amor

amarillo y frugal como el sol

del veranillo de San Martín.

Hay quien dice que fui yo

el primero en olvidar

cuando en un si bemol de Jacques brel

conocí a mademoiselle Amsterdam.

En la fatua Nueva York

da más sombra que los limoneros

la estatua de la libertad,

pero en desolation row

las sirenas de los petroleros

no dejan reír ni volar

Y, en el coro de babel,

desafina un español.

no hay más ley que la ley del tesoro

en las minas del rey salomón.

Y desafiando el oleaje

sin timón ni timonel,

por mis sueños va, ligero de equipaje,

sobre un cascarón de nuez,

mi corazón de viaje,

luciendo los tatuajes

de un pasado bucanero,

de un velero al abordaje,

de un no te quiero querer.

Y cómo huir

cuando no quedan

islas para naufragar

al país

donde los sabios se retiran

del agravio de buscar

labios que sacan de quicio,

mentiras que ganan juicios

tan sumarios que envilecen

el cristal de los acuarios

de los peces de ciudad

Que mordieron el anzuelo,

que bucean a ras del suelo,

que no merecen nadar.

El dorado era un champú,

la virtud unos brazos en cruz,

el pecado una página web.

En comala comprendí

que al lugar donde has sido feliz

no debieras tratar de volver.

Cuando en vuelo regular

pisé el cielo de Madrid

me esperaba una recién casada

que no se acordaba de mí.

Y desafiando el oleaje

sin timón ni timonel,

por mis venas va, ligero de equipaje,

sobre un cascarón de nuez,

mi corazón de viaje,

luciendo los tatuajes

de un pasado bucanero,

de un velero al abordaje,

de un liguero de mujer.

y cómo huir

cuando no quedan

islas para naufragar

al país

donde los sabios se retiran

del agravio de buscar

labios que sacan de quicio,

mentiras que ganan juicios

tan sumarios que envilecen

el cristal de los acuarios

de los peces de ciudad

Que perdieron las agallas

en un banco de morralla,

en una playa sin mar.

En 2002 el cantautor ubetense Joaquín Sabina publica su álbum «Dímelo en la calle» en el que se incluye un tema «Peces de ciudad» que es una de las canciones más representativas de Joaquín Sabina.

El autor se encontraba en Lima cuando escribió este tema, junto con su amigo Pancho Varona que compuso la melodía inspirado en la canción «To Ramona» de Bob Dylan. Solo faltaba contar algo, y Joaquín Sabina puso las rimas.

Hay que decir que no nos era desconocida, pues ya la habíamos escuchado en la voz de Ana Belén, que en 2001 publicaba el disco «Peces de ciudad» con la canción que su amigo le había regalado.

«Peces de ciudad» es una canción muy poética. En sus versos hace referencias a lugares y personajes, estaciones de trenes, amores que dejaron huella, personas que se cruzaron en su camino. Habla de amores intensos y efímeros, de recuerdos y olvidos. La letra juega con la ambigüedad y la crítica social, pero también tiene un toque de nostalgia y resignación.

Es una metáfora de la vida en las grandes ciudades como París, Nueva York, El Dorado o Madrid, donde las personas se sienten atrapadas, como peces nadando sin rumbo fijo en un agua que no conocen, inmersas en una corriente que no pueden controlar y de la cual no pueden escapar, perdiendo su esencia y volviéndose mundanas.

Alicia López (Departamento de Biología y Geología)

“Marta, Sebas, Guille y los demás”, Amaral

Marta me llamó a las seis, hora española

Solo para hablar, solo se sentía sola

Porque Sebas se marchó de vuelta a Buenos Aires

El dinero se acabó, ya no hay sitio para nadie

¿Dónde empieza y dónde acabará

El destino que nos une y que nos separará?

Yo estoy sola en el hotel, estoy viendo amanecer

Santiago de Chile se despierta entre montañas

Aguirre toca la guitarra en la 304

Un gato rebelde que anda medio enamora’o

De la señorita rock’n’roll

Aunque no lo ha confesado

Eso lo sé yo

Son mis amigos

En la calle, pasábamos las horas

Son mis amigos

Por encima de todas las cosas

Carlos me contó que a su hermana Isabel

La echaron del trabajo sin saber porqué

No le dieron ni las gracias porque estaba sin contrato

Aquella misma tarde fuimos a celebrarlo

Ya no tendrás que soportar

Al imbécil de tu jefe

Ni un minuto más

Son mis amigos

En la calle, pasábamos las horas

Son mis amigos

Por encima de todas las cosas

Son mis amigos

Alicia fue a vivir a Barcelona

Y hoy ha venido a mi memoria

Claudia tuvo un hijo

Y de Guille y los demás, ya no sé nada

Son mis amigos

En la calle, pasábamos las horasSon mis amigos

Por encima de todas las cosas

Son mis amigos

En la calle, pasábamos las horas

Son mis amigos

Por encima de todas las cosas

Son mis amigos

“Son mis amigoooooos, en la calle pasábamos las horaaaaaas”

… ¿Quién no ha coreado el estribillo de esta mítica canción de Amaral alguna vez? Es un imprescindible de cualquier fiesta de barrio, ciudad o pueblo, así como de cualquier DJ de boda que se precie. Es la típica canción que, cuando suena, hace que busques a tus amigos con la mirada y te juntes con ellos a cantarla a voz en grito mientras os cogéis por los hombros.

“Marta, Sebas, Guille y los demás” habla de la amistad a lo largo del tiempo. De cómo los caminos de un grupo de amigos se van separando y tomando rumbos diferentes. Es ley de vida, esto nos pasa a todos en mayor o menor medida al terminar el instituto o la carrera, cada cual sigue su camino. A algunos los sigues viendo los fines de semana, a otros una vez al año cuando hacéis una cena en Navidad, y a otros ya nos los vuelves a ver. Sin embargo, la magia ocurre en esos momentos de reencuentro: todo y nada ha cambiado, la conversación fluye como si nada y parece que os visteis ayer.

Los amigos de los que habla esta canción son los de Eva Amaral y Juan Aguirre, los componentes de Amaral, grupo de pop rock procedente de Zaragoza con múltiples reconocimientos tanto nacionales como internacionales. Actualmente se encuentran en plena gira promocional de su último disco, Dolce Vita, y este fin de semana deleitarán a la ciudad con sendos conciertos el viernes 16 y el sábado 17 en el Pabellón Príncipe Felipe.

Ver en directo a Eva y a Juan es siempre espectacular, pero verlos actuar en Zaragoza es más especial y emotivo por el cariño mutuo entre ellos y el público lleno de familiares y amigos. Amigos que seguro esperan cantar todos juntos este fin de semana eso de “son mis amigoooooos…”

Isabel Martínez Esteban (Departamento de Inglés)

SI ERES UNA MUJER FUERTE 

Si eres una mujer fuerte 

protégete de las alimañas 

que querrán almorzar tu corazón.

 Ellas usan todos los disfraces de los carnavales de la tierra: 

se visten como culpas, como oportunidades, 

como precios que hay que pagar. 

Te hurgan el alma;

meten el barreno de sus miradas 

o sus llantos hasta lo más profundo del magma de tu esencia, 

no para alumbrarse con tu fuego 

sino para apagar la pasión la erudición de tus fantasías.

Si eres una mujer fuerte 

tienes que saber

 que el aire que te nutre acarrea también parásitos, 

moscardones, menudos insectos que buscarán alojarse en tu sangre y nutrirse de cuanto es sólido y grande en ti.

 No pierdas la compasión, 

pero témele a cuanto conduzca a negarte la palabra, 

a esconder quién eres, lo que te obligue a ablandarte

 y te prometa un reino terrestre a cambio de la sonrisa complaciente.

Si eres una mujer fuerte 

prepárate para la batalla: aprende a estar sola, 

a dormir en la más absoluta oscuridad sin miedo,

 a que nadie te tire sogas cuando ruja la tormenta, 

a nadar contra corriente. 

Entrénate en los oficios de la reflexión y el intelecto 

Es menester que cultives enormes amistades,

 que quienes te rodean y quieran sepan lo que eres, 

que te hagas un círculo de hogueras 

y enciendas en el centro de tu habitación una estufa siempre ardiente 

donde se mantenga el hervor de tus sueños. 

Si eres una mujer fuerte 

protégete con palabras y árboles 

e invoca la memoria de mujeres antiguas. 

Haz de saber que eres un campo magnético 

hacia el que viajarán aullando los clavos herrumbados 

y el óxido mortal de todos los naufragios. 

Ampara, pero ampárate primero. Guarda las distancias.

Constrúyete. Cuídate. Atesora tu poder.

Defiéndelo. Hazlo por ti. 

Te lo pido en nombre de todas nosotras. 

(Gioconda Belli)

Gioconda Belli (Managua, 1948) es una poeta, novelista y activista nicaragüense. Su obra literaria se caracteriza por su compromiso político y por rescatar y ahondar en el universo femenino, reivindicando el papel de las mujeres en la sociedad y en la construcción de la cultura. En 1972, con su primer libro, Sobre la grama, revoluciona la poesía centroamericana al abordar sin tapujos el cuerpo y la sexualidad femenina. Su activismo le llevó a militar en el Frente Sandinista de Liberación Nacional (FSLN), y a ocupar durante un tiempo (1979 a 1994) cargos de responsabilidad una vez los sandinistas derrocaron a Somoza. El país de las mujeres (2010) habla de un país gobernado por mujeres. En octubre de 2020, su poemario El pez rojo que nada en el pecho ganó el XXX Premio de Poesía Jaime Gil de Biedma.

Tenemos que recordar que no somos perfectos, pero eso no nos hace menos válidos. Somos valiosos por el mismo hecho de existir. Si tuvieramos que apostar por algo en esta vida, debería ser por nosotros mismos.

Miriam Martínez (Departamento de Física y Química)

Ya no soy más que yo

para siempre y tú

ya

no serás para mí

más que tú. Ya no estás

en un día futuro

no sabré dónde vives

con quién

ni si te acuerdas.

(Idea Vilariño)

La Generación del 98 y la Generación del 27 son los dos grandes grupos de artistas, fundamentalmente literarios, de nuestro país. Pero el concepto de Generación afecta a otros países y épocas, tal y como es el caso de Uruguay, de donde procede la voz de Idea Vilariño, escritora que junto a Mario Benedetti, Ángel Rama o Juan Carlos Onetti conformaron la Generación del 45.

Y es precisamente al propio Onetti, quien fuera amante de la mentada Vilariño, a quien ella dedicó el poema que hoy hemos elegido, como muestra de que precisión y hondura no están reñidas y que, como suele siempre ocurrir en los grandes poemas, con muy pocas palabras puede mucho decirse.

Y sí, como suele también ser propio de los grandes poemas, es éste de amor, y al mismo tiempo de desamor (el asunto, obviamente, no es mera moda romántica sino sentimiento tan universal como atemporal) y, al igual que don Pedro Salinas (Generación del 27) hiciera en La voz a ti debida, el juego con los pronombres de Idea Vilariño establece un interesante diálogo (como dirían los modernos) con éste; aunque, obviamente, de signo contrario, trocando la alegría del estar juntos por esa pequeña muerte del olvido.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

A UNA GOTA DE ROCÍO

Lágrima viva de la fresca aurora,

a quien la mustia flor la vida debe,

y el prado ansioso entre el follaje embebe;

gota que el sol con sus reflejos dora;

que en la tez de las flores seductora

mecida por el céfiro más leve,

mezclas de grana tu color de nieve

y de Irene su grana encantadora:

Ven a mezclarte con mi triste lloro,

y a consumirte en mi mejilla ardiente;

que acaso correrán más dulcemente

las lágrimas amargas que devoro…

mas, ¡qué fuera una gota de rocío

perdida entre el raudal del llanto mío!

(Carolina Colorado)

Entre José de Espronceda, Gustavo Adolfo Bécquer o Ramón de Campoamor se encuentra una de las grandes voces del Romanticismo español, mucho menos conocida porque, sobre todo, no suele aparecer en los libros de texto o “manuales oficiales de literatura”. Me estoy refiriendo a doña Carolina Coronado, que en sus textos, como es el caso del elegido, también trató del amor.

Pero, como no podía ser de otra manera, su tratamiento también procede de la frustración y la desesperación, si bien el uso de algunos elementos poéticos(sobre todo el uso del soneto) evocan la renacentista y suave lírica garcilasiana.

Nacida en Almendralejo (Badajoz) en 1820, doña Carolina no solo se labró un nombre entre los grandes bardos de su tiempo, sino que fue fundadora de una de las tertulias literarias más importantes del Madrid de su época, donde participaron algunas de las más destacadas plumas de, como venimos diciendo, ese movimiento romántico al que perteneció.

Además, al igual que otras voces del periodo, tanto masculinas (por ejemplo, Mariano José de Larra) como femeninas (por ejemplo, Mary Shelley), Carolina Colorado también dedicó su pluma a criticar aspectos sociales que consideraba injustos, siendo (al igual que la citada Shelley) una de las primeras activistas a favor de los derechos de las mujeres.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

Un particular estado del mundo (Chus Pato)

Decimos

no decimos el nombre

otra cosa no podemos decir

«me levantaba todas las mañanas a las cinco para ir a trabajar»

quien así dice

expresa el asombro de no aguardar por el amanecer

¿o?

porque no son sólo / (…)

sino también ese hijo/a de puta

cabrón /a que te baja la grandeza del cuerpo

y tú que no te dejas de ser el arma letal

que cualquiera es frente a los asesinos

Todavía la firmeza en la voz

cuando escucho la pregunta

qué significa el lenguaje?

María Jesús Pato Díaz (también conocida como Chus Pato) fue galardonada con el Premio Nacional de Poesía, correspondiente al año 2024, por su obra ‘Sonora’ (Xerais)

Los miembros del jurado eligieron  ‘Sonora’ por “ser una obra experimental, una expansiva y concentrada conversación entre el poema y la muerte, aquella que, tras la orfandad de la madre, arrastra a los lectores hacia los abismos del propio linaje. Auténtico fulcro de la poesía gallega, Chus Pato explora nuevas formas de deconstruir y reconstruir los marcos del pensamiento poético tradicional”.

Asimismo, el jurado señaló que el poemario “crea espacios textuales repletos de fugas: retóricas, semánticas, capaces de hibridar distintos códigos en los que se despliega toda su inextinguible potencia sonora. En Sonora, memoria personal, social y política susurran las múltiples voces de una de las más audaces poetas contemporáneas. En su obra, Chus Pato nos muestra el enfoque de la poesía como elemento transformador del lenguaje”.

Chus Pato consigue el galardón, aumentando a siete la racha de mujeres que vienen ganándolo desde Antonia Vicens en 2018.

Nacida en Orense, en 1955, se expresa en lengua gallega, y es autora de varios poemarios por los cuales ha recibido premios como el Premio Nacional de la Crítica Española, en su modalidad de poesía gallega. Sus poemas han sido editados en países como Argentina, Chile, Portugal, Holanda, Bulgaria, Rusia, Francia y Bélgica, entre otros, y su obra ha sido recogida en decenas de antologías nacionales e internacionales.

Sus primeros poemas aparecieron en la revista ‘Escrita’ (1984) y, posteriormente han ido apareciendo muestras de su obra poética en las revistas ‘Luzes de Galiza’, ‘Festa da palabra silenciada’, ‘Andaina’, ‘Gume Ólisbos’, ‘Revista das letras’, ‘Dorna’ o ‘Clave Orión’, así como en los libros editados por el Festival de poesía del Condado.

Ha publicado, entre otros títulos de poesía, ‘Urania’ (1991), ‘Heloísa’ (1994), obra traducida al castellano por ediciones La Palma, ‘Fascinio’ (1995), ‘Nínive’ (1996), por la cual fue galardonada con el premio Losada Diéguez, ’A ponte das poldras’ (1996), ‘m-Talá’ (Xerais), ’Un Ganges de palabras’ (antología bilingüe gallego-castellano, 2003), ‘Charenton’ (2004),’Nacer é unha república de árbores’ (2010), ‘Carne de Leviatán’ (2013), ‘Un libre favor’ (2019) o ‘Sonora’ (2023).

Es miembro del PEN Club, de Redes Escarlata y Mujeres y Letras y el 23 de septiembre de 2017 ingresó en la Real Academia Galega.

‘Sonora’, es el poemario más reciente de la escritora publicado en lengua gallega por el sello editorial Xerais. Chus Pato, una de las autoras fundamentales de la poesía gallega contemporánea, y está siendo traducida al español por Gonzalo Hermo para la editorial Ultramarinos. Esperamos que disfrutes descubriendo a esta magnífica escritora.

Miguel Ángel Aragüés (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

Dicen que no hablan las plantas, ni las fuentes, ni los pájaros

Dicen que no hablan las plantas, ni las fuentes, ni los pájaros,
ni el onda con sus rumores, ni con su brillo los astros,
lo dicen, pero no es cierto, pues siempre cuando yo paso
de mí murmuran y exclaman:
Ahí va la loca soñando
con la eterna primavera de la vida y de los campos,
y ya bien pronto, bien pronto, tendrá los cabellos canos,
y ve temblando, aterida, que cubre la escarcha el prado.

-Hay canas en mi cabeza, hay en los prados escarcha,
mas yo prosigo soñando, pobre, incurable sonámbula,
con la eterna primavera de mi vida que se apaga
y la perenne frescura de los campos y las almas,
aunque los unos se agostan y aunque las otras se abrasan.

Astros y fuentes y flores, no murmuréis de mis sueños,
sin ellos, ¿cómo admiraros ni cómo vivir sin ellos?

(Rosalía de Castro)

Rosalía de Castro (1837-1885) fue una de las grandes poetisas de la historia de España. Nacida en Santiago de Compostela, fue el fruto de la aventura de un sacerdote, José Martínez Viojo, con una soltera de escasos recursos económicos, María Teresa de la Cruz Castro.   Se fue con una tía paterna a la pequeña aldea de Ortoño. Esta marcha de la ciudad sería determinante en su vida, pues allí se familiarizó con el idioma gallego y las gentes que lo hablaban.

Los biógrafos sitúan en esta desdichada infancia el origen de “la negra sombra”, expresión recurrente en su obra que usaba para simbolizar ese pesimismo que la acompañó toda la vida.

En 1863 publicó Cantares gallegos, un recopilatorio de poemas sociales, amorosos, intimistas y costumbristas escrito íntegramente en gallego. Era la primera vez en tres siglos que alguien escribía gran literatura en esa lengua, por eso la obra es considerada el hito fundacional de la literatura contemporánea gallega.

El poema habla de la sensación de Rosalía de que, a pesar de saber lo que es la madurez y que el tiempo pasa, decide hacer caso omiso a lo dicho, queriendo vivir la vida tranquilamente sin pensar en la vejez. Es decir, la poeta se niega a perder la esperanza.

Es un poema que invita a vivir como cada uno quiera, sin importar lo que otros piensen. Invita a tomar tus propias decisiones tendiendo en cuenta lo que esto pueda costar; por ejemplo, que te llamen loco. Se ve entonces la fuerte personalidad de Rosalía, que nunca dejó de hacer lo que consideraba su tarea, sin importarle el qué dirán.

Es una crítica a las críticas que a ella le hacían, dejando claro que, a pesar de lo que se ha dicho de ella y de su tierra, ella da la cara y se posiciona defendiendo lo que ha hecho desde siempre. Esto nunca  le quitaría las ganas de seguir viviendo, luchando y  escribiendo…

Miriam Martínez

POR EL ANIVERSARIO DE ANTONIO MACHADO

De toda su obra poética, la pieza seleccionada (Una noche de verano) es de mis favoritas, por su contundente brevedad y por su emotiva sinceridad, fruto del desgarro interior del poeta tras perder a su joven esposa. En mis clases, para explicar la elegía, suelo utilizarla junto al poema que Rosalía De Castro escribe a su niña muerta (inconmensurable) y, cómo no, junto a las célebres Coplas de Jorge Manrique.

Entre Machado y Manrique, un margen (aproximado) de unos quinientos años; por lo que hay que llamar la atención del cambio de tono (los versos del poeta medieval quedan encorsetados dentro de los márgenes de una concepción clásica, mientras que Machado tiende hacia una expresividad más libre). Pero, sin embargo, el dolor ocasionado por la pérdida del ser querido humedece los versos de don Antonio y de don Jorge (y empapa hasta la médula el poema de doña Rosalía). Pasen los siglos que pasen, seguimos siendo débiles seres humanos que nos despojamos de todas nuestras fortalezas y certezas ante el inconmensurable misterio de la muerte.

Obviamente, alguna diferencia hay, pues los tres autores son hijos de tiempos diferentes y, así las cosas, mientras en el poema de Manrique se asume la muerte con “voluntad placentera”, Machado la repudia, se rebela, se ofusca hasta la desazón ante lo que considera una terrible injusticia (no digamos nada de lo que opinaría Rosalía de Castro, pues no encontraríamos las palabras).

Así las cosas, callemos prudentemente y acompañemos en su ciento cincuenta aniversario al bueno de don Antonio en su lírico penar.

Una noche de verano
—estaba abierto el balcón
y la puerta de mi casa—
la muerte en mi casa entró. 
Se fue acercando a su lecho
—ni siquiera me miró—,
con unos dedos muy finos, 
algo muy tenue rompió. 
Silenciosa y sin mirarme, 
la muerte otra vez pasó
delante de mí. ¿Qué has hecho? 
La muerte no respondió. 
Mi niña quedó tranquila, 
dolido mi corazón. 
¡Ay, lo que la muerte ha roto
era un hilo entre los dos!

(Antonio Machado)

A unos labios sin amor

¿Para qué tanto fuego y tanta loca
plenitud de color y lozanía,
si tan sólo tenéis por compañía
la soledad de vuestra misma boca?

Buscasteis el amor y se hizo roca.
¿Para quién esa llama, esa porfía,
si vuestra roja y prieta valentía
al aire más ajeno desemboca?

Esa vibrante luz desordenada,
tras la doliente piel en la que brilla
se quedará en sí misma sepultada.

O ha de quedarse pálida, amarilla,
desmayándose lenta, calcinada,
y soñando el amor desde su orilla.

(Rafael Morales)

Como dice la canción, “la vida te da sorpresas, sorpresas te da la vida…”. Y, en efecto, sorprendidos se quedaron nuestros alumnos de 1º de ESO cuando el otro día leímos un curioso poema de Rafael Morales (uno de nuestros premios nacionales de literatura para más señas) dedicado nada más y nada menos que al cubo de la basura.

Quizás los manuales de literatura nos hayan malacostumbrado, haciéndonos creer que el arte lírico se encarga siempre de temas elevados, cuando, sin ir más lejos, los mismos Francisco de Quevedo y Luis de Góngora gustaron de tratar temas incluso escatológicos con culterano estilo.

El caso es que don Rafael ha tenido siempre a la originalidad y, el poema (un perfecto soneto desde el punto de vista de su métrica y su rima) elegido en esta ocasión no se centra en el beso correspondido sino, curiosamente, en el labio que no tiene a quien besar, conformándose, quizás, consigo mismo. Es decir, un poema que nos habla, quizás, del desamor; aunque llega a sus terrenos de manera tan indirecta como elegante. Un poema que tiene la rara virtud de resultar incluso cómico, tras un primer vistazo, pero que, leído con atención y profundidad, resulta tan desesperanzador como amargo.

En resumidas cuentas, toda una joya de nuestra lírica.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

JOAQUÍN CARBONELL- “CANCIÓN DEL OLIVO”, DEL DISCO CON LA AYUDA DE TODOS, 1976.

 Cien olivos rotos de La Codoñera

buscan las raíces de sol y de piedra,

buscan las raíces fuera de la tierra.

 Tierra resecada en el San Benón,

maman del aceite de llanto y dolor,

maman del aceite de negro color.

  Y al anochecer todos los olivos

se van a beber, con el clarear

todos los olivos vuelven a llorar.

 En la lenta rama del viejo olivar

cuenta las olivas el viejo pardal,

cuenta las olivas y se echa a volar.

 Vuela por las viñas de Montalbosos,

a las cinco en punto ya se marcha el sol,

a las cinco en punto se acaba el señor.

 Y al anochecer todas los olivos

se van a beber, con el clarear

todos los olivos vuelven a llorar.

 Ordeña la oliva desde la escalera,

con los dedos rotos de la ventolera,

con los dedos rotos de la llegadera.

 Llega de la moza que vas a llevar,

échame la toca que me he de tapar,

échame la toca que me voy a helar.

 Y al anochecer todos los olivos

se van a beber, con el clarear

todos los olivos vuelven a llorar.(bis)

Joaquín Carbonell-1976.

Nota bene: la canción está escrita de memoria. No he podido descifrar, y posiblemente sea incorrecto el topónimo “Montalbosos”.

 Hacía tiempo que quería hacer una reseña de este polifacético artista turolense: cantautor, poeta, periodista, presentador de televisión, novelista. Vitalista, optimista e inquieto creador, que el COVID se lo llevó en el 2020.

 Carbonell, nace en Alloza, pueblos de olivos y minas de carbón en 1947. Estudia el bachillerato, en  Teruel, y coincide con una generación magnífica de profesores y compañeros. Labordeta, el historiador Eloy Fernández Clemente, y el dramaturgo Sanchís Sinisterra ,autor de ¡ Ay Carmela!, serán algunos de sus influyentes maestros. El periodista Federico Jiménez Losantos, el economista Manuel Pizarro, y otras no menos importantes que no nombramos, serán colegas de estudios y de inquietudes culturales y políticas.

 En 1973, comparte cartel con Tomás Bosqué, José Antonio Labordeta y La Bullonera, en el mítico concierto del Teatro Principal de Zaragoza, y nace la “Nueva Canción aragonesa”. Generación de artistas que reivindican las libertades políticas y el reconocimiento de Aragón, sus peculiaridades y sus problemas sociales y económicos.

 En plena Transición democrática, y en los años dorados de la canción protesta española, Carbonell, publica  de 1976 a 1979, tres discos. El disco primero, Con la ayuda de todos, es el que más éxito y reconocimientos tiene. Canciones como “La peseta”, o “La beata”, se escuchan en las radios españolas, y se convierten en cantos de veladas de campamentos.

 Finales de los setenta, la música de la “Movida” arrincona a los cantautores, y quedan en un segundo plano. El propio Carbonell no deja de ofrecer recitales, pero tarda años en volver a editar un disco. A los pocos años nuevos cantautores, como Joaquín Sabina, Krahe y las nuevas propuestas de Serrat, Ana Belén, Víctor Manuel, hacen resurgir a este género. El propio Joaquín Carbonell, vuelve con un disco de versiones del padre de la canción francesa, Georges Brassens. A partir de aquí, y hasta su muerte, buscando nuevas iniciativas, su carrera musical se cierra con diecisiete discos. Los últimos años, forma un trío , “Los Tres norteamericanos”, versionando canciones populares de ambiente festivo.

 Carbonell combinó la música con el periodismo. Fue articulista en el periódico zaragozano El Día, y después en El Periódico de Aragón. Durante muchos años, fueron muy leídas y comentadas sus entrevistas en página entera a los personajes de la actualidad nacional y aragonesa.            Fue presentador y entrevistador en el centro territorial de RTVE. Su peculiar estilo se basaba en hacer la entrevista sobre un ring de boxeo, donde él se titulaba como “El Tigre de Alloza”.

 Como escritor, toco casi todos los géneros. Fue biógrafo de Joaquín Sabina, del jotero “El Pastor de Andorra”, y de su amigo José Antonio Labordeta. Ganó el premio San Jorge, de poesía , con su poemario Misas separadas. Escribió varias novelas, como La mejor tarde de Goyo Letrinas, que leí por recomendación de un amigo, y que guardo en mi biblioteca. Con el periodista Roberto Miranda, escribió varios libritos de humor “somarda” aragonés, como, Aragón a la brasa y Gran Enciclopedia de Aragón, preta.

 En el 2019, otra vez el Teatro Principal acoge un recital homenaje a sus cincuenta años como cantautor. Circula el concierto por las redes y recomiendo escucharlo.

 La canción poema que reseñamos está dedicada al paisaje del Bajo Aragón. Tierra de olivares, de inviernos siberianos y veranos sofocantes. El paisaje marca a las gentes, y estas resisten como los olivos, al viento, al sol, a la sequía. Una toma de conciencia de la esencia aragonesa, en forma de sencillos y contundentes versos.

Francisco Javier Murillo Esteban (Departamento de geografía e Historia)

YA CINCO AÑOS DEL COVID-19…

En tres actos vivimos una ficción muy real, una pesadilla inquietante. Este mes de marzo cumpliremos cinco años de ese extraño confinamiento…

ACTO I: OSCURIDAD Y EXTRAÑAMIENTO

Se levanta el telón y todo es oscuro. No hay nada. Dudas y miedo. Todos llevamos varios días en nuestras casas y asomados, muy asomados en nuestros balcones.

En esos días Joe Crepúsculo lanzó una pequeña cancioncita: “Cuarentena sin ti”. La soledad, el miedo, la confusión y el absurdo de una situación que ninguno llegábamos a comprender.

Las calles hoy están desiertas

Y yo por dentro también desierto

Ayer me peleé en el súper por un rollo de papel

Y ahora estoy sentado sin comer

Te echo de menos

Tus palabras, tu forma de reír

Ya no soporto esta cuarentena

Sin ti

Los animales en las calles

Juegan con cajas de cartón

Y puede que sin nosotros todo sea mejor

Pero me cuesta pensar que ya se acabó

Te echo de menos

Tus palabras, tu forma de reír

Ya no soporto esta cuarentena

Sin ti

Situaciones surrealistas como ir a comprar el pan a la otra punta de la ciudad o pelearse por un rollo de papel higiénico en el supermercado. Todos habíamos perdido el norte y nos mirábamos con desconfianza y casi con miedo.

Afortunadamente, hoy podemos leer una reseña de la web de la Biblioteca o comprar los rollos de papel de nuestra marca favorita. De todos modos, y por si el lector se encuentra perdido en este asunto, ahí va un ranking de la OCU de los mejores papeles higiénicos para disfrutar en nuestro hogar…

1.     Renova ultra fort: 85 puntos

2.     Bosque Verde (Mercadona): 81 puntos

3.     Solo (Aldi) premium: 81 puntos

4.     Scottex acolchado: 80 puntos

5.     Renova skin care plus: 79 puntos

6.     Floralys (Lidl) super suave: 79 puntos

7.     Carrefour ultra confort: 79 puntos

8.     Colhogar just-1: 78 puntos

9.     Foxy seda: 78 puntos

10.  Eroski acolchado: 75 puntos

ACTO II: EL SUEÑO DE SER MEJORES

Se alza el telón. En un televisor de 55 pulgadas aparecen Broncano y su invitado de hoy. Charlan y entre el ruido, se escucha al invitado, un poeta aragonés, Manuel Vilás… “¿Relaciones sexuales en el último mes? Coito vale 1 punto; petting 0,6; masturbación 0,5.” El poeta responde que cero y es así como debe ser. Los poetas no deben hacer eso, la poesía es sentimiento, ni petting ni porras…

Avanza la entrevista como casi siempre. Entre gritos y silencios, silencios interrumpidos por el poeta: “Como aquel mes de mayo cuando no hubo comuniones…” Ni comuniones ni nada, solo una esperanza, la pequeña esperanza de que lo malo estaba acabando y nos iba a cambiar a todos, nos iba a hacer más fuertes y mejores…

El poeta supo verlo, como casi siempre, antes que los sociólogos y los ingenieros…

Ahora ya sabemos que la vida es comer con un amigo en una terraza, ir de librerías, tomar el sol, ver una película en un cine, perderte por una calle desconocida, coger un tren.

Por eso, cuando la vida regrese, le pediremos menos cosas.

Y me acuerdo ahora de los restaurantes llenos, de las bodas, de las fiestas, de los viajes en autobús, en avión, en el metro.

Nostalgia de las rebajas de todas las tiendas y mercadillos de España, mi gran país, mi pobre país torturado y humillado.

Cuando esto termine, yo creo que jamás volveremos a dar un beso protocolario. Todos los besos se volverán besos poderosos, fuertes, grandes, sexis y salvajes.

Cuando regrese la vida, me verá guapo y elegante, como siempre.

Cuando ella vuelva, porque volverá, me encontrará bien dispuesto y a la orden.

(La espera, de Manuel Vilas)

ACTO III: DE CUÑADOS Y TIERRAPLANISTAS

Se levanta el telón y aparece un varón sin edad definida. Plumero en mano, último modelo, el limpiador de polvo Eraser 3000, grácil en movimientos, como un perfecto esgrimista. Limpiando una colección con encuadernaciones clásicas con ribetes dorados. Saca los libros uno a uno y los limpia con esmero. Primero El cuñadillo de Tormes ( lo limpia, lo besa y lo coloca); después el Don Cuñado de la Mancha (dos volúmenes, preciosa edición dirigida por Francisco Rico); a continuación el El cuñado de Olmedo (excelente obra)… ¡La figura del cuñado y la literatura española de los Siglos de Oro! ¡Qué necesarios el uno para el otro…!

Se apagan los focos y se vuelven a encender. Lugar: una pequeña esquina de la barra de un maloliente bar. Allí aparece un cuñao. Botellín en mano y encorvado. Carraspeando mira al camarero y le dice: “Niño, traeme otro, que este tiene un agujero”. Así es el cuñado, el más tonto del bloque, va a comprar la lotería y dice: “Dame el que me toque”. Y no se cansa el pesao, pues dice “Si hay camiones en la puerta se come bien”. Y no ceja el colega, pues ha comprado el mismo coche que tú pero le ha salido por tres mil euros menos…  ¡Jodido cuñao! ¡Qué si la Tierra es plana! ¡Qué si el Covid no existió! ¡Qué fue un complot de las farmacéuticas! ¡Qué si Sanchéz lo creo…!

Y si de cuñadismo hablamos, un buen ejemplo es la canción “Lobito”, del asturiano Pablo Und destruktion. En ella, pone en duda la existencia del Covid y nos plantea una teoría que se puede resumir en esto: “Todo es mentira. Dennos libertad y déjense de gaitas…”

De noche voy a salir

De mi casa y encontrarme

Con el lobo que camina

Solitario por las calles

Voy a mirarle a los ojos

Voy a besarle en la boca

Voy a llevarle un abrigo

Y medio gramo de coca

No había ni un alma en toda la ciudad

Ni siquiera las dos personas con las que me crucé

Uno estaba sacando la basura

Y otro estaba parado, mirando a la pared

¿Por qué te temen lobito?

¿Por qué temen a la muerte?

¿Por qué justo ha sido ahora

La caridad disidente?

En fin, toma otra cerveza

No hay mal que por bien no venga

La ciudad negra y vacía

Es una puta belleza

Si es que hasta hemos llegado a escuchar que el Covid es un invento de la Real Academia de la Lengua Española. La teoría no es tan descabellada. Yo me la creo. Hartos de sentirse anticuados y sin relevancia en este mundo moderno, diseñaron un plan, y entre contubernios y tejemanejes crearon esta pandemia con el fin de mostrar lo necesarios que eran para actualizar y modernizar el castellano… “Coronavirus, PCR, desescalada, confinamiento, cuarentena o nueva normalidad”. No sería raro pensar que todo estuviese orquestado por el demoníaco Pérez- Reverte… No cuesta imaginarlos entre bandejas de jugosos asados de pangolines y chupitos de AstraZeneca…

Sebastián Solacovid 19 (Profesor del IES La Puebla de Alfindén)

“Mi abuela es un hada»   

Mi abuela Mariana,
tiene una cana,
cana canariera.                                                  

Mi abuela Mariana,
me cuenta los cuentos
siempre a su manera.

Yo la quiero mucho,
yo la quiero tanto …
Me ducha, me peina
y me lleva al campo.

Me enseña canciones,
me ayuda a estudiar,
dice poesías,
solemos jugar.

Luego por la noche
mi abuela me vela,
un cuento me cuenta
y cuando me duermo,
me apaga la vela,
Mariana mi abuela.

Mi abuela Mariana,
de paja el sombrero,
el traje de pana,
mi abuela Mariana
no parece abuela,
me parece un hada.

(Gloria Fuertes)

En la casa de los abuelos, los niños somos eternos, no importa nuestra edad, los abuelos tienen el don de hacernos sentir pequeños, protegidos, infinitos hasta que desaparecen de nuestro lado.  Los abuelos son personas fundamentales en la vida de sus nietos. Pueden aportarles muchas enseñanzas: cariño, valores, apoyo, educación… Son muchos los beneficios que tienen los abuelos para sus nietos.

La mayoría de ellos  fueron educados en la «universidad de la calle» y vinieron al mundo para hacer de nosotros «hombres y mujeres de bien». Nuestros abuelos han sido durante muchos años una fuente inagotable de sabiduría popular. 

Gloria escribía poemas con final feliz porque en su infancia le dieron muy pocas alegrías. Nació un verano de 1917, “en un parto muy laborioso en el que, si se descuida (su madre), muere para vivirme”. La pobreza obligaba a sus padres a trabajar de sol a sol para sacar a sus cinco hijos adelante y, para distraerse, no le quedaba más remedio que crear amigos imaginarios. También ayudaba a la economía familiar con pequeños empleos y, en sus ratos libres, disfrutaba (siempre a escondidas) de un buen libro, algo que no gustaba nada a su madre. 

Fue escritora de narrativa, poesía, teatro y autora de literatura infantil y juvenil. Su interés por las letras comienza a la temprana edad de cinco años, cuando ya escribía y dibujaba sus propios cuentos. Publica su primer poema con tan sólo catorce años en 1932, bajo el nombre de ”Niñez, juventud, vejez…” persiguiendo desde joven la edición de sus escritos.

«Un abuelo es un regalo del pasado para iluminar el presente y guiar el futuro”

Dedicados  a todos abuelos y abuelas. Para los que están y también  para los que se fueron, porque  su recuerdo, nunca nos abandonó.

Miriam Martínez (Departamento de Física y Química)                     

Árbol azul

Lo siento (Loreto Sesma)

“Lo siento por no ser suficiente,
suficiente fuego para hacer hoguera,
suficientemente estable para ser hogar,
suficientemente fuerte para sacarte el barro,
suficiente tregua para brindar la paz de tu guerra.
Lo siento por no ser oxígeno
y aprender a devolverte el aire
después de cada golpe en las costillas,
por creer que mi saliva iba a curar más que cualquier pastilla.
Perdóname,
mi vida,
por creer que quererte sería suficiente”

La autora de este poema es Loreto Sesma, poetisa actual española natural de Zaragoza.
Este poema se incluye en su segundo libro llamado “317 kilómetros y dos salidas de
emergencia”. En este poemario la autora habla del amor y del viaje que es la vida, que nos
hace madurar. En concreto, en este poema, habla sobre un amor en el que se culpa de no
ser suficiente para la persona amada.

                      Ester Cunchillos. Profesora de Física y Química

La salvación, de Arde Bogotá

El indie rock es un género alternativo que se encuentra en auge y parece no tener freno. Se trata de un movimiento musical que, pretendiendo ser independiente y novedoso, consiguió encontrar su lugar en el mundo.

Muchos de los festivales de música que se llevan a cabo en España se centran en el Indie y podemos nombrar a algunos artistas que se enmarcan dentro de este género: Izal, Carlos Sadness, Iván Ferreiro, Lori Meyers, Viva Suecia…

Pero esto es como todo y, poco a poco, llega la moda. Cada vez más artistas prueban a adentrarse en el género y los festivales a los que empezaron yendo cuatro gatos, ahora ya se encuentran abarrotados.

Un ejemplo es el de Arde Bogotá, un grupo murciano de rock fundado en 2017, cada vez más encasillado en el género del indie. Poco a poco, sus jóvenes componentes han ido encontrando la fama a través de sus canciones y son cabeza de cartel en la mayoría de los festivales, como en la última edición del Vive Latino, festival de música en Zaragoza.

Son cuatro jóvenes que afirman inspirarse en los directos de los años 70 para construir su música (cuentan, de hecho, con una versión de “Mi carro” de Manolo Escobar) y que se basan en sus vivencias personales para crear sus letras. Fue su estancia en la capital colombiana la que motivó el nombre del grupo.

Hoy hablamos de “La Salvación”, una de sus canciones más exitosas. El grupo busca, a través de ella, encontrar algo de luz cuando todo es oscuridad. Se basan, entre otras muchas cosas, en el momento en el que desafiaron la pandemia que llegó cuando empezaban a darse a conocer. Uno de los versos más vitoreados de la canción dice que “tiene que haber una salida para tanto dolor”.

¿Y cuál es esa salida, a veces imposible, que eligen para la canción? El amor. Estamos ante un grito contra las despedidas tristes y la soledad lleno de hipérboles: “Me duele el pecho de amor” o “Ahora sé que la salvación estaba dentro de un beso”…

Un amor irracional extraído de versos como “Yo quisiera ser cobarde pero he decidido hablarte”. Además, una canción que sigue un patrón rítmico que invita a ser leída como un poema.

Ellos mismos cuentan que escriben sus canciones por y para la gente, la música y las carreteras que simbolizan el viaje de su vida (físico entre concierto y concierto; y metafórico como trayecto vital).

Otras de sus canciones más conocidas son “Qué vida tan dura”, “Exoplaneta” y “Los Perros”, que invito también a ser escuchadas.

Daniel Crestelo. Profesor de Lengua.

Pájaros de barro

Canción de Manolo García

Por si el tiempo me arrastra a playas desiertas Hoy cierro yo el libro de las horas muertas Hago pájaros de barro

Hago pájaros de barro y los echo a volar

Por si el tiempo me arrastra a playas desiertas Hoy rechazo la bajeza del abandono y la pena Ni una página en blanco más

Siento el asombro de un transeúnte solitario

En los mapas me pierdo Por sus hojas navego Ahora sopla el viento

Cuando el mar quedó lejos, hace tiempo

Ya no subo la cuesta que me lleva a tu casa Ya no duerme mi perro junto a tu candela

En los vértices del tiempo anidan los sentimientos Hoy, son pájaros de barro que quieren volar

En los valles me pierdo En las carreteras duermo Ahora, sopla el viento

Cuando el mar quedó lejos, hace tiempo

Cuando no tengo barca, remos, ni guitarra Cuando ya no canta el ruiseñor de la mañana Ahora, sopla el viento

Cuando el mar quedó lejos, hace tiempo

En los valles me pierdo En las carreteras duermo

Reseña:

El autor es Manuel García García-Pérez (Barcelona, 19 de agosto de 1955), más conocido como Manolo García, cantautor y compositor español.

Grabó sus primeros discos con grupos como Los Rápidos y Los Burros, alcanzó el éxito comercial con El Último de la Fila y actualmente continúa su carrera en solitario. Se caracteriza por un sonido pop rock mestizo con ritmos árabes, aflamencados y melódicos y por sus letras que aúnan poesía, lírica y surrealismo.

El artista catalán se ha caracterizado durante toda su carrera por mantener su vida personal muy alejada de su vida pública, por lo que el estado civil de Manolo García, así como su vida privada y todo lo alejado de lo estrictamente artístico, queda fuera del conocimiento popular. No obstante, se sabe que es hermano de la también cantante Carmen García, componente del grupo Carmen.

Con una preciosa melodía, que combina lo mejor del pop-rock con algunos toques flamencos, Manolo García nos invita con su mensaje profundo a vivir la vida con mayor intensidad.

Pájaros de barro pertenece al primer álbum en solitario de Manolo García tras separarse El últimodefila, lanzado en 1998 .

El tema de la canción es vivir el momento, carpe diem. A pesar de que estemos pasando por una mala racha, hay que salir de ahí y comenzar a vivir, ya que la vida es efímera. La canción es un llamamiento al despertar de ese letargo en el que los días pasan sin pena ni gloria, días en blanco, para volver a disfrutar de la vida y vivir con mayor intensidad.

El título de la canción hace referencia a un milagro relatado en el Evangelio apócrifo de Tomás. Jesús, de niño, cogió barro blando para moldear doce pajarillos que posteriormente se convirtieron en pájaros de verdad y echaron a volar.

Manolo García nos enseña en Pájaros de Barro que la vida es efímera, que es un regalo que no debemos desperdiciar. No hay que vivir sin disfrutar, no hay que dejar páginas en blanco.

Miriam Martínez (Profesora del IES)

WIND OF CHANGE- SCORPIONS

I follow the Moskva
Down to Gorky Park
Listening to the wind of change
An August summer night
Soldiers passing by
Listening to the wind of change

The world closing in
Did you ever think
That we could be so close like brothers?
The future’s in the air
I can feel it everywhere
Blowing with the wind of change

Take me to the magic of the moment
On a glory night
Where the children of tomorrow dream away
In the wind of change

Walking down the street
Distant memories
Are buried in the past forever

I follow the Moskva
Down to Gorky Park
Listening to the wind of change

Take me to the magic of the moment
On a glory night
Where the children of tomorrow share their dreams
With you and me

Take me to the magic of the moment
On a glory night
Where the children of tomorrow dream away
In the wind of change

The wind of change blows straight
Into the face of time
Like a stormwind that will ring
The freedom bell for peace of mind
Let your balalaika sing
What my guitar wants to say

Take me to the magic of the moment
On a glory night
Where the children of tomorrow share their dreams
With you and me

Take me to the magic of the moment
On a glory night
Where the children of tomorrow dream away
In the wind of change

Scorpions – Wind of change

El siglo XX es uno de los periodos más intensos que la historia ha presenciado nunca. Y a pesar de que la humanidad fue testigo de varios escenarios devastadores durante esos cien años, también fue un centenario plagado de avances tecnológicos y médicos, libertades conseguidas y varios eventos clave en la historia de nuestra sociedad. Y algo en lo que muchos podemos coincidir, es en que muchos de esos eventos clave ocurrieron a partir de la caída del muro de Berlín. La reunificación de las dos Alemanias, la caída de la URSS, y múltiples avances socioeconómicos, sucedieron durante aquellos años en Europa. Así que si tuviera que definir el siglo XX en una canción (plasmando las guerras ocurridas, y los avances logrados) sin duda elegiría Wind of Change del grupo alemán Scorpions.

Wind of Change salió a la venta en 1991 como un sencillo que más tarde se añadió al álbum Crazy World. La canción está basada en la experiencia de la banda en Leningrado y Moscú durante los años 1988 y 1989 durante la promoción por la URSS del álbum Savage Amusement. Klaus Meine (el vocalista del grupo) comentó en una entrevista que lo que los inspiró a componer la canción fue lo mucho que había cambiado el país de un año para otro. Mientras que en 1988 se sentía una niebla de tensión y revueltas, en 1989 la situación había mejorado. Una vez que sacaron el videoclip, el público asoció la canción con la caída del muro de Berlín, no solo por las imágenes que lo conforman, si no también por su letra, ya que refleja a la perfección la situación de miles de alemanes que pudieron volver a abrazar a sus familias tras veintiocho largos años. Así, Wind of change se convirtió en un himno del final de la guerra fría, y la era comunista en Europa. 

En mi opinión, es la mejor canción de la banda, ya que consigue transmitir a la perfección el sentimiento de cambio y esperanza que se vivió durante esas décadas en Europa. No lo digo solo por la letra de la canción, si no también por su melodía y sus solos de guitarra. Fusionando esos factores, el resultado es una bonita canción sobre el progreso y la luz tras varias décadas de angustia y desolación. 

Ángela Viruete López, 3D.

Rain

By Don Paterson

I love all films that start with rain:
rain, braiding a windowpane
or darkening a hung-out dress
or streaming down her upturned face;

one long thundering downpour
right through the empty script and score
before the act, before the blame,
before the lens pulls through the frame

to where the woman sits alone
beside a silent telephone
or the dress lies ruined on the grass
or the girl walks off the overpass,

and all things flow out from that source
along their fatal watercourse.
However bad or overlong
such a film can do no wrong,

so when his native twang shows through
or when the boom dips into view
or when her speech starts to betray
its adaptation from the play,

I think to when we opened cold
on a rain-dark gutter, running gold
with the neon of a drugstore sign,
and I’d read into its blazing line:

forget the ink, the milk, the blood—
all was washed clean with the flood
we rose up from the falling waters
the fallen rain’s own sons and daughters

and none of this, none of this matters.

Rain es un sencillo poema del escritor escocés Don Paterson, conocido por su habilidad para explorar temas profundos y complejos a través de la simplicidad de la palabra. Este poema en particular trata sobre la dualidad de la lluvia, la belleza de las imágenes que crea, así como las emociones y percepciones humanas asociadas a ella.

Paterson comienza describiendo la lluvia de manera muy visual y sensorial, pintando típicas imágenes vívidas y sonidos asociados a la lluvia. A medida que avanza el poema, se explora la relación entre la lluvia y las emociones humanas. Es casi inevitable pensar en la relación existente entre la lluvia y su reflejo en nuestros propios sentimientos: desde la serenidad y la calma hasta la melancolía o la tristeza

Bajo una simplicidad tanto en la estructura del poema como del lenguaje se esconde una profundidad emocional significativa. Su rima es notable por su irregularidad, ya que no sigue ningún patrón específico. Sucediendo esporádicamente a lo largo del poema, ayuda a dar énfasis a algunos versos, dándole a su vez mayor relevancia las imágenes y sentimientos evocados en los versos.

Este poema invita a reflexionar sobre las diversas facetas de la lluvia,y como se refleja y conecta con nuestras emociones, un cliché que se suele utilizar con frecuencia en otras manifestaciones artísticas como el cine (al que hace referencia) o la música.

JAVIER BERNAL (PROFESOR INGLÉS)

¡Si me llamaras, sí,
si me llamaras!

Lo dejaría todo,        
todo lo tiraría:
los precios, los catálogos,
el azul del océano en los mapas,
los días y sus noches,
los telegramas viejos
y un amor.
Tú, que no eres mi amor,
¡si me llamaras!
       
Y aún espero tu voz:
telescopios abajo,
desde la estrella,
por espejos, por túneles,
por los años bisiestos
puede venir. No sé por dónde.
Desde el prodigio, siempre.
Porque si tú me llamas
-¡si me llamaras, sí, si me llamaras!-
será desde un milagro,        
incógnito, sin verlo.

Nunca desde los labios que te beso,
nunca desde a voz que dice:        
«No te vayas.»

No había sido agraciada

con cinturita de avispa,

por alta no destacaba,

sus pechos no bamboleaban,

al irse no deslumbraba,

sus cabellos no danzaban,

sus ojos no encandilaban.

¡Pero Dios sí le había dado

unos pies que eran un canto!

De sus pies quedó él prendado,

se quedó anonadado:

la desnudó sin tocarla,

sólo con puro mirarla,

al descalza descubrirla.

De refilón un buen día

desde la vidriera fría

la vio en la zapatería

en el preciso momento

en el que descalzó sus pies;

sin olerla, sin rozarla,

la amó parada y en pata.

Estoy segurísima de que todos los lectores saben qué es el fetichismo, pero…, por si acaso me remitiré al Diccionario de la Real Academia Española de la lengua para aclararlo. Así, se habla de fetichismo como una atracción sexual o amorosa que consiste en fijar alguna parte del cuerpo humano, o prenda relacionada con él, como objeto de excitación y deseo.  

Mario Benedetti Farrugia nació en Tacuarembó en 1920 y murió en Montevideo en 2009. Fue escritor, poeta y dramaturgo, formando parte de la Generación del 45. Su producción literaria fue inmensa, más de ochenta libros, algunos traducidos a multitud de idiomas. En su testamento dejó creada una fundación a su nombre para preservar su obra, apoyar a la Literatura y luchar por los derechos humanos en Uruguay.

Centrándonos ahora en el poema, mejor dicho, en este fragmento del poema, es a primera vista observable que el autor tiene una percepción un tanto curiosa sobre esa parte del cuerpo femenino, los pies.

Comienza el poema describiendo el físico de una mujer, aparentemente nada atractiva, pasea desde su cabeza hasta sus tobillos desvirtuando cada una de sus cualidades físicas. En la segunda estrofa, de repente, aparece la misma dama equiparada con un canto, todo gracias a sus pies, tan bellos para el poeta que es capaz de desnudarla con la imaginación a través de ellos. Acaba el poema contando cómo fue el inicio de esa relación, desde el exterior de una zapatería contacta visualmente con unos pies que le deslumbran, hasta el punto de empezar a amarla sin olerla, ni rozarla.

En cuanto la forma del poema observamos sin mucho esfuerzo cómo el autor juega con versos de arte menor y variadas rimas a lo largo de sus estrofas, asonantes y consonantes alternan con algún verso suelto, otorgando al poema de musicalidad y ritmo indiscutible.

Hasta hoy nunca había pensado que yo podía enamorarme de unos pies, yo no lo he hecho, pero he de reconocer que desde que leí este poema de Benedetti no hay pie que se escape de mi vista.

Marimar Castro (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

Ya te presentamos hace unas semanas una selección de poemas extraños que juegan con la repetición de las mismas vocales, consonantes, o con la ausencia obligatoria de alguna de estas. A veces, los poetas practican sus habilidades llevándolas al extremo. Puede parecer solo una actividad para pasar el tiempo, pero los resultados son muy sorprendentes, divertidos y elaborados. 

En esta segunda parte, nos fijaremos en la estructura del texto, en su organización, y verás que hay poemas que tienen… gato encerrado.

            El eco, otro recurso muy vistoso, consiste en la repetición de una palabra (o un fragmento de ella) bien a final de un verso, bien al comienzo del siguiente. Observa estos sonetos y fíjate bien en su dificultad y su extraño efecto:

EN LAS EXEQUIAS DE LA SERENÍSIMA

REINA DOÑA ANA 

Mucho a la Majestad sagrada agrada

que atienda a quien está al cuidado dado,

que es el reino de acá prestado estado

pues es al fin de la jornada nada.

La silla real por afamada amada,

el más sublime, el más pintado hado,

se ve en sepulcro encarcelado, helado,

su gloria al fin por desechada, echada.

El que ve lo que acá se adquiere, quiere,

y cuanto la mayor ventura tura,

mire que a reina tal sotierra tierra.

Y si el que ojos hoy tuviere, viere,

pondrá ¡oh mundo! en tu locura cura,

pues el que fía en bien de tierra, yerra.

FRAY LUIS DE LEÓN.

Es el amor, según abrasa, brasa;

es nieve a veces puro hielo, hielo;

es a quien yo pedir consuelo suelo,

y saco poco de su escasa casa.

Es un ardor que a quien traspasa, pasa;

y como a veces yo paselo, selo;

es un pleito do no hay apelo, pelo;

es del demonio que le amasa, masa.

Tirano a quien el Cielo inspira ira;

un ardor que si no se mata, mata;

gozo, primero que cumplido, ido;

flechero que al que se retira, tira;

cadena fuerte que aun de plata, ata;

y mal que a muchos ha tejido nido.

                        FRANCISCO DE QUEVEDO

SONETO 

Guarda, mundo, tu flaca fortaleza,

fortaleza de carne no la quiero,

quiero servir a aquél, en quien si espero

espero hará de roble mi flaqueza.

Flaqueza en la virtud es gran vileza,

vileza no consiente un caballero,

caballero en la sangre, no en dinero,

dinero, que obscurece la nobleza.

Nobleza verdadera en Dios se halla,

hállala el que a sí mismo despreciando

preciando sólo a Dios, en Él se honra.

Honra Dios a los suyos, cuando calla,

calla porque en silencio está ayudando,

dando paciencia, y honra en la deshonra.

JUAN DÍAZ RENGIFO. 

            ¿Más difícil todavía? Pues aquí tienes otras redondillas con eco, pero doble, en el último verso de cada una de las estrofas:

Nuestro ser, como es instable,

al polvo nos encamina, 

y puesto que es su doctrina 

saludable – dable – hable. 

Fija la vista en la tierra, 

y verás, cuán en su daño

quien la puerta al desengaño

que en sí encierra – cierra – yerra.

 Y a del sepulcro a las puertas

 entre el polvo a ver alcanzas,

 tantas vanas esperanzas

 que conciertas – ciertas – yertas.

                                   FR. AGUSTÍN SANZ

            Pero ya volveremos otro día con más fenómenos sonoros, y una nueva entrega de estas líneas dedicadas a curiosidades líricas, porque sus posibilidades son curiosísimas y muy efectivas.

Miguel Ángel Aragüés (Departamento de Lengua y Literatura)

EPITAFIO DE SEIKILOS

Sobre la superficie pétrea de una estela funeraria de mármol, se encontró hacia 1883 la que está considerada la composición musical más antigua del mundo. Se trata del Epitafio de Seikilos, un fragmento de inscripción griega que hoy sabemos fue una dedicatoria amorosa de éste hacia su mujer, Euterpe, tras su fallecimiento. 

La columna marmórea fue hallada en la actual ciudad de Aydin, cerca de Éfeso, en la actual Turquía y está fechada, según los expertos, hacia el siglo I d. C.  Su descubridor, el arqueólogo británico William Mitchell Ramsay, la custodió hasta que fue depositada en el museo de la ciudad de Esmirna. Sin embargo, años después, se le perdió la pista durante la conocida como Guerra greco-turca o el Holocausto de Asia Menor (1919-1922), en el que la ciudad se vio bastante afectada. Años más tarde, la columna apareció en casa de una anciana, que la usaba para apoyar una de sus macetas, con la base algo erosionada y el verso tallado más abajo borrado. Desde 1966, se exhibe en el Museo Nacional de Dinamarca. 

En la parte superior de la estela, puede leerse el siguiente texto, que precede al fragmento musical: 

Soy una imagen de piedra.
Sícilo me pone aquí,
donde soy por siempre,
señal de eterno recuerdo

Debajo, está la partitura del Epitafio, donde debemos entender que la parte superior nos muestra los símbolos referidos a la duración, en la parte central aparecen los sonidos y las ligaduras y abajo, estaría el texto que debía ser entonado y que se traduce así:

Mientras vivas, brilla,
no sufras por nada en absoluto.
La vida dura poco,
y el tiempo exige su tributo.

Musicalmente hablando, podemos decir que el Epitafio fue escrito para ser entonado en modo frigio, es decir, usando una escala comprendida de re a re, que en la Antigua Grecia era uno de los que imprimía un carácter más melancólico al oyente. 

En cuanto a la inscripción, diremos que sigue el sistema de notación musical que los griegos usaron desde el siglo VI a.C. hasta el siglo IV d.C., que consiste, como hemos indicado arriba, en el uso de símbolos colocados sobre las sílabas del texto. Hoy día, la notación musical que nos permite interpretar los sonidos de esta composición, sería ésta. Sin embargo, y a pesar de que existen muchas versiones que tratan de reproducir los versos allí tallados (os recomiendo que buceéis en la red para ver la disparidad de interpretaciones que existen), lo cierto es que seguimos ignorando cuestiones fundamentales como el tempo al que deben ser interpretados, así como el tipo de acompañamiento e instrumentación que en la época usarían para recitarlos.  

Lo único que pocos cuestionan es que se trata de una breve composición funeraria de corte poética, que trata de transmitir al oyente la importancia de disfrutar de la vida, de vivir cada momento como si fuese único y de ser consciente de la brevedad nuestro paso por este mundo. Así que recordad, carpe diem. 

Ana Lahoz (Departamento de Geografía e Historia)

Vampiros y despojos

Somos aún los pájaros difusos

que rescatan del deshecho del asfalto

frutos desheredados del consumo 

para fabricar sueños.

Somos quizá las aves que en lo oscuro

se alimentan de los rayos de su diosa

que pálidos les pinta sus semblantes

saliendo tal vez de sus embozos negros.

Somos quienes huimos de la luz

y a veces amaneceres perseguimos,

visitando tesoros escondidos

de florecer futuro.

Y volamos unidos y dispersos,

floridas sendas y tortuosos páramos

de los aires confusos del presente,

buscando entre la niebla el arco iris,

el puente que haga inexistente el precipicio

al viajar con la aurora.

(Pedro Vizcaíno)

En estos días cercanos a la Noche de ánimas, a ese encuentro entre la Vida y la Muerte que los celtas llamaron Samhain, o que en numerosos lugares de Aragón conocemos como las Almetas, nos enlazan con numerosas tradiciones como la Santa Compaña gallega, la Güestia asturiana o la Estantigua castellano-leonesa. Nos hablan de que eso que conocemos como Halloween no es un invento 100% estadounidense, sino que por supuesto es descendiente de la ya citada fiesta céltica. Pero no solo la celebración de la Muerte es algo privativo de aquella antigua civilización europea. Sin ir más lejos, en México el vecino del sur de los EEUU, se celebra como Día (o Fiesta) de los Muertos inspirado a buen seguro también en cultos a la Muerte que nos llevarían a mitos aztecas o incluso anteriores.

Esta reseña sin embargo no es un ensayo antropológico, sino sobre Poesía y en este caso, aunque lejanos en el tiempo los versos que encabezan este espacio, son próximos al que suscribe, ya que fueron escritos por él mismo. Remiten a otras épocas, hace ya unas que otras décadas, quizá a un otoño lejano, de aquellos en los que no era raro pasar días frescos y alguna que otra noche o madrugada que helaba las mejillas. Momentos en los que algún piso de alquiler se nutría de auténticos enseres desechados por la abundancia y que convertían en algún caso en objetos mágicos, simples mesillas o lámparas que quizá se transformarían en los protagonistas de un espacio propio. La poética del reciclaje.

No era sin embargo el mero hecho de encontrar dichos objetos, sino esa magia de las horas en las que aquellas figuras estaban casi despiert@s, cuando salían a “tomar la luna” y quizá cual vampiros se acostaban justo antes de que los primeros rayos de sol calentaran la tierra. Odiseas de resonancias valleinclanescas en las que acaso aparecían seres míticos surgidos de alguna oscura callejuela.  Esos momentos fascinantes que al igual que en las Noches de Ánimas l@s muert@s visitan a l@s viv@s, se roza la noche y el día.

Y en mitad de la oscuridad, las incertidumbres económicas, políticas, medioambientales, de aquella época…¿de todas las épocas? Un mensaje de esperanza.

Pedro Vizcaíno (Departamento de Geografía e Historia)     

José  Hierro (Madrid 1922-Madrid 2002).

  Yo recordaba, que hacía muchos años, había asistido a un recital de poesía de José Hierro, en Zaragoza. Rebuscando entre los libros, me aparece “La Revista oral de Poesía”, número 17 de Poesía en el Campus. Todos los años venían varios poetas a Zaragoza, a través de la Universidad e Ibercaja. Las sesiones se realizaban en el Centro de Congresos de este caja de ahorros, en su sede central de San Ignacio de Loyola, de Zaragoza. Teniendo granpredicamento entre los estudiantes de la Facultad de Filosofía y Letras, y entre el público en general, pues generalmente se llenaba la sala de conferencias.

Además había guardado el tríptico, donde se anunciaban las sesiones del curso 1991-1992. Inaguraba Hierro, y le seguían Diego Doncel, Mª Victoria Atienza, Jon Juaristi, y finalizaban con Luis Alberto de Cuenca. El día fue el martes 21 de enero de 1991, a las 19,30 horas. Por lo tanto no me acuerdo del frío zaragozano, pero debió ser durante un permiso, pues estaba acabando de servir a la patria en Jaca.

Se entregaba un librillo, donde aparecían breves artículos de  intelectuales sobre la poética de Pepe Hierro, y se añadía una pequeña antología del autor. Se comenzaba una presentación, y en este caso, para mi sorpresa ésta fuerealizada, por uno de mis profesores de Literatura en la Facultad, Gonzalo Corona Marzol, que luego publicó la “Antología” de José Hierro, en la colección Austral. José Hierro comentó su idea de la poesía, y algunos episodios de su vida. El propio poeta, con su voz radiofónica, leyó algunos  de sus versos. Me impresionó. Luego con el público, se establecía un turno de preguntas con el autor. Admito, que sabía de Hierro, pero no había leído nada. Desde esta sesión, hace treinta y un años, es uno de mis poetas favoritos. 

Dos hechos de su biografía voy a mencionar por su significado. Acabada la Guerra civil, en 1939, es detenido, en una de las visitas a su padre a la cárcel, acusado de pertenecer a una red que ayuda y de pasar información a los presos republicanos. El poema seleccionado: “Canción de cuna para dormir a un preso”, tiene que ver con esta mala experiencia vital. 

En 1981, recibe el primer Premio de las Letras Príncipe de Asturias, y es el encargado de realizar el discurso en nombre de todos los premiados. En su discurso hace un elogio a la democracia y a la cultura. Meses antes había sido el fallido golpe de Estado de Tejero. Fue una gran lección para un príncipe. Este viernes se vuelven a entregar los premios Princesa de Asturias en Oviedo. El discurso de José Hierro para mi, está a la altura del discurso de don Miguel de Unamuno, en Salamanca, aquel de : venceréis, pero no convenceréis”.  Del discurso de Hierro, destaco estas líneas:

“ Las dictaduras ponen la cultura, una sola, la suya, al servicio de su política. Las democracias se ponen al servicio de la cultura, la aceptan como es. En el fondo es una tarea inteligentemente política”.

Poema seleccionado:

  “Canción de cuna para dormir a un preso”.

   La gaviota sobre el pinar.

 (La mar resuena).

Se acerca el sueño. Dormirás,

Soñarás, aunque no lo  quieras.

La gaviota sobre el pinar

goteado todo de estrellas.

Duerme. Ya tienes en tus manos

el azul de la noche inmensa.

No hay más que sombra. Arriba, luna.

Peter Pan por las alamedas.

Sobre ciervos de lomo verde

la niña ciega.

Ya tú eres hombre, ya te duermes,

mi amigo, ea…

Duerme, mi amigo. Vuela un cuervo

sobre la luna, y la degüella.

La mar está cerca de ti,

muerde tus piernas.

No es verdad  que tú seas hombre;

eres un niño que no sueña.

No es verdad que tú hayas sufrido:

Son cuentos tristes que te cuentan.

Duerme. La sombra toda es tuya,

mi amigo, ea…

 Eres un niño que está serio.

Perdió la risa y no la encuentra.

Será que habrá caído al mar,

la habrá comido una ballena.

Duerme, mi amigo, que te acunen

campanillas y panderetas,

flautas de caña de son vago

amanecidas en la niebla.

 No es verdad que te pese el alma.

El alma es aire y humo y seda.

La noche es vasta. Tiene espacios

para volar por donde quieras,

para llegar al alba y ver

las aguas frías que despiertan,

las rocas grises, como el casco

que tú llevabas en la guerra.

La noches es amplia, duerme, amigo ,

mi amigo, ea…

 La noche es bella, está desnuda,

no tiene límites, ni rejas.

No es verdad que tú hayas sufrido,

son cuentos tristes que te cuentan.

Tú eres un niño que está triste,

eres un niño que no sueña.

Y la gaviota está esperando

para venir cuando te duermas.

Duerme, ya tienes en tus manos

el azul de la noche inmensa.

Duerme, mi amigo….

                                          Ya se duerme

Mi amigo, ea …

  Del poemario “Tierra sin nosotros”-1947. José Hierro. (en la Antología poética-1936-1998, de José Hierro, edición de Gonzalo Corona Marzol. Colección Austral, nº 306.Editorial Espasa-Calpe. 2º Edición, Madrid, 1999).

Francisco Javier Murillo Esteban (Profesor del departamento de Geografía e Historia, del Ilustre IES “La Puebla de Alfindén”._Zaragoza-Aragón-España-Europa-Mundo)

«To Autumn» 

by John Keats (1795 – 1821)

Season of mists and mellow fruitfulness

Close bosom-friend of the maturing sun
Conspiring with him how to load and bless
With fruit the vines that round the thatch-eaves run;
To bend with apples the moss’d cottage-trees,
And fill all fruit with ripeness to the core;
To swell the gourd, and plump the hazel shells
With a sweet kernel; to set budding more,
And still more, later flowers for the bees,
Until they think warm days will never cease,

For Summer has o’er-brimm’d their clammy cells.

Who hath not seen thee oft amid thy store?

Sometimes whoever seeks abroad may find
Thee sitting careless on a granary floor,
Thy hair soft-lifted by the winnowing wind;
Or on a half-reap’d furrow sound asleep,
Drows’d with the fume of poppies, while thy hook
Spares the next swath and all its twined flowers:
And sometimes like a gleaner thou dost keep
Steady thy laden head across a brook;
Or by a cider-press, with patient look,

Thou watchest the last oozings hours by hours.

Where are the songs of Spring? Ay, where are they?

Think not of them, thou hast thy music too,-
While barred clouds bloom the soft-dying day,
And touch the stubble-plains with rosy hue;
Then in a wailful choir the small gnats mourn
Among the river sallows, borne aloft
Or sinking as the light wind lives or dies;
And full-grown lambs loud bleat from hilly bourn;
Hedge-crickets sing; and now with treble soft
The red-breast whistles from a garden-croft;

And gathering swallows twitter in the skies.

“Al otoño”

Autor John Keats (1795-1821)

Estación de la bruma y la dulce abundancia,

gran amiga del sol que todo lo madura,
tú que con él planeas cómo dar carga y gozo
de frutos a la vid, bajo el pajizo alero;
cómo doblar los árboles musgosos de las chozas,
con peso de manzanas, y sazonar los frutos.
y henchir la calabaza y rellenar de un dulce
grano las avellanas: cómo abrir más y más
flores tardías para las abejas, y en tanto
crean ya que los cálidos días no acaban nunca,

pues les colmó el estío sus pegajosas celdas.

¿Quién, entre tu abundancia, no te ha visto a menudo?

A veces, el que busque fuera, podrá encontrarte
sentado en un granero, en el suelo, al descuido,
el pelo suavemente alzado por la brisa
algo viva; o dormido, en un surco que a medias
segaron, al aliento de las adormideras,
mientras tu hoz respeta trigo próximo y flores
enlazadas. Y a veces, como una espigadora,
enhiesta la cargada cabeza, un riachuelo
cruzas; o junto a algún lagar de sidra, velas

pacientemente el último fluir, horas y horas.

¿Dónde están las canciones de primavera? ¡Sí! ¿Dónde?

Ni pienses más en ellas, pues ya tienes tu música,
cuando estriadas nubes florecen el suave
morir del día y tiñen de rosa los rastrojos;
entonces el doliente coro de los mosquitos
entre sauces del río se lamenta, elevándose
o bajando, según el soplar de la brisa;
y balan los crecidos corderos en los montes;
canta el grillo en el seto; y ya, con trino blando,
en el jardín cercado, el petirrojo silba

y únense golondrinas, gorjeando, en el cielo.

Chanson d’automne (Paul Verlaine, 1844-1896)

Les sanglots longs
Des violons
De l’automne
Blessent mon cœur
D’une langueur
Monotone.

Tout suffocant
Et blême, quand
Sonne l’heure,
Je me souviens
Des jours anciens
Et je pleure ;

Et je m’en vais
Au vent mauvais
Qui m’emporte
Deçà, delà,
Pareil à la
Feuille morte.

.Canción de Otoño (Paul Verlaine, 1844-1896)

Los largos sollozos
De los violines
Del otoño
Hieren mi corazón
Con monótona
Languidez

Todo sofocante
Y pálido, cuando
Suena la hora,
Yo me acuerdo
De los días de antes
Y lloro

Y me voy
Con el viento malvado
Que me lleva
De acá para allá,
Igual que a la                                                                                                                    

Hoja muerta

Parece que por fin llega el Otoño, después de este veroño, veranillo de San Miguel prolongado, veranillo del membrillo o Indian summer. Estación evocadora donde las haya y en ocasiones quizá más poética… ¿y hermosa que la Primavera? 

Menos dinámica y alegre en buena medida, pero con esa magia de los encendidos rojizos de, los vivos ocres los amarillos lánguidos, la luz de la vida se  transforma. Ya no posee esa viveza lujuriosa de la Primavera, esa savia que sin apenas darnos cuenta espolea las hormonas, pero se introduce sin embargo en nuestra sangre de otra manera, quizá con un hechizo imperceptible.

En este caso he escogido dos poemas que me han resultado significativos de la presente estación del año:

Uno del romántico inglés John Keats, (nacido precisamente en el día de Halloween de 1795) que incluyó en Odas de Keats de 1819 y que surgió tras una caminata en una tarde otoñal que llevó a cabo cerca de Winchester. Tiene un sentido de optimismo dentro de ese gusto inglés de ensalzamiento de lo rural, desde un punto de vista descriptivo, positivo, casi de alabanza de lo abundante, de las imágenes de una rica Inglaterra que ya estaba ofreciendo un modelo productivo al Mundo. Eso, lejos de restarle encanto, colorea todavía más esa descripción que nos sugiere evidentemente una suerte de Locus amenus británico, anticipándose en unas décadas a las imágenes de los pintores prerrafaelitas o que nos recuerda Lejos del mundanal ruido, novela de Tomas Hardy. Ayuda a este hecho, la constante musicalidad y aliteración de los versos que le confieren casi un aire saltarín a la citada descripción.

Algunas interpretaciones del mismo son diversas desde una discusión de  la muerte hasta la crítica a la represión en una manifestación en Manchester. En cualquier caso esa visión casi anacreóntica de la campiña inglesa durante el otoño queda patente. Además hay que destacar que gran parte de la crítica, lo ha considerado uno de los poemas más perfectos de la Literatura inglesa. 

El segundo poema es el del escritor simbolista francés Paul Verlaine. Pertenece a su obra Poemas saturnianos, publicados en 1866. El carácter de este poema, a pesar de centrarse en la misma circunstancia y momento del ciclo natural, es claramente más melancólico. La musicalidad, la aliteración aquí, son también de una intensidad patente, pero en este caso nos llevan, a un sentimiento mucho más desolado. La desazón del poeta se refleja de manera clara en las imágenes que sugiere. Más que descriptivas, se narran aquí las impresiones a modo de sensaciones y recuerdos de Verlaine que a través de la sugerencia de sentimientos, escenas e incluso tonalidades nos transmite un vacío, una soledad y tristeza absolutas.

Bien. Dos propuestas poéticas del mismo siglo, aunque de estéticas y sentimientos distintos para dar la bienvenida al Otoño quizá más anhelado en décadas.

Pedro Vizcaíno (Departamento de Geografía e Historía)

LA ROSA DE LOS VIENTOS

En esta ocasión voy a tratar en nuestra semanal sección de un librito estupendo para todo aquel al que le apetezca acercarse a los más grandes (o, cuan al menos, a algunos de ellos) poetas de nuestras letras. La rosa de los vientos es una popular antología, editada por Vicens-Vives, que, ilustrada por Jesús Gabán, propone textos de Miguel Hernández,Rubén Darío, José de Espronceda, Gustavo Adolfo Bécquer, Ángela Figueroa o Pablo Neruda.

Un recorrido muy ameno y variado, con didáctica vocación (el librito contiene una serie de actividades escolares en su parte final), que sirve tanto para rememorar a algunas de las más clásicas de las plumas como para descubrirlas por vez primera.

Antología para niños, y no tan niños, donde se dan la mano el dramatismo de Lorca y el humor de Gómez de la Serna. Un paseo por la lírica de diversas épocas que, como quien no quiere la cosa, ha acabado convirtiéndose en un pequeño “best seller” de nuestra literatura.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

Emily Dickinson 

(Amherst, Estados Unidos, 1830-1886)

POEM 288 

I´m Nobody! Who are you? 

Are you – Nobody – Too? 

Then there´s a pair of us? 

Don´t tell! They´d advertise – you know! 

How dreary- to be- Somebody! 

How public – like a Frog – 

To tell one´s name – the livelong June

To an admiring Bog!

Yo no soy nadie. ¿Quién eres tú?

¿También eres nadie?

¡Entonces ya somos dos!

¡No lo digas! Lo pregonarían, ya sabes.

¡Qué aburrido ser alguien!

¡Qué ordinario! Estar diciendo tu nombre,

como una rana, todo el mes de junio,

a una charca que te contempla.

Cada vez que pienso en mis años como estudiante universitaria, recuerdo con nostalgia mis clases de literatura inglesa y norteamericana. Siempre he sido más de novela, pero si me preguntas por poesía, se me viene automáticamente a la mente la misma escritora una y otra vez: Emily Dickinson.

¿Por qué ella? Porque era una adelantada a su tiempo. Tan humilde que ni siquiera consideraba su obra de una calidad digna de ser publicada, por lo que su fama llegó de manera póstuma a través de su hermana.  Este poema habla precisamente de esto, del anonimato y del lugar relegado de la mujer en la esfera pública. Pero primero, pongámonos en contexto. 

Emily Elizabeth Dickinson nació en Massachusetts (Estados Unidos) en 1830 y se ha convertido en una de las primeras poetisas reconocidas en la historia a nivel mundial. De la talla de Edgar Allan Poe, Ralph Waldo Emerson y Walt Wiltman, su influencia en la literatura moderna es notable, con temas existenciales relativos al amor, la muerte, la naturaleza, el feminismo o la soledad. De hecho, a mí me gusta llamarla la poeta “de clausura”, ya que parecía sufrir una especie de agorafobia que la mantenía alejada del mundo exterior, confinada en su habitación de manera voluntaria. Así que estudió casi toda su vida en casa, donde se interesó por la belleza de la naturaleza y la astronomía.

Por regla general, los versos de sus poemas son cortos, de estilo coloquial, con rimas consonantes imperfectas y reglas de puntuación de estilo libre. Esto la distinguía de los escritores de su época, que preferían la redundancia y las florituras que versaban sobre la historia, la política, la cultura o la moral. Sin embargo, ella era pasional. Es por esto que en este poema en concreto hace referencia a las pretensiones de estos personajes públicos a los que llama “ranas”, que croan sus nombres propios sin cesar para reafirmar su estatus y son continuamente aplaudidos por una “charca”. 

Me gusta que en este poema, por tanto, Emily celebra ser “nadie”, es decir, anónima. Y ya sabemos que a lo largo de la historia “anónimo” solía ser una mujer. Ella no necesitaba de halagos ni del reconocimiento de nadie para sentirse alguien, y creo que todos nos podemos sentir identificados con este poema en algún momento de nuestras vidas. Y, afortunadamente, leerla nos hace sentir importantes de alguna manera.

Como reza una de sus citas más célebres: “Si puedo evitar que un corazón sufra, no viviré en vano; si puedo aliviar el dolor en una vida, o sanar una herida, o ayudar a un petirrojo desmayado a encontrar su nido, no viviré en vano”. 

Yo, desde luego, me quedo con ese mensaje. 

Si estáis interesados en la vida de esta maravillosa poeta, os recomiendo la película biográfica “Historia de una pasión” (Terence Davies, 2016).  

María Batlle (Departamento de inglés)

POESÍAS CURIOSAS (Primera parte)

En muchas ocasiones, los poetas se divierten jugando con el lenguaje, y se retan unos a otros para ver quién es más creativo. Es entonces cuando componen poemas muy curiosos, a veces estrafalarios, como los que vas a ver hoy y en otra próxima entrega.

JUGANDO CON NÚMEROS

El valor fónico de los números sirve para crear poemas bastante divertidos, como este moderno, de autor anónimo y dedicado a los sastres:

Yo compadezco a los sas 3,
porque de los hombres to 2
no hay otros que de más mo 2
sufran mayores desas  3.

Por eso soy su vo  0,
y si me lo permitié  6
os rogaría que fué  6
también su amigo sin 0.

Siempre humilde fue su c 1
y como viven senta 2
nunca fueron encumbra 2
en hombros de la fort 1.

No hay uno entre 89
que en mil casos repeti 2
no remiende sus vesti 2
y los ajenos re 9.

Y entre ciento no habrá 1
que haya subido a un birl 8
o haya probado un bizc 8
en su frugal desay 1.

No a los sastres acu  6
de sus percances en 1/2,
buscad a su mal re 1/2
y no a infamarlos pa  6.
(…)

El Abate Feria, el fatídico año de 1898, publicó en Zaragoza un librito llamado Aritmética humorística donde aparece este otro poema, criticando a los que especulan en la Bolsa, y que podría haberse escrito hoy:

Nadie en la Bolsa es sin 0

allí abundan los pillas 3

De allí viene el agua 0

que causa tantos desas 3

A pasos acelera 2

el oro sube, par 10

como cuatro y seis son 10

Que estamos empapela 2

jugadores no abu 6

porque el pueblo no está ch 8

y el día que nos can 6

os tragamos cual bizc 8

Bajad el oro bandi 2

mi aviso no es import 1

pues si cerrais los oí 2

no vais a quedar ning 1

Lamentablemente, el número de posibilidades que nos ofrece una rima con números es muy reducido. Será mejor jugar solo con letras y palabras. ¿Será posible hacer también algo sorprendente?

EL MENSAJE OCULTO

Seguro que sabes qué es un acróstico. Como recordarás, consiste en esconder un mensaje que se recupera uniendo la primera letra de cada verso. Lo normal es que oculten el nombre de una persona a la que se ama o se admira. El autor de este poema te resultará muy conocido, y usa las letras iniciales con las que comienzan los versos de cada estrofa para colarnos el nombre de su amada Guiomar:

¡Guay de aquel que nunca atiende

galardón por su servir!

¡Guay de quien jamás entiende

guarescer ya, ni morir!

(…)

Verdadero amor y pena

vuestra belleza me dio,

ventura no me fue buena,

voluntad me cativó;

(…)

Y estos males que he contado,

yo soy el que los espera;

yo soy el desesperado,

yo soy el que desespera;

(…)

¡Oh si aquestas mis pasiones,

oh si la pena en que estó,

oh si mis fuertes prisiones

osase descobrir yo!

(…)

Mostrara una triste vida

muerta ya por su ocasión,

mostrara una gran herida

mortal en el corazón;

(…)

Agora que soy ya suelto,

agora veo que muero;

agora fuese yo vuelto

a ser vuestro prisionero,

(…)

Rabia terrible me aqueja,

rabia mortal me destruye,

rabia que jamás me deja,

rabia que nunca concluye;

(Jorge Manrique)

Ahora que conoces el truco ¿sabrías cómo se llamaba la hermosa dama del siguiente poeta? Como pista, te diré que mires los últimos versos:

Dudo todo el bien que espero,

y si no dudo, sospecho;

nunca me veo satisfecho,

ni sospecho lo que quiero.

Ante que el mal sea venido,

bivo con pena esperando;

el bien escojo dudando,

aunque venga lo que pido.

tanto cuanto más os quiero

requiero menos provecho,

y cuando más satisfecho,

zedo queda lo que espero.

(Puerto Carrero)

A veces, el código “secreto” se oculta un poco más, y podría pasar desapercibido. ¿Ves de arriba abajo el nombre de la Virgen?

COPLA A LAS CINCO LETRAS

DE NUESTRA SEÑORA

La m madre te muestra,

la a te manda adorar,

la r por reina nuestra .

que nos tiene de salvar;

la i porque de Ihesús

ser su madre mereciste,

la a la angustia triste

cuando le viste en la cruz.

  (Vizconde de Altamira)

¿HAY LETRAS QUE SOBRAN?

La querida Gloria Fuertes es famosa por sus ingeniosos juegos de palabras. Aquí reivindica el uso de la -ñ-.

POEMA A LA EÑE

Todo tiene eñe en España.

¡hasta España!

Eñe de coño o cigüeña que nos trae,

eñe la cizaña o la guadaña que nos lleva,

eñe la niña que nos enfría,

eñe la leña que nos calienta.

Eñe la caña con que pescamos,

eñe el paño que nos calienta,

eñe el moño que aún baila jota,

eñe la maña que maña ostenta,

eñe la uña que nos araña,

eñe extremeña.

Eñe de caño de fuente,

eñe de cuña que injerta,

eñe de añicos,

eñe de mierda,

o eñe de niño, que somos todos

los que aún latimos por un poema.  

Ninguna letra es innecesaria. Todas sirven para crear casi infinitos mensajes. ¿A quién se le ocurre que nuestra vistosa –ñ- sea una letra inútil? ¿La campaña será campana, la caña será cana y la cuña será cuna?  ¿Y qué hacemos con el año? Estamos de acuerdo con Gloria Fuertes en que nada sobra, ni palabras ni letras… salvo que lo hagamos jugando.

¿Podemos hacer un poema sin verbos? Sí, si lo intentamos:

DEL AMOR.

Media noche: una calleja

de antigua cepa moruna:

por todo farol, la luna,

y Dios por toda «pareja».

Una ventana, una reja,

detrás de la reja … «alguna»,

y ante la ventana, una

canción trémula de queja …

Otro hombre… una maldición

en la callejuela sola

un grito airado: «¡Traición!»

en la sombra una pistola

y, después, un borbotón

de la gran sangre española.

(Belisario Roldán)

¿QUITAMOS O PONEMOS LETRAS?

Los lipogramas, del griego leípein (= faltar, abandonar) y gramma (= letra), prescinden de una o varias letras del alfabeto y son una tradición literaria que se remonta a los clásicos. El lipograma más antiguo que se conoce es un poema del griego Laso de Hermione (Siglo VI a. C.) titulado «Oda a los Centauros» escrito sin la letra sigma (nuestra –s-). Lamentablemente, solo nos queda el primer verso de su obra.

A lo largo de la historia de la Literatura, los lipogramas han sido muy abundantes (incluso hay letras de rap que usan hoy este recurso), pero no siempre se crearon para jugar. Se cuenta que el poeta alemán del Siglo XVIII, Gottlob Burmann, tenía fobia a la letra «r». Se dice que compuso 130 poemas sin esta letra y que, incluso, evitó usarla en su vida cotidiana.  Como imaginarás, lo pasaba fatal cuando le preguntaban por su apellido. 

Quizá el que llevó al extremo los lipogramas fue el escritor Georges Perec, que con sus amigos del grupo Oulipodecidió dedicarse en cuerpo y alma a crear una obra maestra capaz de revolucionar la literatura del siglo XX. Perec acabó escribiendo en 1969 ‘La disparition’, una novela de 297.000 caracteres en la que no empleaba ni una sola –e-. Lo normal en un texto francés de esta extensión es que hubiera aparecido al menos 50.000 veces. 

En castellano, tenemos también muchos ejemplos, como estos poemas de Sebastián Gómez Arrojo en los que se propuso no usar la –u- (el segundo, además, solo usa palabras monosilábicas):

EN LA TUMBA DE SU HERMANO 

Reconcentrando en él mi pensamiento,

mirándole – sin verle – como ansío,

con los ojos del alma, en el vacío,

padece la razón feliz tormento.

Bajo marmórea losa, latir siento

del joven y formal hermano mío

el triste corazón, ¡oh desvarío!,

y en balde lloro allí con noble intento.

Tal piedra, de la fe da idea clara

y al calor de mi ser, del bien celosa,

cada vez más se enfría y más me azara;

pero acaso volviérase ardorosa

al frío de mi ser, si yo lograra

el honor de morar bajo esa losa.

FE Y PAZ                        

A ver de Dios la faz

yo voy con fe sin Fe,

mas ir en son de paz

si voy con Paz no sé.

Fe y Paz sin ton ni son

dan el Don por el din … 

no ven el «fin» del don…

y le dan con mal fin. 

– Con Paz, sin pan, no hay fe;

con Fe no hay paz sin pan,

mas en paz, bien se ve,

tras de mí con fe van.

Paz y Fe son laidos …

la paz a Fe yo di;

por Fe, de paz en pos,

a Paz, sin fe la vi.

Mal y bien, ras en ras,

yo no soy de gran ver;

la Fe y la Paz son más …

¡son el ser de mi ser!

En 1990 se publicó una traducción al castellano con el título de “El secuestro” de la novela de Perec; para equilibrar la dificultad, los traductores decidieron en este caso no usar la letra –a- (muy frecuente en nuestro idioma). Recibieron el premio Stendhal por su descomunal trabajo.

Quizá para compensar, Perec publicó en 1972 ‘Les revenentes’, usando solo la tetra –e-, a la que había castigado en ‘La disparition’. Aquí tenemos un poema en castellano al que se le han quitado también todas las vocales, salvo una:

VÍCTIMA DE UN AMOR CORTESANO

VE EL POETA EN LA PAZ DEL CAMPO

EL REMEDIO DE SUS MALES                 

Amada, abrasa las cansadas alas

alzadas a la blanca paz astral;

¡para ya, falsa dama tan fatal!

¡ya bastan las mal dadas alcabalas!

Allá, alma, hallarás albas zagalas,

castas para amparadas tras fanal;

las anchas llagas las harán panal,

arrancarán las bajas plantas malas.

Clara cascada apagará la llama;

al alba cantarás baladas vagas;

grata cama dará la blanda grama …

Amada paz, al alma ya la halagas;

mas dála llamas, mal, las anchas llagas …

¡la faz ablanda la malvada dama!

HOY ME HE LEVANTADO CON GANAS DE CONSONANTES

Llamamos tautograma (del griego «to autó»= lo mismo y «gramma»= escrito, letra) a un texto compuesto por palabras que comienzan todas con la misma letra. Por ejemplo: «mi mamá me mima mucho». Es decir, podemos definir los tautogramas como: «prosa producida por palabras por principio parecidas».

El siguiente soneto de Quevedo es un tautograma cuyas palabras empiezan todas por la misma letra, e igual sucede con los dos siguientes poemas: 

«Antes alegre andaba; agora apenas

alcanzo alivio, ardiendo aprisionado;

armas a Antardra aumento acobardado;

aire abrazo, agua aprieto, aplico arenas.

Al áspid adormido, a las amenas

ascuas acerco atrevimiento alado;

alabanzas acuerdo al aclamado

aspecto aquien admira antigua Atenas.

Agora, amenazándome atrevido,

Amor aprieta aprisa arcos, aljaba;

aguardo al arrogante agradecido.

Apunta airado; alfin, amando, acaba

aqueste amante al árbol alto asido,

adonde alegre, ardiendo, antes amaba

                        (Francisco de Quevedo)

Sonia, sensual, serena

Sonia sonreía satisfecha,

soñaba sentada sobre su sillón,

sentía sueño,

sobrevolaban Suecia,

sus sentimientos seguían serenos,

saboreaba su suerte,

sería su semana soñada…

(Francisco J. Briz)

Manolo mío:

Mi madrileño marchoso,

maduro melocotón maleable

macedonia mascaré mañana,

mortadela moscatel mío.

Madrugaré maestro

–me manipulas–,

Manolo, macho mío,

mándote majuelas, magnolias

maíz, mijo,

–me matas, majo–. 

                                  (Gloria Fuertes)

Lo normal, dada la extraña y forzada pronunciación que produce este fenómeno, es que se use para poemas satíricos, como los siguientes:

PARA PACA                                                 

Puedes, Paca, pasar por perdularia,

por panadera puerca, perezosa;

¿pero pintada parecer preciosa?

¡pena perdida! ¡presunción precaria!

¿Prevalecer pretendes, pobre paria,

pasando por persona poderosa,

por poder pavonearte polvorosa?

Pagáraslo por pena pecuniaria.

Pálidos polvos, pérfidas pinturas,

piden, por previsión, platinas placas,

pues pocos prestan por piedades puras;

¿pero podrás pensar pedir patacas,

pasar percances, padecer premuras,

por presentar pintarrajadas Pacas?

(Aurelio Berro) 

PARA PEPE                                       

Puedes, Pepe, pedir perfectamente

por pura precisión pelo prestado,

pudiendo, presumido, por peinado

ponerte perifollos propiamente.

Para pedir, ¡pardiez!, precisamente

parécesme, Pepín, predestinado;

pero para pagar, ¡pobre pelado!,

precisa perdonar pacientemente.

Piensas poder pasar por poderoso

perfecto personaje, pero… pero … 

pareces, pobre Pepe, perezoso,

panzudo, patizambo, posadero,

petimetre, pacífico, precioso,

propio para pictórico pandero.

(Carmen Foraster)

Si lees las revistas del corazón, o todavía no has bloqueado –como han hecho miles de españoles- cierta cadena de televisión, te resultarán curiosas las reacciones que los últimos acontecimientos han suscitado acerca de este personaje de interés en sus seguidores más fervientes:

SHAKIRA

Señoras, señores, sabrán sucesos sobre señorita solista serenatera, símbolo sudamericano, sentada solio soberano, situada sobre similares soneros, su seudónimo significa “sobrehumana salerosa”, su ser sideral suele sumergirse, surgiendo suites. Sinsonte sin sombra.

“Sortilegio” sería su simiente, señalando su sino. Susodicha sardina solía solfear “sin sandalias”, soñando ser sensación sin sinónimo. Sería “sorda, sonsa, sin sentidos”, según su segundo sencillo, siguió sorteando sequías, soportando sinsabores, superando soledades, sacrificando sentimientos, sobrepasó saboteadores, subestimada sepultó satíricos sensacionalistas, situándose sin sonrojo sobre suelo sajón, superando spanglish, su señal suena siempre semejando Santana, Sting, Springsteen, seduciendo sexy sin silicona, sudando simpatía. Sus shows son soberbios, sobretodo su sacudida sahariana: siendo suave, siendo sísmica (Sultán sueña secuestrarla, sometiéndola su séquito), sublimando su suporte sarraceno. Seduce sitios sin suministrar salvoconducto.

(…)

Sin stress, sigue sencilla, sin sonrojos. Sony, su sello, supo sacar su “Sanitario Servicio” situándolo sonotecas; seguro su salario subió. Suegro sureño suspiraba sonriendo, semblante satisfecho suponiendo suculenta suma, su sustento se salvó. Sabiamente superó semejante situación, saliendo suertudo sobrio seleccionado Spain. Sentó seso santificando sociedad Salsa-Piqué, sumando sonrisas semillita, simiente señalado San Siro.

(…)

Sobra subrayar sus suficientes señales: Sesera sedosa, simpática sonrisa, silueta silfidina, suscita silbidos silencia silbatinas. Su sendero sólo señala satisfacciones. Sencillo “Suplicio” sincronizado solista Sáenz, singular sinfonía, siguió suceso similar “Sentaderas sin sandeces”. Su soundtrack “Saludo/Salida”, superó sobradamente sentimental serie sobre senil solterón suspirante, superviviente sarampión supremo. Sudáfrica sucumbió “Sale Sol” su sonido saliente sacudió Sitio Su-toube, saturó su servicio.

Seduce su solidaridad social. Shakira: sigue sumando saber sensible, sembrando semifusas, saltando suites, siguiendo sugerencias sensatas, sorteando sapos, serpientes, sabandijas. Saeta sibilina sobrepasará similares, subyugando siglo, siendo sensacional. Suerte sirena.

Su seguro servidor,

(Sdixon Sacosta Smedellín)

(Continuará)

Miguel Ángel Aragüés (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

El futuro (Julio Cortázar)

Y sé muy bien que no estarás.

No estarás en la calle, en el murmullo que brota de noche

de los postes de alumbrado, ni en el gesto

de elegir el menú, ni en la sonrisa

que alivia los completos de los subtes,

ni en los libros prestados ni en el hasta mañana.

No estarás en mis sueños,

en el destino original de mis palabras,

ni en una cifra telefónica estarás

o en el color de un par de guantes o una blusa.

Me enojaré amor mío, sin que sea por ti,

y compraré bombones pero no para ti,

me pararé en la esquina a la que no vendrás,

y diré las palabras que se dicen

y comeré las cosas que se comen

y soñaré las cosas que se sueñan

y sé muy bien que no estarás,

ni aquí adentro, la cárcel donde aún te retengo,

ni allí fuera, este río de calles y de puentes.

No estarás para nada, no serás ni recuerdo,

y cuando piense en ti pensaré un pensamiento

que oscuramente trata de acordarse de ti.

Julio Florencio Cortázar nació en Ixelles el 26 de agosto de 1914, fue un escritor y traductor argentino; este último oficio lo desempeñó para la Unesco y varias editoriales. ​ Sin renunciar a su nacionalidad argentina, optó por la francesa en 1981, en protesta contra la dictadura militar en su país, ​ que lo persiguió y prohibió y que él denunció a la prensa internacional desde su residencia en París.

Considerado uno de los autores más innovadores y originales de su tiempo, fue maestro del cuento, la prosa poética y la narración breve en general. Fue también creador de importantes novelas, las cuales inauguraron una nueva forma de hacer literatura en el mundo hispano, pues rompieron los moldes clásicos mediante narraciones que escapan de la linealidad temporal. Debido a los contenidos de su obra, que transitan en la frontera entre lo real y lo fantástico, Cortázar suele ser relacionado con el realismo mágico e incluso con el surrealismo. Además, es catalogado como uno de los exponentes centrales del boom latinoamericano, junto a otros escritores de renombre, entre ellos, los premio Nobel de literatura: Gabriel García Márquez y Mario Vargas Llosa, y los ganadores del Premio Cervantes, Carlos Fuentes y Cristina Peri Rossi. 

Vivió hasta los cuatro años en Bélgica, Suiza y España. Tiempo después, su familia volvió a Argentina, donde Cortázar residiría hasta 1951, año en el cual se estableció en Francia, país que sirvió a la ambientación de algunas de sus obras y donde vivió el resto de su vida. Visitó por última vez su país el 12 de diciembre de 1983, después de la vuelta a la democracia. ​ El 12 de enero de 1984 volvió a París, donde murió exactamente un mes después debido a una 

En cuanto a este poema, “El Futuro”, vemos cómo Cortázar trata dos temas imprescindibles de la literatura: la pérdida del amor, o de una relación amorosa, y el tiempo como forma de curar las heridas que esta pérdida ocasiona. Todo ello a través de 35 versos irregulares, que podemos ver cómo se dividen en tres partes bien diferenciadas.

Al principio del poema el autor se dirige directamente a esa persona que ya no está junto a él, esa persona ha desaparecido, no sabemos muy bien si por desamor o por la muerte, pero queda clara la sensación de angustia del poeta porque ya no está junto a él recordando varias de las situaciones cotidianas que solían hacer juntos y ya no volverán a tener lugar. Empieza por tanto hablando por y para ella, para después reflexionar sobre cómo será su vida sin esa persona y reconociendo, al final, que aunque le costará acostumbrarse a esa nueva situación sentimental, lo hará, seguirá adelante, porque si algo podemos tener claro es que el tiempo todo lo cura.

Plagado de recursos literarios, metáforas, paralelismos, anáforas, Cortázar, nos demuestra, que pese al dolor más profundo que podamos sentir en un instante, el del desamor, el de no saber cómo seguir la vida sin ella, el tiempo todo lo devora, así hará que desaparezca esa angustia, ese recuerdo, que se volverá tan oscuro y tan lejano, que llegará un momento en que no recordará, y en ese instante, cuando la olvide, volverá la paz y la felicidad para él.

Quedémonos con la idea principal, lo podremos pasar mal por amor, por la ausencia de él, pero así como la vida no es eterna, tampoco lo es esta amarga sensación, como decía Goethe, todo, también lo malo, se acaba, y cuando se acaba equivale a la nada, al olvido, y en este caso a la felicidad.

Marimar Castro Giménez (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

De alguna manera (Luis Eduardo Aute)

Me faltan las fuerzas,
ha sido muy tarde…
y nada más… nada más,
apenas nada más.
Las noches te acercan
y enredas el aire,
mis labios se secan
e intento besarte.
Qué fría es la cera
de un beso de nadie…
y nada más… nada más,
apenas nada más.
Las horas de piedra
parecen cansarse,
y el tiempo se peina
con gesto de amante.
De alguna manera
tendré que olvidarte…
y nada más… nada más,
apenas nada más.

La otra noche, paseando por Instagram, me encontré con este precioso poema de Luis Eduardo Aute.
Aute nació en Manila (Islas Filipinas), en 1943. Su primer contacto con la música fue en 1960. Integró el grupo Los Tigres y compuso para la cantante Massiel canciones con un marcado tono de protesta. Comenzó a grabar algunos discos, actividad que compaginaba con la pintura. En 1975 aparece su primer libro de poesía, «La matemática del espejo». En 1980 comenzó a dedicarse a componer música con mayor riqueza instrumental. Joan Manuel Serrat, Marisol y Teddy Bautista también figuran entre los artistas para los que ha trabajado. Igualmente ha compuesto la música de numerosas películas y obras teatrales. Como artista plástico ha expuesto sus obras en importantes ferias internacionales como ARCO (Madrid) y la Bienal de París. Fallece en Madrid, en 2020.

Respecto al poema, a la canción, Luis Eduardo Aute publicó esta canción en el año 1973 en un disco icónico llamado Rito. Años después, en el año 2000, unos amigos se juntan para un compilatorio en tributo al cantautor llamado Mira que eres canalla, Aute. De ese disco, la voz de Joan Manuel Serrat susurra y lamenta que de alguna manera tendré que olvidarte. Versión definitiva para un tema que escucharemos siempre en nuestra soledad, en nuestro lamento de hombre… y nada más.

Su temática… quién no ha estado enamorado pero ha sabido que no es lo que más le conviene, quién no ha sabido que tiene que olvidar a alguien, por su bien, por su salud, por su bienestar, quién no ha recordado por la noche ese beso que no debería o podrá volver a dar, quién no ha visto cómo el tiempo se eterniza a la hora de tener que tomar una difícil decisión.

Es difícil no poner la mente en modo recuerdo, al son de la rima, de la música si la escuchamos, echando un vistazo atrás, a nuestra memoria, a nuestro presente, a nuestro futuro, a ese amor que está, estuvo o estará, pero algún día puede que tenga que olvidar de alguna manera, y nada más.

Es más que conocida la versión que Serrat hizo cantando esta canción, aquí el enlace al video donde podéis disfrutarla: https://www.youtube.com/watch?v=7RKVTCok2Sg

Marimar Castro (Departamento de Lengua Castellana)

LEÓN FELIPE- VENCIDOS… DEL POEMARIO “ VERSOS Y ORACIONES DE CAMINANTE”- 1920.

VENCIDOS.

“Por la manchega llanura
se vuelve a ver la figura
de Don Quijote pasar…

Y ahora ociosa y abollada va en el rucio la armadura,
Y va ocioso el caballero, sin peto y sin espaldar…
va cargado de amargura…
qué allá encontró sepultura
su amoroso batallar…
va cargado de amargura…
que allá “quedó su ventura”
en la playa de Barcino, frente al mar…

Por la manchega llanura
se vuelve a ver la figura
de Don Quijote pasar…
va cargado de amargura…
va , vencido, el caballero de retorno a su lugar.

Cuántas veces Don Quijote, por esa misma llanura
en horas de desaliento así te miro pasar…
y cuántas veces te grito: Hazme un sitio en tu montura
y llévame a tu lugar:
hazme un sitio en tu montura
caballero derrotado,
hazme un sitio en tu montura
que yo también voy cargado
de amargura
y no puedo batallar.
Ponme a la grupa contigo,
caballero del honor,
ponme a la grupa contigo
y llévame a ser contigo
pastor…

Por la manchega llanura
se vuelve a ver la figura
de Don Quijote pasar…

León Felipe. Versos y oraciones de caminante—1920.

Ya no sé si a León Felipe lo leen en las escuelas, si se siguen editando sus libros o si en las facultades de “hispánicas” los alumnos lo estudian. Yo descubrí a León Felipe, en un libro de 1º de BUP, de tapas azules de Lengua Castellana, escrito por Lázaro Carreter (entonces director de la Real Academia de la Lengua), y Vicente Tusón. La editorial era Anaya. Al final de cada tema había un comentario de texto, sin orden cronológico de fragmentos de autores españoles del siglo XX: Delibes, Cela, Pío Baroja y su elogio al “tiovivo”, un fragmento de “Réquiem por un campesino español”, de Ramón. J. Sender… En uno de estos apartados estaba un poema de León Felipe, que si no recuerdo mal, unos de sus versos era “todo para el gusano de la tierra, nada para”… León Felipe, escribió estrofas libres de métrica, que sonaban bien. Podíamos soñar con ser poetas, sin medir versos.

Era 1980, y en los bachilleratos se leía y recuperaba a los poetas arrinconados por el franquismo: Antonio Machado, Miguel Hernández, Lorca, Alberti, y León Felipe. La editorial Espasa-Calpe editaba a precios asequibles antologías de Antonio Machado, en su colección Selecciones Austral, que hacía el número uno. El veinticinco de esta colección, era la “Obra poética escogida”, de León Felipe, con prólogo y selección del gran poeta del 27, Gerardo Diego.

Rebusco en mi biblioteca, y la encuentro. Yo la compré, con gran esfuerzo económico en septiembre de 1983, cuando comenzaba el C.O.U, el equivalente a 2º de bachillerato, y estaba matriculado, como debería sercrespecto de todo el alumnado de Humanidades y Sociales, en una asignatura que era “Literatura española y universal del siglo XX”. En las sucesivas reformas educativas, que han dado para mucho, hubiera sido tan fácil como añadir “ y del XXI”, porque el tiempo pasa.

La buena costumbre de muchas librerías de poner una etiqueta me recuerda que la compré en la “Librería Pérez”, en la calle de Cinegio, número cinco, es decir, en pleno “Tubo “ zaragozano. Hoy en el solar de esta librería, donde comprábamos tebeos de segunda mano y libros de oferta, está la terraza del café-cantante del Plata.

León Felipe, es un poeta, un personaje desde su nacimiento errante, bohemio y humilde. Nace en 1884, en el pueblo zamorano de Tábara, en plena ruta de la Plata, hacia Santiago, tocando las estribaciones de la sierra de la Culebra, reducto de los últimos lobos ibéricos salvajes. La notaría de su padre le lleva a vivir por varios pueblos españoles. Su oficio de farmacéutico le obliga a itinerar, incluso a estar destinado a la colonia africana de Guinea Ecuatorial. Por deudas pasa una temporada en la cárcel. Antes de la Guerra civil, se casa y es profesor de literatura española en varias universidades de América. Regresa a España, para apoyar la causa republicana. La dictadura franquista le hace convertirse en un “símbolo de los intelectuales exiliados en Méjico. Su obsesión es volver a España. Cuando estaba listo el viaje, fallece en la tierra hermana mejicana en 1968.

Entra en contacto, con los poetas contemporáneos de su época: Machado, Juan Ramón Jiménez, Gerardo Diego. Conoce a Lorca en Nueva York…Pero no forma parte de generación literaria, ni de grupo poético. Es libre.

Los primeros títulos de sus obras, nos recuerdan a las influencias de Antonio Machado y Unamuno: “Versos y oraciones de caminante”. Otros a su estancia neoyorkina, “Drop a star”. Más adelante, el abandono obligado de la patria, el desarraigo, y su manifiesta ideología republicana se reflejan en los poemarios ,“Español del éxodo y del llanto” o “Llamadme publicano”. El paso del tiempo, la vejez y la enfermedad en una de sus últimas publicaciones: “¡Oh, ese viejo y roto violín!”.

Los grandes cantautores se fijan en el mensaje de León Felipe, y los encajan con sus melodías. El disco más redondo de Serrat, “Mediterráneo”, incluye como última canción, la versión musicada del poema “Vencidos”, que aquí reseñamos. Paco Ibáñez, reivindicador de la poesía española de todos los tiempos, versiona otros cuatro poemas de León Felipe: “Como tú”, “Sé todos los cuentos”, “Parábola”, y quizás la más cantada “Ya no hay locos”, alusiva al gran loco- cuerdo universal, Don Quijote.

Lean al León Felipe, seudónimo de Felipe Camino Galicia, y escuchen las versiones de Paco Ibáñez y Joan Manuel Serrat. Buen verano.

Francisco Javier Murillo Esteban (Departamento de Geografía e Historia)

Tú me quieres blanca, de Alfonsina Storni

Tú me quieres alba,
me quieres de espumas,
me quieres de nácar.
Que sea azucena
Sobre todas, casta.
De perfume tenue.
Corola cerrada.

Ni un rayo de luna
filtrado me haya.
Ni una margarita
se diga mi hermana.
Tú me quieres nívea,
tú me quieres blanca,
tú me quieres alba.

Tú que hubiste todas
las copas a mano,
de frutos y mieles
los labios morados.
Tú que en el banquete
cubierto de pámpanos
dejaste las carnes
festejando a Baco.
Tú que en los jardines
negros del Engaño
vestido de rojo
corriste al Estrago.

Tú que el esqueleto
conservas intacto
no sé todavía
por cuáles milagros,
me pretendes blanca
(Dios te lo perdone),
me pretendes casta
(Dios te lo perdone),
¡me pretendes alba!

Huye hacia los bosques,
vete a la montaña;
límpiate la boca;
vive en las cabañas;
toca con las manos
la tierra mojada;
alimenta el cuerpo
con raíz amarga;
bebe de las rocas;
duerme sobre escarcha;
renueva tejidos
con salitre y agua:

Habla con los pájaros
y lévate al alba.
Y cuando las carnes
te sean tornadas,
y cuando hayas puesto
en ellas el alma
que por las alcobas
se quedó enredada,
entonces, buen hombre,
preténdeme blanca,
preténdeme nívea,
preténdeme casta.

La autora de esta poesía es Alfonsina Storni (Capriasca, 29 de mayo de 1892-Mar del Plata, 25 de octubre de 1938), una suiza afincada en Argentina que destaca pronto en el panorama literario hispanoamericano por su decidida actitud feminista y provocadora. Profesora (aunque antes también operaria de fábrica, y camarera, y cajera de farmacia, y actriz, y cantante en cantinas de dudosa reputación…), madre soltera y reivindicativa, llamó la atención por sus primeros poemas, recogidos en La inquietud del rosal, en una edición que hubo de encargar a su costa, aunque no llegó a reunir el dinero para pagar.

Sus primeros poemas fueron recibidos entre el desinterés y las críticas de los conservadores, entre otras cosas porque era una relativa desconocida con ideas novedosas y afín a los movimientos de izquierda de trabajadores; pero también había algo en Alfonsina Storni que provocó elogios y defensas encendidas de los gurús del momento: Amado Nervo y José Enrique Rodó la acogieron ya desde un principio sin reservas, aclamándola como una de las voces poéticas más frescas del nuevo panorama poético.

En nuestra poesía de la semana, con un lenguaje reconocible modernista, Alfonsina recrimina al hombre -como género, por supuesto- de su tiempo que exija la pureza y la castidad a la mujer, mientras él disfruta de una vida disoluta. El tema no es nuevo, y (aunque con un tono distinto) recuerda las famosas redondillas de Sor Juana:

Hombres necios que acusáis
a la mujer sin razón
sin ver que sois la ocasión
de lo mismo que culpáis:
si con ansia sin igual
solicitáis su desdén
¿por qué queréis que obren bien
si las incitáis al mal?

Pero Alfonsina Storni escribe desde el agitado comienzo del siglo XX, y también las reivindicaciones femeninas ya son otras. Como decimos, el estilo es de un modernismo muy clásico, comenzando con la sarta típica de elementos naturales asociados a la pureza: espuma, nácar, azucena, corola, rayo de luna, margarita, y sus adjetivos asociados: casta, tenue, cerrada, nívea, blanca y alba.

Como contraste, describe el comportamiento disoluto del hombre, asociado a los conceptos copas, frutos, mieles, labios, banquete, pámpanos, carne, jardines de Baco…, como estampas de lujuria desenfrenada, y coronando con ese “vestido de rojo” en los “jardines negros del engaño”. Esta actitud rebelde no es ya la de sor Juana (“no nos reprochéis”); es más bien un grito liberador: “trata de sufrir como sufre una mujer”.

Así, con mezcla de reproche y reto, propone al hombre que sufra en sus propias carnes los rigores que exige para la mujer:

Huye hacia los bosques,
vete a la montaña;
límpiate la boca;
vive en las cabañas;
toca con las manos
la tierra mojada;
alimenta el cuerpo
con raíz amarga;
bebe de las rocas;
duerme sobre escarcha;
renueva tejidos
con salitre y agua.

La mujer del siglo XX, independiente e igualitaria, ya no se conforma con no ser insultada. Se siente segura de sí misma, y en ocasiones, superior a su pareja. Muchos otros poemas ya ofrecen esta visión radicalmente nueva, de la que Alfonsina Storni es precursora. Se recurre al mismo tema en otros poemas como por ejemplo Siglo XX, “Veinte siglos” o “Un hombre pequeñito”.

Veinte siglos

Para decirte, amor, que te deseo,
sin los rubores falsos del instinto.
Estuve atada como Prometeo,
pero una tarde me salí del cinto.

Son veinte siglos que movió mi mano
para poder decirte sin rubores:
«Que la luz edifique mis amores».
¡Son veinte siglos los que alzo mi mano!

Pasan las flechas sobre mis cabellos,
pasan las flechas, aguzados dardos…
¡Son veinte siglos de terribles fardos!
Sentí su peso al libertarme de ellos.

Hombre pequeñito

Hombre pequeñito, hombre pequeñito,
Suelta a tu canario que quiere volar…
Yo soy el canario, hombre pequeñito,
Déjame saltar.

Estuve en tu jaula, hombre pequeñito,
Hombre pequeñito que jaula me das.
Digo pequeñito porque no me entiendes,
Ni me entenderás.

Tampoco te entiendo, pero mientras tanto
Ábreme la jaula que quiero escapar;
Hombre pequeñito, te amé media hora,
No me pidas más.

Sor Juana, en el poema que hemos citado más arriba, también le había reprochado al hombre de su tiempo la infantilidad de sus comportamientos contradictorios, absurdos:

Parecer quiere el denuedo
de vuestro parecer loco
al niño que pone el coco
y luego le tiene miedo.

Rebelde e inconformista hasta el final de sus días, apelando a su libre albedrío, decidió quitarse la vida antes que soportar los dolores de una enfermedad que le habían diagnosticado erróneamente como terminal. En homenaje a su gran amigo Horacio Quiroga, que también se suicidó, escribió estos versos:

Morir como tú, Horacio, en tus cabales,
Y así como en tus cuentos, no está mal;
Un rayo a tiempo y se acabó la feria…

Allá dirán.
Más pudre el miedo, Horacio, que la muerte
Que a las espaldas va.
Bebiste bien, que luego sonreías…
Allá dirán.

El 25 de octubre de 1938, Alfonsina Storni dejó su hotel de madrugada dejando en su cuarto una escueta nota de su puño y letra: “Voy a dormir”. Llegó hasta el Club Argentino de Mujeres y se arrojó al mar desde las escolleras.

Otros más románticos dan otra versión de su muerte. Yo prefiero pensar que se adentró lentamente en el mar desde la orilla, hasta que desapareció, como reza la famosa canción de Mercedes Sosa Alfonsina y el mar. ¿Por qué no? Su compositor es el argentino Ariel Ramírez, y a él oyó el relato de su muerte de su propio padre, alumno de Alfonsina.

Por la blanda arena que lame el mar
Su pequeña huella no vuelve más
Un sendero solo de pena y silencio llegó
Hasta el agua profunda
Un sendero solo de penas mudas llegó
Hasta la espuma.

Miguel Ángel Aragüés (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

Me agrada un cementerio

de muertos bien relleno,

manando sangre y cieno

que impida el respirar,

y allí un sepulturero

de tétrica mirada

con mano despiadada

los cráneos machacar.

Esta semana os ofrecemos un fragmento de La desesperación, poema atribuido a don José de Espronceda.

En la Historia de la Literatura, la muerte ha sido un tema estrella (tal que ocurre en el resto de las artes), que ha recibido tratamientos de lo más diversos. Así, por ejemplo, Gilgamesh la enfrenta en su célebre epopeya, bajando a los infiernos con la idea de rescatar a su amigo Enkidu, como si el terrible final de toda vida fuera una anécdota de la que cualquier héroe pudiera burlarse; Jorge Manrique, por su parte, dio una visión religiosa y cristiana de la misma, poniendo en boca de su padre, don Rodrigo, la aceptación placentera de la misma; y podríamos seguir elaborando una lista interminable hablando de planteamientos existencialistas, sobrenaturales, jocosos…

La muerte esta ahí, a la vuelta de la esquina, dispuesta a asaltarnos cuando menos nos lo esperemos. Convivimos con ella, queramos o no, diariamente y, de hecho, en una ciudad como la mía, Zaragoza, siempre me ha llamado la atención que el cementerio se ubique junto al parque de atracciones, como si formaran parte de la misma fiesta.

No en vano, hubo quienes le vieron el lado lúdico a los cementerios, quienes entendieron que el locus amoenus no tenía por qué ser un plácido lugar, bañado por los radiantes rayos del sol, de aguas tranquilas y frondosa y fresca naturaleza. A los Románticos les gustaban los sitios “raros”, ténebres, escabrosos. De ahí que escribieran, por ejemplo, novelas terribles como El monje, Frankenstein o El doncel de don Enrique el Doliente, donde lo críptico, lo feérico y lo mortuorio tenían una presencia tan importante como la del curioso poema que hoy hemos elegido, un fragmento de La desesperación, como ya os he indicado, anónimo, aunque en ocasiones atribuido a José de Espronceda.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

VEREMUNDO MÉNDEZ COARASA, el clásico de los poetas en lengua aragonesa.

FRAGMENTO DE SU POEMA “Las flamas del fogaril”,

LAS FLAMAS DEL FOGARIL (Las llamas del hogar).

Una nuey recién cenáus
mirando las flamas yeran
prexinando cada cual
u pensando a su manera,
rodiando lo fogaril,
toda una familia entera,
em aquella nuey d’ivierno
que l’ausín chiflaba fuera,
chelando a la nieu que empliba
los telláus y las carreras.

Yeran bien aposentáus
en dreita y zurda cadiera,
y, cara a cara lo fuego,
bellos en escamilletas
escuitando que, lo güelo,
fablaba d’estas maneras:
A mí porque ya so viello,
Muita vida no me’en queda
pero a estos fogarils
y polidas chamineras
que por cientos las añadas
todas u cuasi todas las cuentan,
a morir son condenadas,
como yo, por estar viellas.

La vida que va trayendo
con lo tiempo cosas nuevas
fa aquí, como en otros puestos,
que muitas cosas se pierdan:
levan calzons cuatro viellos,
ya se’en fueron las gorgueras,
rondas no’n sienten dinguna…
¡ lo tañer ye una fatera!
bailar la jota, ¡soniando!
ixo antis mas diz que feban.
Albadas y palotiáus
romances y sobremesas
iz que cien años ta zaga
aquí’n lo lugar bin-n-heba.

Ya no tartié más lo güelo,
miré lo fuego que ardeba
y lo altas que puyaban
las flamas la nuey aquella.
Poco a poco se apagueron
Como si s’hasen dau cuenta
de lo que d’ellas fablaba
y s’hesen muerto de pena.

Publicado en su antología “Añada en la Val D’Echo”. Institución Fernando el Católico. Zaragoza. 1979. Por primera vez se publicó en 1959, en la “Revista Argensola”, editada por el Instituto de Estudios Altoaragoneses en Huesca.

Veremundo Méndez Coarasa, nace en uno de los pueblos más bonitos y mejor conservados del Pirineo aragonés, en la villa de Echo en 1897, y fallece en la misma localidad en 1968. Maestro de escuela de formación, no ejerce, y durante casi toda su vida trabaja en labores administrativas en el ayuntamiento de su localidad natal.

Sin grandes sobresaltos vitales, su tiempo transcurre entre su trabajo y su afición a componer poemas en su lengua materna aragonesa, el cheso. Echo es una de las localidades que hasta ahora ha mantenido más viva el uso de su lengua vernácula.. También , una de las localidades con más escritos y escritores en aragonés. Junto a Veremundo Méndez, el que fuera catedrático de la Universidad de Zaragoza, el insigne Domingo Miral, con obras de teatro en aragonés cheso, y además muy amigo de don Méndez Coarasa. Se suman los contemporáneos, Emilio Gastón, Chusé Coarasa, o las poetisas Rosario Ustáriz y Victoria Nicolás. Durante años mantuvo un prestigioso premio literario para obras en aragonés, el Premio “Bal d’Echo”.

Veremundo Méndez no es un escritor aislado, mantiene contactos, antes de la Guerra Civil, con el filólogo alemán Alwin Kuhn. Es amigo del catedrático Domingo Miral, y se le nombra consejero de la Institución Fernando el Católico, y académico de la Real Academia y Bellas Artes de San Luis, que no es asunto baladí. En vida se le reconoce su labor de recuperación de una lengua en retroceso, y en la zona de la Jacetania tiene numerosos homenajes. Durante muchos años es el encargado de escribir el pregón de las fiestas locales en cheso.

En vida, sus escritos aparecen sueltos en revistas, periódicos, programas de fiestas. Diez años después de su muerte, se imprime por parte de la Institución Fernando el Católico, una breve antología, un poema por cada mes del año, titulado “Añada’n en la Val D’Echo”, y veinte años más tarde la misma editorial publica un “intento”, de obra completa extensa, pero que se deja trabajos que luego han aparecido, titulada “Los míos recuerdos”. Los estudiosos del aragonés, hablan de nuestro poeta, como uno de los más extensos, con cerca de 18.000 versos.

Los temas frecuentes de sus poemas son los trabajos estacionales agrícolas, las fiestas del lugar, la naturaleza, el envolvente y majestuoso paisaje del valle y la Selva de Oza. Pero creo que los temas que recorren todo su poemario son el paso del tiempo, con el cambio de una civilización agrícola a una sociedad moderna que va abandonado las costumbres de antaño, y la añoranza por una lengua que está en retroceso y la propia evolución social la lleva a desaparecer. La métrica se acerca al estilo del romance, muy mimada. No es un poeta de verso espontáneo. Es una poesía sencilla en la exposición de la idea que sugiere, pero medida con la palabra precisa, como un puzzle concluido. Se acerca a la idea de Lorca, que afirmaba que su facilidad para componer era fruto de la inspiración y de muchas horas de trabajo. En esta línea interpreto sus versos. Veremundo Méndez es el primer clásico moderno de la lengua aragonesa.

El tema de “Las flamas del fogaril”, es el paso del tiempo, la nostalgia de la España rural que ya en los cincuenta y sesenta empieza a cambiar. El fogaril es la pieza central de las casas montañesas del Pirineo aragonés. Es la sala de estar donde la familia come, descansa, y pasa los ratos de velada. Allí junto al fuego de la chaminera (chimenea), la familia está sentada en los grandes bancos (las cadieras), y los yayos y yayas, que son los guardianes de la memoria, los que recuerdan a sus hijos y nietos las costumbres del valle.

Este bendito valle de Echo (bal D’Echo), tiene otra gran suerte, y es su excelente grupo de música “VAL D’ECHO”, con un magnífico compositor y cantante que es Pepe Lera. Para que lo reconozcan es el autor de una jota, que hoy todos los cuadros joteros llevan en su repertorio.: “S’ha feito de nuey”. Pues bien en el primer disco este poema aquí reseñado está musicado con una melodía bastante hermosa.

Traduzcan el poema, que es fácil, disfruten. Y como charran por los altos a ¡Plantar fuetes! (¡ a estar sanos!), y contestaremos ¡Ixo rai! (que lo podemos traducir por ¡igualmente!).

Francisco Javier Murillo Esteban (Departamento de Geografía e Historia)

Amor bajo cero/Sin barreras
(Bob Dylan)
(Versión española de Carlos Álvarez)
Mi amor se expresa como el silencio,
Sin ideales ni violencia,
No tiene que decir que es fiel,
Porque es real, como el hielo, como el fuego.
La gente lleva rosas,
Hace promesas a cada momento,
Mi amor ríe como las flores,
Los regalos de amor no pueden comprarla.

En los almacenes baratos y en las paradas de autobuses,
La gente habla de la situación,
Lee libros, repite citas,
Dibuja conclusiones en los muros.
Algunos hablan del futuro,
Mi amor habla dulcemente,
Sabe que no hay éxito como el fracaso
Y que el fracaso tampoco es un éxito.

La capa y el puñal se balancean libremente,
Las señoras encienden las velas.
En las ceremonias de los caballistas,
Incluso el peón debe guardar rencor.
Estatuas de palos de cerilla,
Se desmoronan unas sobre otras,
Mi amor guiña el ojo, ella no se preocupa,
Sabe demasiado para discutir o juzgar.

El puente tiembla a medianoche,
El médico rural divaga,
Las sobrinas de los banqueros buscan la perfección,
Esperando los regalos de los hombres sabios,
El viento aúlla como un martillo,
La noche corre fría y lluviosa,
Mi amor es como un cuervo
Posado en mi ventana con un ala rota.

Versión original

My love she speaks like silence,
Without ideals or violence,
She doesn’t have to say she’s faithful,
Yet she’s true, like ice, like fire.
People carry roses,
And make promises by the hours,
My love she laughs like the flowers,
Valentines can’t buy her.

In the dime stores and bus stations,
People talk of situations,
Read books, repeat quotations,
Draw conclusions on the wall.
Some speak of the future,
My love she speaks softly,
She knows there’s no success like failure
And that failure’s no success at all.

The cloak and dagger dangles,
Madams light the candles,
In ceremonies of the horsemen,
Even the pawn must hold a grudge.
Statues made of matchsticks,
Crumble into one another,
My love winks, she does not bother,
She knows too much to argue or to judge.

The bridge at midnight trembles,
The country doctor rambles,
Bankers’ nieces seek perfection,
Expecting all the gifts that wise men bring.
The wind howls like a hammer,
The night blows cold and rainy,
My love she’s like some raven
At my window with a broken wing.

He seleccionado un tema de Bob Dylan, «Love Minus Zero/No Limit», una hermosa canción perteneciente al quinto álbum del autor, Bringing It All Back Home, que supondría un antes y un después en su carrera. Este disco es una huida, una liberación personal de Dylan, un paso hacia adelante sin reparar en críticas, envidias o vulgaridades. Sencillamente, electrificó su música sin pensar en nadie, porque él mismo lo necesitaba, sin importarle los feroces ataques recibidos por quienes esperaban una expresión musical más tradicional. Junto a esta canción, también aparecen gemas como «Mr. Tambourine Man» o «It’s All Over Now, Baby Blue», canciones que me acompañaron desde mi adolescencia y que todavía, en alguna medida, permanecen en mi interior.

¿De qué nos habla la canción? Aquí tan solo puedo ser subjetivo, sin pretender para nada explicarla en profundidad. Para mí, aquí se habla de la vida auténtica, del amor de verdad, del sentir, del movimiento, de la luz, no de la vida comentada, no del espíritu moldeado por la opinión ajena. También se rechaza la palabra violenta y se opta por el silencio vivo, por la sinceridad del dolor, del abismo, mientras se evita el miedo a lo que no es. La clave de lo que se expresa se resume en la negación de la risa que imita a la flor, a la vez que se afirma, se valora, la sonrisa que se expresa como una flor, la belleza que no pregunta ni espera una explicación, un comentario.

En su segunda mitad, el poema se complica un tanto y, entre otras imágenes extrañas, aparece una clara referencia al Libro de Daniel: «Statues made of matchsticks/Crumble into one another», con la que se trae a colación la historia en la que Nabuconodosor construye una efímera estatua de hierro, oro, arcilla, plata y bronce, que acabaría hecha pedazos y desapareciendo. Todos estos elementos, que se relacionan con la vanidad humana, se expresan en el poema de forma caótica. Lejos de todas estas apariencias, el sujeto poético ofrece un rotundo sí a la presencia divina del ser amado, a la realidad profunda, al sustantivo al que alguien podría añadir quizás los adjetivos más tristes y vulgares. La sabiduría no es aquí el regalo tras el encuentro con la perfección, no está más allá del puente, no es una meta, no tiembla con el viento en la noche. El surrealista amor de Dylan es el cuervo con un ala rota que permanece en la ventana, obsérvese la clara referencia al poema de Edgar Allen Poe titulado «El cuervo».

Dylan podría haberse inspirado en contenidos taoístas y budistas cuando, por ejemplo, escribe «My love she speaks like silence, without ideals of violence». Estas corrientes religiosas sostendrían que tanto el silencio como la paz mental son bienes supremos. También se relacionarían con el yin y el yang los conceptos «ice» y «fire» en oposición aparentemente contradictoria. Los que de verdad conocen a Dylan y su obra sostienen que esta canción está dedicada a Sara Lownds, la mujer con la que el cantautor se casó el mismo año en el que la grabó, en 1965. La escribió en el hotel Chelsea en la habitación 221, donde él residía y donde también lo hacía Sara, estudiante de filosofía oriental e influencia decisiva en el contenido de algunas letras de Robert Allen Zimmerman, el grande y testarudo Bob Dylan.

La canción se puede escuchar en el siguiente enlace:
https://www.youtube.com/watch?v=7ZzyRcySgK8

Javier Ochoa (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

Ellos mismos definen su lírica como “canciones serias que hacen gracia a gente trastornada”. Quién sabe: quizás estos madrileños llamados “Los cuerdos de atar” tengan razón. Paseaba esta Semana Santa por las pintorescas callejuelas de Córdoba, que, de vez en cuando, deparan un pequeño paraíso de paz en forma de plazuela ajardinada, cuando me topé con ellos. Cabría haber esperado por allí a Séneca… o a Averroes, tal vez… pero no fue así. En su lugar, hallé desconsuelo en tres músicos callejeros, por denominarlos de alguna manera. Imagínense el panorama: un trío en donde uno hace las veces de percusionista, con una batería de juguete tamaño infantil. Otro, a los coros y los bajos con una suerte de instrumento de tubos de PVC de distintas longitudes golpeados con una chancla. El tercero es la voz solista y toca un ukelele fabricado a partir de una pala de recoger estiércol. Limpia, quiero creer. Aunque, a juzgar por sus vestiduras (chalecos reflectantes que, de pura roña, poco reflejan, y cascos de obrero de la construcción), tengo mis serias dudas…

A duras penas repuesto del impacto visual inicial, llega el auditivo. Empiezan a emitir unos sonidos indescriptibles… como si cantaran. Cantan unas canciones irreverentes, de un humor blanco huevo. Me recuerdan a otros extraños de nuestra tierra, como Los Gandules o Juako Malavirgen.

Fundamentalmente, por el contenido de unas canciones que, confieso, me embaucan a la par que me hacen reír (probando que es probable que estén en lo cierto y, sí, me halle “trastornado”). Interpretan “Hipocresía”, una obra con estribillo, mudanza y hasta vuelta. Suena de esta guisa:

Dices que te gusta el frío, pero te quejas de mis mensajes.
Y, aunque eres agrónoma, ni un beso me plantas.
Y yo, anarquista, doy “me gusta” a tus estados de wasap.
¡En fin, la hipocresía! Los perros sueltan caquitas y la gente, hipocresía.
Libera ya tu garganta; suelta por tu boca la hipocresía.
Llamarse Julio y nacer en abril. ¡En fin, la hipocresía!
Intolerantes a la lactosa que viven en la Vía Láctea. ¡En fin, la hipocresía!
Republicanos que comen galletas “Príncipe”. ¡En fin, la hipocresía!
Ateos que dicen adiós, y no “a ciencia”. ¡En fin, la hipocresía!
Feministas que tienen abdomen, y no “abdowoman”. ¡En fin, la hipocresía!
Llamarse Víctor y fracasar. ¡En fin, la hipocresía!
Veganos que beben agua, la casa de los peces. ¡En fin, la hipocresía!
Gente que no es racista y lava la ropa negra aparte. ¡En fin, la hipocresía!
Tu mamá te dice “malcriado”… y la que te crio fue ella. ¡En fin, la hipocresía!
Cuando compongo un reguetón digo que es música. ¡En fin, la hipocresía!
Llamarse Franco y no decir la verdad. ¡Eso sí que es hipocresía!
Ya lo decía Manuel Darío, personaje creado por Les Luthiers: “Sus canciones no son para escucharlas; son para sentirlas”. Así que, en efecto, tras haber redactado esta reseña y, mientras la reviso en busca de fallos (o aciertos), solo me queda decirles de todo corazón que… lo siento.

Autoría: Pseudópodo (Depto. de Lengua y Literatura).

Miguel Hernández y Joan Manuel Serrat: canciones y poemas de ausencias y presencias.

Boca que arrastra mi boca:
boca que me has arrastrado:
boca que vienes de lejos
a iluminarme de rayos.

Alba que das a mis noches
un resplandor rojo y blanco.
Boca poblada de bocas:
pájaro lleno de pájaros.
Canción que vuelve las alas
hacia arriba y hacia abajo.
Muerte reducida a besos,
a sed de morir despacio,
das a la grama sangrante
dos fúlgidos aletazos.
El labio de arriba el cielo
y la tierra el otro labio.

Beso que rueda en la sombra:
beso que viene rodando
desde el primer cementerio
hasta los últimos astros.
Astro que tiene tu boca
enmudecido y cerrado
hasta que un roce celeste
hace que vibren sus párpados.

Beso que va a un porvenir
de muchachas y muchachos,
que no dejarán desiertos
ni las calles ni los campos.

¡Cuánta boca enterrada,
sin boca, desenterramos!

Beso en tu boca por ellos,
brindo en tu boca por tantos
que cayeron sobre el vino
de los amorosos vasos.
Hoy son recuerdos, recuerdos,
besos distantes y amargos.

Hundo en tu boca mi vida,
oigo rumores de espacios,
y el infinito parece
que sobre mí se ha volcado.

He de volverte a besar,
he de volver, hundo, caigo,
mientras descienden los siglos
hacia los hondos barrancos
como una febril nevada
de besos y enamorados.

Boca que desenterraste
el amanecer más claro
con tu lengua. Tres palabras,
tres fuegos has heredado:
vida, muerte, amor. Ahí quedan
escritos sobre tus labios.

(Miguel Hernández)

Treinta años después de la muerte del poeta en las cárceles franquistas, Joan Manuel Serrat le dedicó este disco al gran alicantino Miguel Hernández. Ochenta años después del fallecimiento del poeta, y cincuenta de la edición del disco de Serrat, quinientos poemas han sido “tendidos” por los alumnos del instituto en nuestra “Tercera colada por la poesía”. Sirvan de homenaje a la poesía y a dos grandes de la cultura hispana: Miguel Hernández Gilabert y Joan Manuel Serrat Teresa.

Desde los años sesenta a la muerte de Franco, en 1975, un grupo de cantautores deciden musical no solo sus composiciones propias, sino buscar en la tradición lírica hispana poemas de todas las épocas. Con estas reivindican el fin de la dictadura y anuncian la libertad. Paco Ibáñez en su directo del teatro Olimpia de París, donde une a los clásicos , Manrique, Arcipreste de Hita, Quevedo, Góngora…; con la poesía contemporánea social y reivindicativa de Gabriel Celaya, de Blas de Otero, de Goytisolo. Lo mismo con el leonés Amancio Prada musicando a San Juan de la Cruz y a la gallega Rosalía de Castro. Joan Manuel Serrat, no es ajeno a este proceso, y en 1968 hace un disco homenaje a Antonio Machado. Con más significado reivindicativo y político edita el disco de “Miguel Hernández”, donde canciones como “Para la libertad” o las “Nanas de la cebolla”, se convierten en himnos predemocráticos.

La vida del poeta de Orihuela, Miguel Hernández, es corta e intensa, y sus poemas evidentemente no se pueden desasociar de su biografía. El poema de “El beso”, pertenece a su último cuadernillo “Cancionero y romancero de ausencias”, escrito entre el final de la Guerra civil española y los primeros meses de cárcel. Aprovechando unos días de libertad, entrega el manuscritos a su esposa, Josefina Manresa, que será durante mucho tiempo la guardiana del legado de su marido. Miguel no llega en vida a verlo publicado. Las primeras ediciones estarán prohibidas en España, y llegarán por ediciones latinoamericanas y venta clandestina, en las trastiendas de ciertas librerías progresistas.

Miguel Hernández, tiene una infancia dura. Se le llama el “poeta pastor”, pues su padre se dedicaba al ganado de cabras, y a los quince años abandona la escuela. Empieza una formación autodidacta, en la biblioteca de Orihuela, los consejos y libros de un clérigo, y el círculo de amigos poetas católicos encabezado por Ramón Sijé (recomendamos lectura del poema “Elegía a Ramón Sijé”).

La ciudad valenciana se le queda pequeña y marcha a Madrid. Allí establece contacto con los poetas del 27 (Lorca, Alberti…), y otros intelectuales como José Mª Cossío, que lo introducen en sus círculos, y le proporcionan trabajo en la Enciclopedia de la Tauromaquia. Es para todos estos “su hermano pequeño”, pero aprecian su facilidad para la redacción de poemas.

Próxima la guerra civil de 1936, gira políticamente hacia el comunismo. Durante la contienda se implica en la defensa de la República, ahora será poeta-soldado, muy bien reflejado en el poemario “Vientos del Pueblo”. Se casa, tiene su primer hijo, que muere, y al acabar la guerra, nace su segundo hijo. Finalizada la guerra, es condenado a muerte. Algunos amigos con influencias en el régimen dictatorial, consiguen conmutar la pena por larga prisión. Recorre varias cárceles, todas hacinadas de presos políticos. Sigue escribiendo. Está muy enfermo y desnutrido. En la cárcel sufren el encierro, pero sobre todo la separación de su mujer e hijo. Finalmente fallece en la cárcel de Alicante, en !942, rodeado de compañeros, pero sin Josefina y su hijo, y comido por la tuberculosis.

Buscar significados a los poemas puede anular su esencia. Asociar los versos a la biografía del poeta en este caso indicarnos pistas. Me quedo con las primeras impresiones que me causa su lectura, o al escuchar la canción de Serrat. La impresión es la ausencia, la pena, de no poder “besar”, a su mujer, a su hijo, a sus amigos. Es la separación, la falta de libertad. Miguel Hernández es un gigante de la poesía. Me causa rencor, el pensar que si con sólo 32 años fue capaz de una obra tan intensa, que hubiera dado a la Humanidad con más años de vida y de carrera literaria. Lo mismo con Federico García Lorca.

Destacar esta poesía me ha llevado a releer y rescatar de mi biblioteca un magnífico ensayo biográfico del profesor de la Universidad de Zaragoza, Agustín Sánchez Vidal: “Miguel Hernández, desamordazado y regresado” (Colección Espejo de España. Barcelona, 1992). Lo recomiendo. Sánchez Vidal, dedicó sus primeras investigaciones a Miguel Hernández, ordenó su archivo, asesoró a Serrat, y realizó la edición de las obras de Miguel Hernández. Lean a Miguel Hernández, escuchen el disco dedicado por Serrat, y aprendan la vida de nuestro poeta con el libro del profesor Sánchez Vidal.

Francisco Murillo (Departamento de Geografía e Historia)

CAPERUCITA FEROZ (LUIS ALBERTO DE CUENCA Y LA ORQUESTA MONDRAGÓN)

Viernes noche. Momento ideal para disfrutar frente al televisor de Classics. Cada semana me genera una grata emoción el descubrir la película elegida por uno de los grandes, José Luis Garci, para amenizar la velada: Ciudadano Kane, Encubridora, El manantial… Obras maestras, alternando, semana tras semana, color y blanco y negro. Durante la emisión, suele además alegrarme la velada la alarma de mi teléfono móvil, advirtiéndome de que un nuevo podcast de Cowboys de medianoche me está esperando. Es la magia tecnológica del mundo en el que vivimos, que permite aparecer en radio y en televisión a la par.

El podcast de turno suelo escucharlo bien a continuación bien a la mañana siguiente, temprano. Es un programa veterano, dirigido por Luis Herrero, en el que, de nuevo, aparece Garci (sólo su inconfundible voz, obviamente) acompañado por Eduardo Torres Dulce y Luis Alberto de Cuenca. El programa se sustenta en el humano placer de la conversación, puesto que, aunque se charle de cine, los contertulios pueden acabar tratando de los temas más diversos.

El programa se ameniza con cuatro bonitas piezas musicales que suelen ser elegidas por Torres Dulce, gracias a las cuales podemos escuchar a Barbra Streisand, Frank Sinatra, The Beatles, Joan Manuel Serrat, Lucio Gattaca, Ottis Reading, Elvis Prestley, Ennio Morricone…; en fin, variedad para todos los gustos. Pero hay un momento mágico, en el que el mundo parece detenerse, casi ya concluyendo el programa, en el que Luis Alberto de Cuenca toma la palabra y recita una de sus composiciones, constatando su inmenso talento y yo me atrevería a decir que erigiéndose, semana tras semana, en uno de los mejores poetas en lengua castellana de nuestra actualidad.

Quizás algunos no lo sepáis, pero don Luis Alberto fue letrista de algunas de las más célebres composiciones de la popular Orquesta Mondragón. De hecho, a él debemos una de sus más célebres canciones, todo un divertido homenaje al que, desde mi punto de vista, es el cuento de los cuentos, esa historia oral inolvidable que repetimos, generación tras generación, y que a todos nos viene al pensamiento cuando nos preguntan por una narración popular: Caperucita Roja.

Señoras y señores, con todos ustedes, Caperucita feroz; poesía pop en vivo.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

JUEVES (LA OREJA DE VAN GOGH)

Miraba la televisión como tantas noches de domingo con la esperanza de que la semana que empezaba fuese solo un poco mejor que la que estaba terminando. Vana esperanza, sin duda. En la aragonesa, la de todos, no había jotas ni se analizaba la actualidad zaragocista. Ponían una serie, con poca calidad de imagen, que nos transportaba a una sociedad apocalíptica, se titulaba El colapso. Mientras se agolpaban en la pantalla las imágenes de su segundo episodio, “La gasolinera”, yo pensaba en la palabra… Colapso es una palabra de origen latino que viene a significar algo así como caída o ruina total de un sistema o institución.

El colapso o hundimiento mental sirve para describir un ataque de enfermedad mental repentino y agudo como depresión o ansiedad. En líneas generales, esto puede suceder cuando nuestro cerebro se ve sometido de forma continuada a situaciones de estrés o ansiedad que pueden acabar mermando sus facultades y provocando un estado de saturación absoluto del que no se puede salir sin una atención médica prolongada. Las razones que pueden afectar al paciente son de amplio espectro. Desde situaciones personales como el desempleo, una ruptura amorosa o la pérdida de un familiar, hasta cuestiones ambientales que, a determinadas personas, especialmente sensibles, pueden llegar a golpear con fuerza sobre su estado de ánimo hasta el punto de poder llegar a colapsar.

Necesariamente, esas causas sociales o ambientales han de ser significativas y especialmente duras, provocando en el paciente un pesimismo y una tristeza que desembocan en la pérdida de nervios. No recuerdo demasiadas situaciones de este tipo en mi vida, sin embargo, son cuatro las que más me han afectado y las que me han llevado a un estado cercano al descrito.

Enumeraré esos sucesos de forma cronológica:

– La crisis sanitaria del aceite de colza. El consumo de aceite industrial que se vendía como apto para el consumo humano provocó la mayor crisis sanitaria de nuestro país hasta la llegada del COVID. La muerte de más de cinco mil personas y las secuelas en alrededor de veinte mil siguen siendo uno de los episodios más oscuros de los primeros años de la democracia española.

– La tragedia del camping de Biescas. Pocas imágenes recuerdo más duras que las de aquel verano de 1996 cuando una tormenta barría el camping de Las Nieves dejando ochenta muertos y más de ciento ochenta heridos. Las imágenes son escalofriantes e imposibles de olvidar.

– El secuestro y asesinato de Miguel Ángel Blanco. Durante tres días nuestro país fue un clamor contra ETA pidiendo la liberación del concejal vasco. Millones de personas en todas las ciudades de España se manifestaron en contra de la violencia y pidiendo la liberación del secuestrado. Todos juntos parecíamos capaces de lograrlo, pero solo un día después el concejal apareció muerto de dos disparos en la cabeza. El shock fue tremendo en todo el país.

– El atentado del 11M. Era jueves. A primera hora de la mañana se produjeron varios ataques terroristas en cuatro trenes de la red de Cercanías de Madrid, falleciendo ciento noventa y tres personas y resultando heridas más de dos mil. Jamás habíamos vivido un tragedia tan cercana y de semejante intensidad. La tristeza y el duelo destrozó a todo el país aquel mes de marzo de hace dieciocho años.
Ese suceso me golpeó fuerte y durante años no quise pensar ni hablar del tema. Hasta que ELLA me enseñó la grandeza del ser humano, capaz de hacer algo inmensamente bonito a partir de lo más doloroso del mundo.

Jueves es una canción de La Oreja de Van Gogh en la que se rinde homenaje a las víctimas del 11M. Una pequeña historia de amor surge en uno de los trenes ese jueves once de marzo justo instantes antes de que explosionara uno de los vagones. Una pequeña historia individual que se pierde como tantas otras historias y esperanzas personales en la frialdad de los números de los fallecidos. Sin duda, Jueves es una canción triste pero inmensamente bonita que merece ser escuchada y recordada siempre:

Si fuera más guapa y un poco más lista
Si fuera especial, si fuera de revista
Tendría el valor de cruzar el vagón
Y preguntarte: ¿quién eres?
Te sientas en frente y ni te imaginas
Que llevo, por ti, mi falda más bonita
Y al verte lanzar un bostezo al cristal
Se inundan mis pupilas
De pronto me miras, te miro y suspiras
Yo cierro los ojos, tú apartas la vista
Apenas respiro, me hago pequeñita
Y me pongo a temblar
Y así pasan los días, de lunes a viernes
Como las golondrinas del poema de Bécquer
De estación a estación, en frente tú y yo
Va y viene el silencio
De pronto me miras, te miro y suspiras
Yo cierro los ojos, tú apartas la vista
Apenas respiro, me hago pequeñita
Y me pongo a temblar
Y entonces ocurre, despiertan mis labios
Pronuncian tu nombre tartamudeando
Supongo que piensas: qué chica más tonta
Y me quiero morir
Pero el tiempo se para y te acercas diciendo
«Yo aún no te conozco y ya te echaba de menos
Cada mañana rechazo el directo
Y elijo este tren»
Y ya estamos llegando, mi vida ha cambiado
Un día especial este once de marzo
Me tomas la mano, llegamos a un túnel
Que apaga la luz
Te encuentro la cara, gracias a mis manos
Me vuelvo valiente y te beso en los labios
Dices que me quieres y yo te regalo
El último soplo de mi corazón.

Sebastián Solana (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

ANTONIO MACHÍN (EL MANISERO)

Algunos de mis compañeros, que entienden de música muchísimo más que yo, deciden incluir en esta sección dedicada a la poesía las más hermosas canciones, y no están faltos de razón. No en vano, siempre dedico algunas de mis clases a hablar a mis alumnos de la estrecha relación entre lírica y música; en sus orígenes, la poesía surgió indisolublemente unida a las notas musicales y, sobre todo, no ya al recitado sino al cante. De hecho, cuánto cambian textos épicos tan célebres como la Epopeya de Beowulf o nuestro maravilloso Cantar de Mio Cid cuando son convenientemente interpretados. 

Así las cosas, el mester de juglaría sigue más vivo que nunca, si bien reconvertido en cantautores, solistas melódicos o meteóricas estrellas del rock.

Si a través de la poesía podemos viajar en el espacio, ya al Parnaso evocado por nuestro Cervantes, ya en el tiempo, a esa era mítica en la que se forjó el seminal Gilgamesh, lo mismo podemos hacer a través de la música, y más aún si, además, la acompaña la magia de la imagen.

El enlace que os facilito suelo usarlo en algunas de mis clases. Genio y figura. Don Antonio Machín y su inigualable Manisero. Pura alegría (que coincide con la definición que dio de la Literatura el maestro Antonio Muñoz-Molina), y estilo, añadiría yo. Una canción magistral recogida en un solo plano, en blanco y negro. Un videoclip de los de aquel entonces que, como los mejores textos líricos, nos llevan a un viaje maravilloso al ayer, o casi mejor al antes de ayer. A cómo era el mundo hace décadas, y como puede volver a serlo a través de la no menos mágica tecnología actual. Pincha en el enlace y disfruta de este maravilloso poema, y recuerda que la música llega a ese territorio que las palabras no logran alcanzar.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

LA BATUTA

Se alza en el aire mudo la batuta

e inicia el director el movimiento,

llora un violín con lánguido lamento

la triste melodía que ejecuta.

Un violonchelo adulto le disputa

al xilófono la gloria de un momento,

la flauta travesera toma aliento

y el arpa, allá en lo oscuro, ni se inmuta.

La sinfonía inunda los sentidos

del público que sueña, siente y calla

y afina su emoción y sus latidos.

Y la batuta rasga, ordena, estalla

cuando los músicos más atrevidos

se besan con amor brujo de Falla.

(Raúl Vacas)

Raúl Vacas Polo es un innovador poeta y escritor salmantino que se dedica a crear un tipo de poesía joven y actual. Licenciado en Ciencias de la Información y Diplomado en Educación Social, ha desempeñado labores de edición, animación y gestión cultural y ha colaborado con diversos medios de comunicación y revistas literarias como Atril, Álamo, Petriña y El Cobaya y en varias antologías. Además de su labor como escritor, en la actualidad coordina e imparte talleres de escritura creativa, en colaboración con Centros de Profesores y Recursos, Bibliotecas e Institutos.

Está considerado como una de las voces más interesantes de la poesía joven, un verdadero y apasionado creador, un potenciador de inquietudes. Su poesía es sorprendente, fascinante y llega al corazón.

Pocos poemas están dedicados a  este corto y  tan imprescindible “palillo” que dibuja en el aire el ritmo y la fuerza de la música. A veces, el elemento más insignificante es el que lleva y ordena a los elementos más poderosos y grandes, como es el caso de la batuta con la orquesta.

El autor de una manera alegre, sencilla y juguetona  nos describe a la orquesta como la entidad más majestuosa donde residen los instrumentos, cada uno con su diferente timbre y perteneciente a una familia, que se van entremezclando y quitándose el protagonismo, pero que a su vez, entre todos forman una comunidad armoniosa y equilibrada con una misma finalidad: emocionar. 

El poema  habla de música, de armonía, de emoción , de pasión, de amor, elementos esenciales y necesarios para vivir plenamente, no superficialmente. En un tiempo en el que la creatividad, la música y la poesía dejaron de estar en la palestra, este poema nos recuerda que las artes son algo más, son dosis de vitamina que enriquece nuestra vida y que a pesar de ser completamente abstracta es profundamente emocional. Cuando nos encontramos un poema, que en esencia ya es música, es imposible resistirse a su encanto.

Iratxe Santamaría (Departamento de Música)

Sonnet XVIII, (William Shakespeare) 

Shall I compare thee to a summer’s day?

Thou art more lovely and more temperate:

Rough winds do shake the darling buds of May,

And summer’s lease hath all too short a date;

Sometime too hot the eye of heaven shines,

And often is his gold complexion dimm’d;

And every fair from fair sometime declines,

By chance or nature’s changing course untrimm’d;

But thy eternal summer shall not fade,

Nor lose possession of that fair thou ow’st;

Nor shall death brag thou wander’st in his shade,

When in eternal lines to time thou grow’st:

   So long as men can breathe or eyes can see,

   So long lives this, and this gives life to thee.

¿Qué mejor manera de celebrar San Valentín que con uno de los sonetos más famosos y románticos del autor de Romeo y Julieta? 

Este poema forma parte de la colección Sonnets de William Shakespeare. Es una secuencia de 154 sonetos imitando el estilo de los que Petrarca dedicó a su amada Laura, pero con la novedad de que están dirigidos a dos personas: un hombre y una mujer. Esta obra es por tanto la colección de sonetos más famosa y original publicada en el Renacimiento inglés. 

Este soneto en particular está dedicado al hombre de este triángulo amoroso. Está retratado de manera platónica e idealizada, como se puede ver al inicio del poema donde se le compara con “un día de verano”. 

Así mismo, el poema trata los dos temas principales de los sonetos: el amor y el paso del tiempo. El amor que el poeta siente por la persona amada, y el paso del tiempo y su capacidad destructora. El tiempo aparece en el soneto como un destructor y enemigo de todo lo bueno y hermoso como la juventud, la belleza y el amor. 

Sin embargo, Shakespeare utiliza la literatura como una manera de alcanzar la inmortalidad, pero no la suya, sino la de su amado, en los dos últimos versos: “mientas los hombres puedan respirar y los ojos puedan ver, mientras esto perdure (el poema), vivirás en él”. Con estos dos últimos versos Shakespeare consigue que su amado viva eternamente en su poema. 

Isabel Martínez (Departamento de Inglés)

La aparición del COVID en nuestra cotidianidad supuso un acontecimiento que aún sigue condicionando nuestra vida. El famoso confinamiento supuso un intenso periodo de excepcionalidad que, en mayor o menor medida, nos transformó de un modo que aún no somos capaces de comprender y que, quizás, tardemos algunos años en entender. 

Ese tiempo de excepcionalidad mundial nos ha traído el pasado 14 de enero el último álbum del cantautor asturiano Nacho Vegas (Gijón, 1974): Mundos inmóviles derrumbándose. Fruto de ese periodo de aislamiento en el que nos hemos dado cuenta de dónde se vislumbra aquello que es realmente importante. Así, Nacho nos canta en El don de la ternura:

Y, si nadie me encuentra jamás
¿Sentiré soledad?
El rumor de su locura
Desde mi oculto rincón
Sin mostrar que es la ternura
Nuestro don
Nuestro don

No era el único por allí
Que se hallaba bien escondido
Comenzamos por las noches a salir
Y al fin lo hicimos al sol

Para quien no lo conozca, Nachín es una de las figuras más importantes del panorama indie español y tiene una consagrada carrera como cantautor con discos como Manifiesto desastre (2008), Resituación (2014) o Violética (2018). Por no hablar de sus colaboraciones con Enrique Bumbury en El tiempo de las cerezas (2006) o Christina Rosevinge, su expareja, en Verano fatal (2007). 

Su estilo varía entre un rock indie y folk en el que la letra siempre tiene un papel central. Su música rezuma referencias cinematográficas, literarias y, por supuesto, vitales. Si tuviéramos que resumir la mayor parte de su discografía diríamos que Nacho canta al dolor, a la depresión y a la injusticia. Este disco es un buen exponente del Nacho más intimista en el que la pena se entrelaza con un mundo que está en continuo movimiento para llegar siempre al mismo sitio: 

La flor de la manzana

El instinto ahora es criminal
Liana quiere ver la planta arder
Es la rabia frente al animal
Vuelve hoy a limpiar su mierda

Y esa acción
La sume en un vacío atroz
Esto es la civilización
O un casino en plena selva

Y es que frente a la tendencia a obviar nuestros problemas y tratar de sumirnos forzosamente en una falsa felicidad, Nacho Vegas reivindica el papel revolucionario del dolor y del sufrimiento. No como una autocompasión que nos invita a sumirnos en una constante duermevela, sino como síntoma de que las cosas no van bien y de que tenemos que hacer algo para transformar nuestro mundo, ya que es el único que tenemos. Es esta ceguera hacia lo que nos rodea uno de los males que el nuevo disco de Nacho Vegas trata de exorcizar.

Como colofón os dejo esta canción del disco que, las malas lenguas, atribuyen a su tóxica relación con Andrea Levy, actual diputada del PP:

El mundo en torno a ti

Construías un gran barco
Todo él hecho de marfil
Todos salvo tú veían
Que la nave se iba a hundir

No advertiste el odio y la ira
Entre tu tripulación
Yo temía por tu vida
Tú seguías sirviendo ron

Y entonces supe que algún día
Te tendría que rescatar
Y esa es una de las cosas
Que jamás podrás comprar

No me pidas que bendiga
Lo que intento maldecir
Cuando el mundo entero gira en torno a ti

Y yo que conocí tu mundo
Yo que hasta bebí de él
Yo creía que algún día
Tú querrías descender y ver
Los cuerpos que se tocan
Por pura necesidad
Y las sombras que se amparan
En la Cañada Real

¿Es tu vida una disforia?
La respuesta corta es sí
Para ti una cara sucia es
Un lugar donde escupir
Crees que el mundo entero gira en torno a ti

Ahora sé que nuestras vidas
Nunca se podrán mezclar
Que las personas más locas
Y hermosas del lugar
Forman parte de la mía
Aunque en la tuya también
La locura habita entre
Podredumbre y poder

Somos como dos borrachos
Insultándose entre sí
Yo entre mis bellos tarados
Tú en tu absurdo frenesí
Crees que el mundo entero gira en torno a ti

Llegará el naufragio
En tu nave de marfil
Se avecina una tormenta y
Se desatará el motín

Ni cuando estés comiendo tierra
Y en la pura soledad
¿Allí a quién vas a acudir?
Cuando ya no gire el mundo en torno a ti

Nunca te mentí
Y aunque ya no gire el mundo en torno a ti
Yo casi siempre estaré ahí

Desde el pasado 14 de enero tenemos el placer de disfrutar del último álbum del cantautor asturiano Nacho Vegas (Gijón, 1974). Mundos inmóviles derrumbándose.

Azaray Calmaestra (Departamento de Filosofía y Letras)

ÁNGEL GUINDA. UN HOMENAJE.

Ángel Guinda (Zaragoza, 1948), un excepcional poeta, ensayista y traductor, nos ha dejado este 29 de enero. Galardonado con el Premio de las Letras Aragonesas en 2010, coautor también de la letra del Himno de Aragón (con Ildefonso-Manuel Gil, Rosendo Tello y Manuel Vilas), residía en Madrid cuando la muerte le reclamó su recibo: “Me he fumado la vida”, confesaba desde hace años.

            Autor de una veintena de poemarios, los últimos más logrados y maduros, deja tras su partida una antología de sus poemas amorosos que el catorce de febrero llegará a las librerías (El arrojo de vivir, en Olifante) y otro poemario inédito que promete ser fantástico.

            Su trayectoria abarca varios periodos, aunque su lírica se condensó por fin y le acercó al existencialismo (la soledad, la presencia de la muerte, el sinsentido de la existencia cotidiana) tras su llegada a Madrid en 1987, que lejos de estancarlo le dirigirá  hacia una aceptación de ese destino final que venía rondándole desde que le diagnosticaron la enfermedad pulmonar, cerrando un círculo que le obsesionaba: “Nací matando”, repite con media sonrisa en ocasiones (su madre murió en el parto). 

            De la llegada a la capital salen títulos como Conocimiento del medio, La llegada del mal tiempo y Biografía de la muerte. Toda esta trayectoria parecía culminar en la madurez de Los deslumbramientos. Recapitulaciones (Zaragoza, Olifante, 2020).

            Pero para conocer al auténtico Ángel Guinda debemos ir mucho más allá de sus magníficos últimos poemas.  De 1978 es  su manifiesto Poesía y subversión, en una etapa de poesía rabiosa y militante. Más tarde publicaría otros tres hitos en su evolución:  Poesía útil (1994), El Mundo del Poeta. El Poeta en el Mundo (2007) y Poesía violenta (2012). Hacia los años ochenta había publicado también Vida Ávida, un recopilatorio de los poemas de la década anterior, y el librito causó sensación (incluso existe una traducción al búlgaro).

            Desde entonces, incansable agitador cultural, alternó sus poemas, traducciones, aforismos y ensayos con encuentros literarios, recitales, ponencias y colaboraciones que le llevaron hasta Argentina, Cuba o Italia. Jamás abandonó Guinda el compromiso social de su juventud, ni olvidó que no escribía para sí mismo. Se sabía un hombre más, pero un hombre portador de la palabra. Al final de su vida, en una entrevista en Casa Bokowski, resumía así su quehacer literario:

“Escribo para vivir lo más intensamente que puedo mi mundo interior, mi mundo personal; pero también escribo para cambiar a mejor, si puedo y es posible, el mundo exterior; escribo, creo, contra la realidad, más que sobre ella. Y, pensándolo bien, escribo también para enriquecer mi inteligencia, mi conocimiento de las cosas y de mí mismo, mi propia memoria y mi sensibilidad. Escribir, para mí, es como vivir. En fin, si lo resumiese en dos afirmaciones, escribo para resistir y escribo para no morir”.

            El zaragozano acabó por ser imprescindible en las tertulias madrileñas, y se convirtió en un referente de primer nivel para generaciones de poetas. Nos ha dejado un grande.

El coartado (de Rigor vitae, 2013)

Yo soy el coartado entre el mundo y la muerte.

Me tambaleo sobre el puente de los ecos.

Oscura es la sombra, pero es muy clara la palabra sombra.

(En una de estas líneas aparece y desaparece el rayo.)

La tempestad se refugia en mi interior.

Hoy me acuesto en el techo, vigilo la cama. Si mi muerto se mueve le dispararé al hígado con la botella.

Tiemblan cadalsos en mi cabeza.

¡Destruiré el mundo y asesinaré a la muerte!

¿Cómo salir de aquí?

Buscaré una «Entrada de emergencia» que desgarre el atolondramiento y alcance la lejanía.

Hasta embocarme ira de sangre que chorrea sangre, ¡o romperme la sangre chorreando bocas!

Miguel Ángel Aragüés (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

UN SONETO ME MANDA HACER VIOLANTE

Un soneto me manda hacer Violante
que en mi vida me he visto en tanto aprieto;
catorce versos dicen que es soneto;
burla burlando van los tres delante.

Yo pensé que no hallara consonante,
y estoy a la mitad de otro cuarteto;
mas si me veo en el primer terceto,
no hay cosa en los cuartetos que me espante.

Por el primer terceto voy entrando,
y parece que entré con pie derecho,
pues fin con este verso le voy dando.

Ya estoy en el segundo, y aun sospecho
que voy los trece versos acabando;
contad si son catorce, y está hecho.

(Lope de Vega)

La elección de este soneto para nuestra sección se debe, en esta ocasión, a la tremenda simpatía que le tengo, al margen de que sea ejemplo insigne de poesía barroca. Mi gusto personal por la composición se debe a que de niño se lo oía recitar a mi padre y, aunque no lo entendía demasiado bien, aquello me hacía una gracia tremenda, a lo que se unía la singularidad del nombre de Violante. Con el permiso de la reina Violante de Hungría, ¿quién puede llamarse así?

Sin duda la tal Violante era no solo alguien de peculiar nombre sino, además, mandona y caprichosa, puesto que le ordenaba al pobre Lope de Vega componer un soneto. Si bien este tomaba el guante lanzado para, a la par que lo componía, dar una pequeña lección de preceptiva literaria. Así las cosas, el soneto, a lo largo de sus impecables catorce versos va explicando su génesis. No en vano, al buen Lope le gustaba dar lecciones de creación literaria, tal y como deja constancia su Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo, donde explica, y lo hace en verso, cómo componer obras de teatro a su manera, si bien, siguiendo sus consejos o no, nadie consiguió ni su fama ni su popularidad ni, por supuesto, su capacidad inagotable de creación.

Juego conceptista, broma literaria, los dos cuartetos y dos tercetos de endecasílabos con rima consonante son, hoy por hoy, un maravilloso ejemplo de poesía didáctica y, al mismo tiempo, paradigma de la mejor lírica de nuestros irrepetibles Siglos de Oro. 

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

No te rindas  

No te rindas, aún estás a tiempo

De alcanzar y comenzar de nuevo,

Aceptar tus sombras,

Enterrar tus miedos,

Liberar el lastre,

Retomar el vuelo.

No te rindas que la vida es eso,

Continuar el viaje,

Perseguir tus sueños,

Destrabar el tiempo,

Correr los escombros,

Y destapar el cielo.

No te rindas, por favor no cedas,

Aunque el frío queme,

Aunque el miedo muerda,

Aunque el sol se esconda,

Y se calle el viento,

Aún hay fuego en tu alma

Aún hay vida en tus sueños.

Porque la vida es tuya y tuyo también el deseo

Porque lo has querido y porque te quiero

Porque existe el vino y el amor, es cierto.

Porque no hay heridas que no cure el tiempo.

Abrir las puertas,

Quitar los cerrojos,

Abandonar las murallas que te protegieron,

Vivir la vida y aceptar el reto,

Recuperar la risa,

Ensayar un canto,

Bajar la guardia y extender las manos

Desplegar las alas

E intentar de nuevo,

Celebrar la vida y retomar los cielos.

No te rindas, por favor no cedas,

Aunque el frío queme,

Aunque el miedo muerda,

Aunque el sol se ponga y se calle el viento,

Aún hay fuego en tu alma,

Aún hay vida en tus sueños

Porque cada día es un comienzo nuevo,

Porque ésta es la hora y el mejor momento.

Porque no estás solo, porque yo te quiero.

(Atribuido a Mario Benedetti)

Podríamos empezar citando la biografía del autor, sin embargo, estos versos atribuidos a Benedetti parece que no son suyos. La Fundación Benedetti niega su autoría, por ello creen que la confusión se debe a la similitud con el título del poema   No te salves, incluido en su libro El amor, las mujeres y la vida.

 A pesar de todo, creo que la autoría debe quedar a un lado, ya que el mensaje de este poema es lo realmente importante, y, al final, con lo que quiero que nos quedemos. 

Es un extenso poema escrito en verso libre, con alguna que otra rima asonante, que favorece esa musicalidad, armonía y amor, que, a fin de cuentas, pretende transmitir el autor, sea quien sea, de este poema. Si nos sumergimos en sus versos, la delicadeza de sus palabras, ese fluir de sentimientos, parece que te lleva, sin poder evitarlo, a que NO TE RINDAS. 

Teniendo en cuenta la época que nos toca vivir, los planes que no podemos llevar a cabo, las visitas que no podemos recibir. Teniendo en cuenta los cafés que no podemos tomar, todas las fiestas que no podemos celebrar (o sí) como queremos…creo que debemos darle valor a lo que sí podemos hacer y poner esperanza en que quizás, en un futuro, ahora lejano, podamos volver a “recuperar la risa” y a “bajar la guardia y extender las manos”.

Es un poema que nos invita a aguantar, ahora, cuando estamos cansados, cuando lo que queremos es volver a nuestra vida de siempre, cuando parece que esto va a ser eterno, NO TE RINDAS. Debemos mantenernos, sobrellevar lo que nos venga y seguir hacia adelante.

Debemos quedarnos con lo bueno, “porque esta es la hora y el mejor momento”, quizás para valorar lo que hace dos años no valorábamos: una mirada, un saludo, una palabra amable…Nosotros que vivimos en el mundo de la tecnología, del frío trato, de la pérdida de las buenas costumbres y del “hola” y “adiós”, que parecen extinguidos, creo que debemos “vivir la vida y aceptar el reto”. 

Por lo tanto, compañera, compañero, alumna, alumno…NO TE RINDAS. Todos queremos que esto pase y poder volver a nuestra “normalidad”, vamos a poner entre todos nuestro granito de arena para que esto lo pasemos juntos lo mejor posible, y es que pronto podremos “celebrar la vida y retomar los cielos”.

Amelia Pellicer (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

Como una sola flor desesperada

Lo quiero con la sangre, con el hueso,
con el ojo que mira y el aliento,
con la frente que inclina el pensamiento,
con este corazón caliente y preso,

y con el sueño fatalmente obseso
de este amor que me copa el sentimiento,
desde la breve risa hasta el lamento,
desde la herida bruja hasta su beso.

Mi vida es de tu vida tributaria,
ya te parezca tumulto, o solitaria,
como una sola flor desesperada.

Depende de él como del leño duro
la orquídea, o cual la hiedra sobre el muro,
que solo en él respira levantada.

(Juana de Ibarbourou)

Un soneto escrito no tanto desde la desesperación, como indica su título, sino desde el desenfreno de una pasión amorosa incontenible. Un soneto arrebatado, cuyos versos, de manera indirecta, parecen cuestionar la irracionalidad de los sentimientos y que, sin duda, se inscribe en esa caterva de textos amorosos que son una fuente inagotable, una concatenación apasionada de imágenes hermosas. El amor canalizado, en esta ocasión, por la pluma de una poetisa cuya original voz e importancia me atrevo a reivindicar desde estas discretas líneas: la de doña Juana de Ibarbourou.

Nacida en Uruguay a finales del siglo XIX, Juana de Ibarbourou está considerada una de las autoras más destacadas de la corriente lírica sentimental de la literatura hispánica de las primeras décadas del siglo, por lo que no debe resultarnos extraño la influencia que en sus textos ejerce el Modernismo (amistó con Gabriela Mistral y Alfonsina Storni) ni su admiración por algunos de los grandes autores de la Generación del 98, así Miguel de Unamuno (con quien mantuvo relación epistolar) o los hermanos Machado. 

Así las cosas, tampoco debe extrañarnos que su originalidad, buscando un marcado sesgo personal, la hiciera seguidora de Juan Ramón Jiménez y de Federico García Lorca, otros de los grandes renovadores de la lírica en lengua castellana, a quienes llegó a conocer personalmente. De esta manera, tal que estos dos poetas hicieran, Juana de Ibarbourou también especuló acerca del proceso de creación literaria, dejando constancia de ello en la excelente conferencia impartida en la Universidad de Montevideo, Casi en pantuflas.

Al morir, el gobierno uruguayo dispuso un día de duelo nacional y fue enterrada con honores de Ministro de Estado, siendo la primera mujer en la historia del susodicho país en alcanzar tal honor.

Villancico castellano

Ya cantan los gallos,

amor mío, y vete,

cata que amanece.

Vete, alma mía,

más tarde no esperes,

no descubra el día

los nuestros placeres.

Cata que los gallos, 

según me parece,

dicen que amanece.

Cercanas las festividades navideñas y siendo esta la última reseña del trimestre (dado que el próximo viernes ya no es día lectivo), tengo a bien recuperar, como he hecho en alguna que otra ocasión, un tradicional villancico castellano, aunque en esta ocasión su temática no es religiosa sino de asunto amoroso. De hecho, debes saber que el tradicional villancico navideño es una derivación de la lírica popular medieval hispánica (seguro que palabras como jarchas o cantigas de amigo te suenan de algunas clases).

En muchas ocasiones los poemas requieren de una atención especial, de una lectura atenta e incluso, casi me atrevería a decir que de la adquisición de unas estrategias de lectura para desentrañar sus juegos lingüísticos. Sin embargo, la lírica tradicional se caracteriza por la sencillez. Así las cosas, los versos, cortos, de seis sílabas, en el poema que nos ocupan, destilan sencillez y concreción.

En el caso del poema que nos ocupa, el lector puede imaginarse una bonita estampa, mas bien unos fotogramas que parecen arrancados a una película de amor, en la que tras el canto del gallo los enamorados deben despedirse.

La voz, en el caso del poema que nos ocupa, es ambigua. Si bien la lírica tradicional se caracteriza por estar protagonizada por la voz femenina, aquí, la aparición de “alma” por el tradicional “amado” hace que el sentido del texto sea ambivalente. Pero lo que sí que no es ambivalente es la picardía que subyace, la idea de que los amantes obran al margen de la claridad, quizás al margen del matrimonio, en esos terrenos de la placidez sombría que el canto del gallo va a desvirtuar.

Como colofón, señalar la influencia que esta lírica tiene en uno de los poetas más célebres de nuestra literatura, Federico García Lorca. ¿Quién no recuerda al leer esta anónima composición el célebre arranque de su Romance de la pena negra?

Las piquetas de los gallos 

cavan buscando la aurora

cuando por el monte oscuro

baja Soledad Montoya.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

El miedo global. Eduardo Galeano 

Los que trabajan tienen miedo de perder el trabajo. 

Y los que no trabajan tienen miedo de no encontrar nunca trabajo. 

Quien no tiene miedo al hambre, tiene miedo a la comida. 

Los automovilistas tienen miedo a caminar y los peatones tienen miedo de ser atropellados.

La democracia tiene miedo de recordar y el lenguaje tiene miedo de decir. 

Los civiles tienen miedo a los militares. 

Los militares tienen miedo a la falta de armas. 

Las armas tienen miedo a la falta de guerra. 

Es el tiempo del miedo. 

Miedo de la mujer a la violencia del hombre y miedo del hombre a la mujer sin miedo. 

Miedo a los ladrones y miedo a la policía.

Miedo a la puerta sin cerradura. 

Al tiempo sin relojes. 

Al niño sin televisión. 

Miedo a la noche sin pastillas para dormir y a la mañana sin pastillas para despertar. 

Miedo a la soledad y miedo a la multitud. 

Miedo a lo que fue. 

Miedo a lo que será. 

Miedo de morir. 

Miedo de vivir.

Eduardo Galeano (1940-2015) fue un escritor y periodista uruguayo que no tuvo miedo a denunciar el saqueo de los recursos naturales por parte de los imperios coloniales en América Latina, lo que le valió ser encarcelado y exiliado. En Las venas abiertas de América Latina afirmó que el desarrollo es un viaje con más náufragos que navegantes, una idea que genera un interesante conflicto con la interminable senda de utópico desarrollo propuesta por los países occidentales en las últimas décadas. 

No hay duda de que el miedo es un mecanismo de defensa que ha sido muy práctico durante la historia evolutiva del ser humano. Pero parece que en la actualidad se nos ha ido de las manos. 

Todos estamos cargados de miedos, que a menudo ocultamos para esconder nuestras debilidades. En estos tiempos de pandemia, algunos de nuestros miedos han vuelto a estar a flor de piel, dada la situación extraordinaria que estamos viviendo. Hoy en día da la impresión de que los medios de comunicación se están encargando de gestionar nuestros miedos según convenga a los que mandan. 

 Un nuevo año da miedo, las navidades con la familia dan miedo, tener un hijo/a da miedo, la vida da miedo. 

El miedo está ahí, desde mi punto de vista la gracia está en nuestra reacción frente a todos estos miedos; si vamos a dejar que el miedo nos atenace o vamos a enfrentarnos a nuestra realidad, cogiendo el toro por los cuernos. 

Mariano Turmo (Departamento de Física y Química)

Recientemente he leído en prensa que en Egipto ha quedado restaurado el majestuoso corredor de esfinges que unía los templos de Karnak y Luxor, en Tebas, la antigua capital del Alto Egipto. Enseguida me ha venido a la mente ese ser mitológico con cuerpo alado de león y torso desnudo de mujer, que tanta curiosidad desata entre los estudiantes adolescentes, y de las peripecias de uno de los antihéroes más conocidos de la Antigüedad. Me refiero, claro está, al hijo pródigo del trágico heleno Sófocles, que no es otro que el señor Edipo de Tebas.

Mi memoria entonces se ha puesto a funcionar por primera vez en mucho tiempo y, esencia de hueso quemado aparte, ha recordado la pieza de Les Luthiers titulada “Epopeya de Edipo de Tebas”. Se trata de una obrita con bastante solera (¡1969: casi nada!) que, justamente, resume la tragedia edípica por antonomasia. Eso sí: estos encantadores locos argentinos le imprimen su sello a un poema épico manteniendo el tono mítico, pero otorgándole una forma de cantar de gesta medieval, con rima interna, al que añaden una vuelta por estrofa (amén de acompañarlo con instrumentación de época). Una delicia para los sentidos.

Resumen sui generis. El famoso oráculo de Delfos profetizó en una ocasión al rey Layo de Tebas que su primogénito sería parricida-regicida, con altas probabilidades de cometer un poco de incesto. Cuando este nació, le faltó tiempo para que los pendientes reales se le pusieran de corbata. Así las cosas, le pidió a un sirviente un día que se diera un paseo por el campo y “sacara la basura”. Del suelo tirado cual vulgar uva pasa fue recogido por los reyes de Corinto. Gigantesca elipsis temporal de por medio, Edipo crecidito visitó a la consabida pitonisa, quien le vaticinó el mismo destino desvelado años atrás. Edipo, creyendo inocentemente que sus verdaderos padres eran los reyes de Corinto, huyó a la ciudad de Tebas…

Semanas más tarde a Tebas avanza.

Resolver alcanza cierta adivinanza,

semanas más tarde…

La Esfinge de Tebas, al ser derrotada,

se ofusca, se enfada y se hace pomada;

la Esfinge de Tebas…

Edipo, tras resolver el enigma de la esfinge (aquel del que camina a cuatro patas por la mañana, dos por la tarde y tres por la noche), añadió a su currículum la instigación al suicidio, por parte de la esfinge. Anteriormente, en un gracioso giro de los acontecimientos, se había peleado con un señor desconocido que se había encontrado por el camino (y que, menuda sorpresa, resultó ser un tal Layo). Al llegar a Tebas, fue recibido con honores por cargarse a la esfinge, nombrado rey (pues este había finado “incomprensiblemente”), y alimentó una ancestral costumbre: tomar a la enviudada reina como esposa. 

Maravilloso es el momento genealógico que se vive entonces. Por si alguien lo dudaba, ese matrimonio quedó consumado en repetidas ocasiones, y una vez el rey hubo de consultar al oráculo de las narices, la cruda realidad quedó tristemente revelada. La profecía se había cumplido (quien avisa no es traidor…): la reina Yocasta era, hacia su hijo Edipo, madre y abuela al mismo tiempo. Este, haciendo gala de sangrienta ostentación (y, quién sabe, tal vez poseído por el espíritu de Quentin Tarantino), decidió arrancarse los ojos.

Y aquí tenemos este sensacional relato que ha dado para innumerables manuales de psicología freudiana. A mí me viene de perlas para explicarles a mis alumnos que una poesía rítmicamente rimada no siempre ha de ser lírica (o sea, que transmita un sentimiento). Puede ser perfectamente narrativa si cuenta una historia (en este caso, además, pensada en su origen para representarse). 

Vídeo: Les Luthiers (canal de Les Luthiers), 23 de agosto de 2018. Epopeya de Edipo de Tebas. En YouTube: https://youtu.be/d48I385Hutw

Autoría: Pseudópodo (Depto. de Lengua y Literatura).

CENTENARIO LABORDETIANO: MIGUEL LABORDETA SUBÍAS-1921-1969.

 Sirva esta reseña para poner en contacto a los lectores de estas páginas con el gran poeta aragonés del siglo XX.  Quizás de los mejores poetas españoles de mitad de la anterior centuria, y tal vez el poeta español más olvidado. Reivindico su poesía, y su lectura con voz alta en las aulas o  en alguna asignatura completa que vuelva a titularse “Literatura española contemporánea”. Que exista un tema, no un párrafo, donde se vean  los tertulianos  del café NiKé de Zaragoza., se hable de las sociedades poéticas con sus amigos, la O.P.I (Oficina Poética Internacional), y se regale algún número, da igual fotocopiado o  escaneado, de las innumerables revistas poéticas en las que participaba: Orejudín, Papageno, Despacho literario…

 Miguel Labordeta Subías nace en Zaragoza en 1921 y vive en el colegio Buen Pastor, pegado al Mercado central, propiedad de su padre. Estudia Filosofía y Letras, y se incorpora como profesor y luego director al colegio familiar. Intenta doctorarse en Madrid, pero le vence el cariño de su provinciana y “gusanera Zaragoza”. Importante los años cincuenta y sesenta, por la coincidencia de un grupo de poetas aragoneses, que son buenos amigos, y que junto con el alma de Miguel Labordeta, son capaces de sacar adelante revistas, colecciones de libros de poesía, además de disfrutar de la vida. Y digo disfrutar de la vida, en la medida de los márgenes que dejaba la dictadura  franquista, bastante oscura.

 Podemos citar sus libros de poemas, con sus sugerentes títulos: “Sumido 25”, “Violento Idílico” ,”Transeúnte central”, obras de teatro como “Oficina de Horizonte”…Y debemos mencionar a sus amigos poetas: Manuel Pinillos, Julio Antonio Gómez, Rosendo Tello, Emilio Gastón, Guillermo Gúdel, su propio hermano José Antonio Labordeta, y otros muchos más por qué la nómina es extensa, que posibilitan llevar adelante numerosas empresas editoriales y culturales. Debo reivindicar a estos poetas, no por paisanaje , si no por su poética rotunda y universal, desconocida por quedarse en una ciudad interior. 

 Afortunadamente, y en los últimos años, por los menos en Aragón, se ha vuelto a editar su obra poética completa, y de vez en cuando van editándose antologías y estupendas biografías, como la de Antonio Ibáñez Izquierdo: “Miguel Labordeta: Poeta Violento Idílico,1921-1969”, en la colección de la Biblioteca Aragonesa de Cultura (por cierto está en la biblioteca del instituto, ya que esta colección, junto con otros tantos cientos de libros  nos la donó, el catedrático de Literatura de la Universidad de Zaragoza, don Alberto Montaner Frutos).

 Miguel Labordeta, muere repentinamente a los 48 años, en su segunda juventud. Su hermano José Antonio se ocupó de difundir la poesía de  Miguel y  de dedicar un estupendo disco, donde recita y pone música a poemas de su hermano, de sus amigos poetas, y suyos también. El disco, que fue acompañado de gira teatral, se titula “Con la voz a cuestas”, editado por Prames, en formato disco-libro. Yo como soy labordetiano al cuadrado, por Miguel y José Antonio, hago mi pequeña antología, con dos poemas de Miguel, y con el poema-canción que le dedicó José Antonio.

  RETROSPECTIVO EXISTENTE (del libro Violento Idílico-1949).

  Me registro los bolsillos desiertos

para saber dónde fueron aquellos sueños.

Invado las estancias vacías

para recoger mis palabras tan lejanamente idas.

Saqueo aparadores antiguos,

viejos zapatos, amarillentas fotografías tiernas,

estilográficas desusadas y textos desgajados del Bachillerato.

Pero nadie me dice quién fui yo.

Aquellas canciones que tanto amaba

no me explican donde fueron mis minutos

y aunque torturo los espejos

con peinados de quince años,

con miradas podridas de cinco años

o quizá de muerto,

nadie,

nadie me dice donde estuvo mi voz

ni de qué sirvió mi fuerte sombra mía

esculpida en presurosos desayunos,

en jolgorios de aulas y pelotas de trapo,

mientras los otoños sedimentaban

de pálidas sangres

las bodegas del Ebro.

¿En qué escondidos armarios

guardan los subterráneos ángeles

nuestros restos de nieve nocturna atormentada?

¿Por qué vertientes terribles se despeñan

los corazones de los viejos relojes parados?

¿Dónde encontraremos todo aquello

que éramos en las tardes de los sábados,

cuando el violento secreto de la Vida

era tan sólo

una dulce campana enamorada?

Pues yo registro los bolsillos desiertos

y no encuentro ni un solo minuto mío

ni una sola mirada en los espejos

que me diga quién fui yo.

    Miguel Labordeta Subías-1949, Obras Completas. Colección Fuendetodos. Ediciones Javalambre. Nº 11. Zaragoza, 1972.

 SEVERA CONMINACIÓN DE UN CIUDADANO DEL MUNDO ( del poemario Epilírica-1961).

Mataos

Pero dejad tranquilo a ese niño que duerme en una cuna.

Si vuestra rabia es fuego que devora tal cielo

Y en vuestras almohadas crecen las pistolas:

destruíos aniquilaos ensangrentad

con ojos desgarrados los acumulados cementerios

que bajo la luna de tantas cosas callan

pero dejad tranquilo al campesino

que cante en las mañanas

el azul nutritivo de los soles.

Invadid con vuestro traquetreo

los talleres los navíos las universidades

las oficinas espectrales donde tanta gente languidece

triturad toda rosa hallad al noble pensativo

preparad las bombas de fósforo y las nupcias del agua con la muerte

que han de aplastar a las dulces muchachas paseantes

en esta misma hora que sonríe

por una desconocida ciudad de provincias

pero dejad tranquilo al joven estudiante

que lleva en su corazón un estío secreto.

Inundad los periódicos las radios los cines las tribunas

de entelequias estructuradas incompatibles

pero dejad tranquilo al obrero que fumando un pitillo

ríe con los amigos en aquel bar de la esquina.

Asesinaos si así lo deseáis

exterminaos vosotros: los teorizantes de ambas cercas

que jamás asiríais un fusil de bravura

pero dejad tranquilo a ese hombre tan bueno y tan vulgar

que con su mujer pasea en los económicos atardeceres.

Aplastaos pero vosotros

los inquisitoriales azuzadores de la matanza

los implacables dogmáticos de estrechez mentecata

los monstruosos depositarios de la enorme Gran Estafa

los opulentos energúmenos que en alza favorable de cotizaciones

preparáis la trituradora de los sueños modestos

bajo un hacha de martirios inútiles.

Pisotead mi sepulcro también

os lo permito si así lo deseáis inclusive y todo

aventad mis cenizas gratuitamente

si consideráis que mi voz de la calle no se acomoda a vuestros fines

suculentos.

Pero dejad tranquilo a ese niño que duerme en una cuna

al campesino que nos suda la harina y el aceite

al joven estudiante con su llave de oro

al obrero en su ocio ganado fumándose un pitillo

y al hombre gris que coje los tranvías

con su gabán roído a la seis de la tarde.

Esperad otra cosa.

Los parieron sus madres para vivir con todos

y entre todos aspiran a vivir tan sólo esto

y de ellos ha de crecer

si surje

una raza de hombres con puñales de amor inverosímil

hacia otras aventuras más hermosas.

Miguel Labordeta Subías-1961.Obras Completas. Colección Fuendetodos, nº 11.Zaragoza, 1972.

El POETA, (canción de José Antonio Labordeta.: “A Miguel, mi hermano”).

El quiso ser

palabra sobre el río al amanecer

y caminó

por viejas esperanzas

que nadie entendió.

Dejo después

la mano entre las manos y se nos marchó

con un suave silencio

que el viento rompió.

   Su gesto fue

   dolido, por el caminar

   entre yermos y piedras 

   y un extenso erial.

Su voz se ató

al yermo del paisaje y a la sangre en flor.

Se hizo pared

allí donde los muros cayeron tras él.

Su soledad

abrió por los caminos la necesidad

que levanta a los hombres

a la libertad.

   Caminos son 

   abiertos por su fuerte voz

   lanzada contra cierzo y sol

   y contra tantos siglos de dolor.

Del disco de José Antonio Labordeta de 1977 “Labordeta en directo”. Fonomusic.

También aparece en su libro de poemas “Poemas y canciones”, Colección El Bardo, Editorial Lumen, 1976.

Francisco Javier Murillo Esteban (Departamento de Geografía e Historia)

Je l’aime à mourir, Francis Cabrel

Moi je n’étais rien
Et voilà qu’aujourd’hui
Je suis le gardien
Du sommeil de ses nuits
Je l’aime à mourir

Vous pouvez détruire
Tout ce qu’il vous plaira
Elle n’a qu’à ouvrir
L’espace de ses bras
Pour tout reconstruire
Pour tout reconstruire
Je l’aime à mourir

Elle a gommé les chiffres
Des horloges du quartier
Elle a fait de ma vie
Des cocottes en papier
Des éclats de rire

Elle a bâti des ponts
Entre nous et le ciel
Et nous les traversons
À chaque fois qu’elle
Ne veut pas dormir
Ne veut pas dormir
Je l’aime à mourir

Elle a dû faire toutes les guerres
Pour être si forte aujourd’hui
Elle a dû faire toutes les guerres
De la vie, et l’amour aussi

Elle vit de son mieux
Son rêve d’opaline
Elle danse au milieu
Des forêts qu’elle dessine
Je l’aime à mourir

Elle porte des rubans
Qu’elle laisse s’envoler
Elle me chante souvent
Que j’ai tort d’essayer
De les retenir
De les retenir
Je l’aime à mourir

Pour monter dans sa grotte
Cachée sous les toits
Je dois clouer des notes
À mes sabots de bois
Je l’aime à mourir

Je dois juste m’asseoir
Je ne dois pas parler
Je ne dois rien vouloir
Je dois juste essayer
De lui appartenir
De lui appartenir
Je l’aime à mourir

Elle a dû faire toutes les guerres
Pour être si forte aujourd’hui
Elle a dû faire toutes les guerres
De la vie, et l’amour aussi

Moi je n’étais rien
Et voilà qu’aujourd’hui
Je suis le gardien
Du sommeil de ses nuits
Je l’aime à mourir

Vous pouvez détruire
Tout ce qu’il vous plaira
Elle n’aura qu’à ouvrir
L’espace de ses bras
Pour tout reconstruire
Pour tout reconstruire
Je l’aime à mourir

TRADUCCIÓN

La quiero a morir

Y yo que hasta ayer sólo fui un holgazán

y hoy soy el guardián de sus sueños de amor

La quiero a morir

Podéis destrozar todo aquello que veis

porque ella de un soplo lo vuelve a crear

como si nada, como si nada

La quiero a morir

Ella borra las horas de cada reloj

me enseña a pintar transparente el dolor

con su sonrisa

Y levanta una torre desde el cielo hasta aquí

y me cose unas alas y me ayuda a subir

a toda prisa, a toda prisa

La quiero a morir

Conoce bien cada guerra

cada herida, cada sed

conoce bien cada guerra

de la vida y del amor también

Me dibuja un paisaje y me lo hace vivir

en un bosque de lápices se apodera de mí

La quiero a morir

Y me atrapa en un lazo que no aprieta jamás

como un hilo de seda que no puedo soltar

no quiero soltar, no quiero soltar

La quiero a morir

Cuando trepo a sus ojos me enfrento al mar

dos espejos de agua encerrada en cristal

La quiero a morir

Sólo puedo sentarme, solo puedo charlar

sólo puedo enredarme, solo puedo aceptar

ser sólo suyo, sólo suyo

La quiero a morir

Conoce bien cada guerra

cada herida, cada sed

conoce bien cada guerra

de la vida y del amor también

Y yo que hasta ayer sólo fui un holgazán

y hoy soy el guardián de sus sueños de amor

La quiero a morir

Podéis destrozar todo aquello que veis

porque ella de un soplo lo vuelve a crear

como si nada, como si nada

La quiero a morir.

Estudié francés en el colegio, en el instituto y en la universidad. Luego, lo sustituí por la lengua de Shakespeare por motivos prácticos, como trabajo, viajes… y el francés quedó ahí, a medio camino entre el recuerdo y el olvido. A temporadas intento retomarlo. Confieso que odio su gramática, sus verbos endiablados y, sobre todo, sus acentos, pero no me puedo resistir a su musicalidad y romanticismo. Todo suena mejor en francés y, el amor… también. Supongo que por ello de vez en cuando escucho una y otra vez unas cuantas canciones que, aunque algo antiguas, para mí representan la atemporalidad del amor.

Esta canción de Francis Cabrel fue lanzada en 1979 y, aunque ha sido traducida al español, (texto que incluyo)  e interpretada por varios cantantes, ninguna versión transmite la emoción como lo hace la francesa.

Nos habla del amor perfecto, puro, aquel que te transporta a un lugar donde solo existen los amantes y donde no hay peligro, dificultad ni obstáculo que no se pueda superar. Encontramos una amada profundamente vital, a la que el dolor del pasado ha fortalecido y, en cuyos ojos su amante se refleja. Ella ha construido un tiempo y un espacio propios donde no dudaríamos en perdernos, por lo menos yo.

Para los que se animen a dejarse llevar aquí está la canción original, letra incluida.

Patricia Chavarrías (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

ODA A LA VACUNA

(…)

 Un pueblo inteligente y numeroso               

el lugar ocupó de los desiertos,                     

y los vergeles de Pomona y Flora                 

a las zarzas incultas sucedieron.                    

No más allí con sanguinarios ritos     65       

el nombre se ultrajó del Ser Supremo,                      

ni las inanimadas producciones                     

del cincel, le usurparon nuestro incienso;                 

con el nombre español, por todas partes,                  

la luz se difundió del evangelio,        70       

y fue con los pendones de Castilla                 

la cruz plantada en el indiano suelo.             

Parecía completa la grande obra                   

de la real ternura; en lisonjero                       

descanso, las nacientes poblaciones   75       

bendecían la mano de su dueño,                    

cuando aquel fiero azote, aquella horrible                

plaga exterminadora que, del centro             

de la abrasada Etiopía transmitida,                

funestó los confines europeos,           80       

a las nuevas colonias trajo el llanto               

y la desolación; en breve tiempo,                  

todo se daña y vicia; un gas impuro              

la región misma inficionó del viento;                        

respirar no se pudo impunemente;     85       

y este diáfano fluido en que elementos                      

de salud y existencia hallaron siempre                      

el hombre, el bruto, el ave y el insecto,                     

en cuyo seno bienhechor extrae                     

la planta misma diario nutrimento,    90       

corrompiose, y en vez de dones tales,                       

nos trasmitió mortífero veneno.                    

Viéronse de repente señalados                       

de hedionda lepra los humanos cuerpos,                   

y las ciudades todas y los campos     95       

de deformes cadáveres cubiertos.                  

No; la muerte a sus víctimas infaustas                      

jamás grabó tan horroroso sello;                   

(…)

De la marina costa a las ciudades,     105     

de los poblados pasa a los desiertos              

la mortandad; y con fatal presteza,                

devora hogares, aniquila pueblos.                 

El palacio igualmente que la choza               

se ve de luto fúnebre cubierto;           110     

perece con la madre el tierno niño;               

con el caduco anciano, los mancebos.                       

Las civiles funciones se interrumpen;                        

el ciudadano deja los infectos                        

muros; nada se ve, nada se escucha,  115     

sino terror, tristeza, ayes, lamentos.               

¡Qué de despojos lleva ante su carro             

Tisífone! ¡Qué número estupendo                 

de víctimas arrastran a las hoyas                   

la desesperación y el desaliento!        120     

¡Cuántos a manos mueren del más duro                   

desamparo! Los nudos más estrechos                       

se rompen ya: la esposa huye al esposo,                   

el hijo al padre y el esclavo al dueño.                       

¡Qué mucho si las leyes autorizan     125     

tan dura división!… Tristes degredos,                       

hablad vosotros; sed a las edades                  

futuras asombroso monumento,                     

del mayor sacrificio que las leyes                 

por la pública dicha prescribieron;     130     

vosotros, que, en desorden espantoso,                      

mezclados presentáis helados cuerpos,                     

y vivientes que luchan con la Parca,             

en cuyo seno oscuro, digno asiento               

hallaron la miseria y los gemidos;     135     

mal segura prisión, donde el esfuerzo                       

humano, encarcelar quiso el contagio,                      

donde es delito el santo ministerio                

de la piedad, y culpa el acercarse                  

a recoger los últimos alientos 140     

de un labio moribundo, donde falta               

al enfermo infelice hasta el consuelo            

de esperar que a los huesos de sus padres,                

se junten en el túmulo sus huesos.

(…)

    Carlos manda; y al punto una gloriosa                  

expedición difunde en sus inmensos 190     

dominios el salubre beneficio                        

de aquel grande y feliz descubrimiento.                    

Él abre de su erario los tesoros;                     

y estimulado con el alto ejemplo                   

de la regia piedad, se vigoriza            195     

de los cuerpos patrióticos el celo.                  

Él escoge ilustrados profesores                     

y un sabio director, que, al desempeño                      

de tan honroso cargo, contribuyen                 

con sus afanes, luces y talento.          200     

¡Ilustre expedición! La más ilustre                

de cuantas al asombro de los tiempos                       

guardó la humanidad reconocida;

(…)

Y a ti, Balmis, a ti que, abandonando                        

el clima patrio, vienes como genio                

tutelar, de salud, sobre tus pasos,                  

una vital semilla difundiendo,                       

¿qué recompensa más preciosa y dulce         305     

podemos darte? ¿Qué más digno premio                  

a tus nobles tareas que la tierna                     

aclamación de agradecidos pueblos              

que a ti se precipitan? ¡Oh, cuál suena                      

en sus bocas tu nombre!… ¡Quiera el Cielo,  310     

de cuyas gracias eres a los hombres              

dispensador, cumplir tan justos ruegos;                    

tus años igualar a tantas vidas,                      

como a la Parca roban tus desvelos;              

y sobre ti sus bienes derramando       315     

Con largueza, colmar nuestros deseos!          

(Andrés Bello, 1804)    

            El poeta  Andrés Bello (Caracas, 29 de noviembre de 1781-Santiago de Chile, 15 de octubre de 1865), maestro de Simón Bolívar y héroe de la Independencia Venezolana, compuso la Oda a la vacuna en diciembre de 1806.

            La pandemia a que hace se hace referencia en el poema es la viruela, que venía asolando Europa desde finales del XVIII, pero sus efectos se devastadores se parecen mucho a lo que estamos hoy viviendo. El objetivo de esta oda es loar la campaña de vacunación antivariólica que España lideró en las colonias hispanoamericanas, financiada por la corona. Carlos IV había visto a su esposa, María Luisa de Parma, contraer esa misma enfermedad, que dejó marcado todo su cuerpo.

            Por este motivo, impulsó lo que se considera la primera campaña de salud pública del mundo siguiendo los avances más pioneros en el momento, las investigaciones de Edward Jenner (1749-1823), y enviando al Nuevo Mundo los preciados “viales” en una expedición a cargo del médico Francisco Javier Balmis (en su honor, la campaña contra la COVID-19 recibió el nombre clave de “Operación Balmis”). Dejaremos ahora de lado el espinoso dilema ético de usar como viales a niños huérfanos -alguno de tres años- que son inoculados con la infección de otros niños en una cadena que ha de prolongarse en un penoso viaje en barco. Eran otros tiempos.

            En España, el médico Francisco Piguillem (1770-1826) fue el primero en vacunar a tres niños (en 1800) con pus vacuno remitido desde París, y eso es solo un año después de que se publicaran aquí los primeros trabajos científicos. Barcelona y Madrid prepararon vacunaciones masivas desde ese año y para el otoño y el invierno de 1801, setenta localidades de Aragón ya vacunaban (solo en Zaragoza, más de 1000 personas recibieron la dosis con resultado favorable) verificando el nombre del vacunado, el de sus padres, la fecha de aplicación y su seguimiento. La experiencia española, pues, podía exportarse con éxito.

            En este poema, verás el contraste entre la descripción del paraíso terrenal americano y los efectos de una enfermedad importada que infecta el aire, y también la restitución del optimismo que, como es lógico en un pensador ilustrado como Bello, solo puede llegar a través del uso de la ciencia y la razón. En la oda también se aprecia la estrecha relación entre el progreso médico y el progreso económico, única forma de alcanzar la prosperidad en tiempos de crisis. ¿Pero qué hacer cuando la fuente de la vida es la que te mata?

                        un gas impuro             

                        la región misma inficionó del viento;                        

                        respirar no se pudo impunemente;        

            Como ocurre en la actual pandemia, la enfermedad no entiende de clases sociales (“el palacio igualmente que la choza”), y es la vacuna la que cura al enfermo, y el enfermo el que cura la economía. Oponerse a la vacuna conduce al desastre. Sin vacuna, solo nos queda… la prevención. Es la descripción de estas medidas y sus secuelas (distancia social, higiene, confinamiento, separación familiar, desamparo, paralización de actividades lúdicas y laborales, prohibición incluso de velar a los muertos) lo que hace este poema extrañamente actual. ¿Cómo no pensar en las imágenes aéreas de las fosas de los desmesurados cementerios de Brasil al leer la descripción de las “hoyas” que hace Bello? ¿Cómo no recordar las residencias y  las unidades de UCI cuando se relata el aislamiento en esos “degredos”?

            mal segura prisión, donde el esfuerzo                       

            humano, encarcelar quiso el contagio,

            Hay otro fragmento interesante en esta oda: ¿Qué dirán a sus hijos los supervivientes a la pandemia? Que lo único que la derrotó fue una eficaz política sanitaria con leyes casi inhumanas, pero necesarias:  “¡Qué mucho si las leyes autorizan / tan dura división!… “

            La esperanza llegó a los enfermos de esa pandemia desde el conocimiento y la razón. Ahora que empezamos a ver la luz al final del túnel y nos asomamos a la “nueva normalidad” te presentamos un poema que, pese a escribirse hace más de doscientos años, nos ayudará a poner en su sitio situaciones muy recientes. Y es que, pese a que creemos que vivimos en los tiempos más terribles, no hay como volver la vista atrás y tomar conciencia de que los males que hoy asolan a la Humanidad: guerras, hambre, desastres naturales, epidemias… nos han acompañado desde siempre, pero hemos sobrevivido. No todo tiempo pasado fue mejor. Afortunadamente, los continuos avances, ahora y entonces, invitan al optimismo.

Miguel Ángel Aragüés (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

A vegades és necessari i forçós
que un home mori per un poble,
però mai no ha de morir tot un poble
per un home sol:
recorda sempre això, Sepharad.
Fes que siguin segurs els ponts del diàleg
i mira de comprendre i estimar
les raons i les parles diverses dels teus fills.
Que la pluja caigui a poc a poc en els sembrats
i l’aire passi com una estesa mà
suau i molt benigna damunt els amples camps.
Que Sepharad visqui eternament
en l’ordre i en la pau, en el treball,
en la difícil i merescuda
llibertat.

(Salvador Espriu)

En esta ocasión vamos a recuperar para nuestra sección la voz lírica de Salvador Espriu, uno de los grandes poetas del pasado pero próximo siglo XX, miembro fundador de la Asociación de Escritores en Lengua Catalana. De férrea formación académica (se licenció en Derecho e Historia Antigua). Sus conocimientos respecto de las tradiciones literarias antiguas (estudió lenguas clásicas y egiptología) influyeron de manera determinante en su obra, tal y como deja vislumbrar el poema que hemos elegido en esta ocasión, originalmente compuesto en lengua catalana, del que facilitamos su traducción, gracias a otra gran voz poética, la de José Agustín Goytisolo.

A veces es necesario y forzoso
que un hombre muera por un pueblo,
pero jamás ha de morir todo un pueblo
por un hombre solo:
recuerda siempre esto, Sepharad.
Haz que sean seguros los puentes del diálogo
y trata de comprender y de estimar
las diversas razones y hablas de tus hijos.
Que la lluvia caiga poco a poco en los sembrados
y el aire pase como una mano extendida,
suave y muy benigna sobre los anchos campos.

Que Sepharad viva eternamente
en el orden y en la paz, en el trabajo,
en la difícil y merecida
libertad.

Sepharad es un viaje hacia nuestras raíces culturales, hacia esa diversidad que nos singulariza como pueblo. Una península ibérica entendida como una mezcla de civilizaciones, de ahí el título del texto, tomado de la denominación que los judíos sefardíes daban a nuestras hispánicas tierras.

Sepharad, nombre de mítica ciudad que aparece en él Génesis bíblico, otra de las amadas lecturas de Espriu, quien con estos versos originalmente escritos en Catalán nos habla de un problema de nuestra actualidad: la politización de la lengua. La perversión del uso de un elemento esencial para la comunicación humana. La lengua entendida no como un puente que hermane a los seres humanos, sino como un muro infranqueable que los separa.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Castellana y Literatura)

LEJANÍA

Hace tiempo que no me acaricias,

tanto,

que no recuerdo si algún día

llegaste a hacerlo.

(Sara Búho)

Artísticamente conocida como Sara Búho, esta poeta gaditana, más precisamente de La Línea de la Concepción, y nacida en 1991, es una de las principales escritoras de la nueva poesía urbana escrita por mujeres. Su nombre artístico viene de la combinación de sus dos apellidos: Bueno y Hormigo. Sara se graduó en Derecho por la Universidad de Sevilla y cursó un máster en Marketing Digital y Comercio Electrónico.

Como comentó en una entrevista que escuché hace tiempo en la radio, Sara empezó a compartir sus poemas en un blog en 2005, siendo para ella una manera de expresar sus sentimientos desde niña puesto que se considera una persona con cierta dificultad a la hora de comunicarse. Sin embargo, su poesía es muy directa y es muy aclamada debido a la gran cantidad de seguidores que tiene en redes sociales. Cuenta a día de hoy con 411.000 seguidores en Instagram.

Tras publicar tres libros, La Ataraxia del corazón en 2016, Y yo a ti en 2017 y La inercia del silencio en 2019, acaba de publicar su último poemario: Fragilidades, del cual he seleccionado mi propuesta de poema para esta semana: “Lejanía”.

¿Y por qué este poema de tantos publicados y compartidos por Sara? Supongo que las fechas a las que nos acercamos, me hacen recordar, una vez más, la ausencia de los que se fueron y desgraciadamente ya no están. Me siento identificada con esa sensación de vacío, frío, y me produce nostalgia recordar esos abrazos cálidos de mis seres queridos. 

La poesía de Sara es una poesía cercana, con la que todos nos podemos sentir identificados en algún momento de nuestras vidas y su temática es variada y no siempre con motivos de tristeza. Os dejo otro poema que me gusta mucho y os animo a que disfrutéis de la magia que ella es capaz de crear con tan pocas palabras. Tiene la habilidad de llegar al fondo de la piel y emocionar sin previo aviso.

Cristina Lavilla (Departamento de Inglés)

«Tú me abandonarás en primavera» 

Fue indirectamente como me interesé por la poesía de Antonio Gala. Entre 1997 y 2002 emitían «La noche abierta», un programa de entrevistas muy personales presentado y dirigido por el humorista Pedro Ruiz, en La2 de Televisión Española. Quizás alguien lo recuerde porque invitaban a cinco estudiantes de periodismo, que se ganaban el derecho a formular una pregunta al invitado si conseguían adivinar un gazapo introducido a propósito por el presentador y el entrevistado.

Entre las intervenciones musicales que aparecían en el programa, algunas eran de Clara Montes, una artista madrileña con alma gaditana, ya que allí ha pasado gran parte de su vida. Clara tiene una voz tan personal, que cuando la escuchas por primera vez y te gusta, la reconocerás siempre.

En esa intervención musical, Clara interpretó el tema «En una barca», que trata sobre los sueños y la libertad, y te crea un nudo en el estómago, pensando en la cantidad de personas que mueren en el mar buscando una vida mejor.

En una barca lleva una perla blanca,

y dicen las olas que es perla sin rey que el corazón le arranca,

soy almirante en una barca errante,

a golpe de remo me nombro yo rey

yo soy un rey emigrante.

Y ahora soy un monarca

mi reino está en mi barca,

navega una perla blanca y su rey

sobre el azul de los mares

el mismo azul de mis penas,

el mismo azul de mis venas,

el mismo azul de mi techo,

el mismo azul de mi lecho.

Desde el norte hasta el sur

desde oriente hasta poniente

traslado mi villa y corte a la vez

bajo el temblor de los vientos.

Claros los sentimientos que envuelven mi corona,

bahía de otra persona querer mi mascarón de proa

el espíritu de mi tiempo remanso en la tormenta.

El único ser que calienta,

el único que cuenta.

En una barca lleva una perla blanca…

Y allá cada cual con su ley,

que yo soy rey por un día,

allá cada cual con su ley,

que yo me debo a la mía.

En unas vacaciones en Conil (Cadiz), tuve la enorme suerte de poder escuchar a Clara Montes en directo, y decidí comprar algo de su discografía. Es en ese momento cuando supe que uno de los primeros trabajos musicales de Clara Montes eran sonetos de amor de Antonio Gala hechos canción.

A este soneto quería llegar y propongo como poema de la semana, titulado «Tú me abandonarás en primavera»:

Tú me abandonarás en primavera,

cuando sangre la dicha en los granados

y el secadero, de ojos asombrados,

presienta la cosecha venidera.

Creerá el olivo de la carretera

ya en su rama los frutos verdeados.

Verterá por maizales y sembrados

el milagro su alegre revolera.

Tú me abandonarás. Y tan labriega

clareará la tarde en el ejido,

que pensaré: es el día lo que llega.

Tú me abandonarás sin hacer ruido,

mientras mi corazón salpica y juega

sin darse cuenta de que ya te has ido.

Para terminar, ya que he observado que hay personas en el Centro a los que subyuga todo lo relacionado con García Lorca, os diré que uno de los últimos trabajos de Clara Montes es una adaptación teatral de una novela, «Los amores oscuros» de Manuel Francisco Reina, sobre el último amor de Federico García Lorca.

Isaac Cuesta (Departamento de Física y Química)

HIPHOPTEROS

Que sí. Que a un servidor le encanta Lorca y, en definitiva, todo lo que rodea a su generación en materia del arte de la trova. Que, aunque solo sea para añadir picante a las inocuas (¿o eran más bien inicuas?) discusiones literarias del Departamento de Lengua, declaro y postulo que el 27 le da cien vueltas gongorinas al 98 en el campo de la lírica. Por supuesto, si de Lorca hablo, no puedo evitar acordarme de los candidatos a bachiller que leen, analizan y estudian el consabido “Romancero Gitano”, del señor antes mencionado. Una belleza para todos los sentidos: personalmente, recomiendo tomar el AVE hasta Granada y fundirse con el alma lorquiana hojeando sus poemarios a la sombra de unos naranjos en la Alhambra (o, mejor aún, en una terracita, caña y tapa de por medio). Eso sí: la bromita barata no sale…

De cualquier forma, lo mismo da, porque justamente de este libro y de este autor no voy a hablar hoy. Con el no contexto de las no fiestas de los no Pilares en el no horizonte, lo que me llama es la tremenda filosofía contenida en una letra que haría las delicias de todo un premio Nobel como Juan Ramón Jiménez (ni para ti ni para mí: lo dejamos en el 14). Me refiero a la jota, claro está.

No les voy a engañar. Quizá sea el espíritu de jolgorio de la jota, los aires del cierzo que vienen del oeste o las ganas de fandango contenido que todos tenemos (a ver si el bicho este fenece de una santa vez), pero lo primero que me ha venido a la mente cuando he recibido este encargo han sido las jotas de picadillo. O sea, esas populares composiciones de tonadilla fácil y pegadizo ritmo que, digamos, poseen un trasfondo ideal para malpensados. Aunque, para ser honestos, no difieren gran cosa de la temática del actual rap… En realidad, serían las batallas de gallos de nuestros abuelos:

Si te estás quedando tuerto…

¿por qué tantas pretensiones…

si te estás quedando tuerto;

si en la bragueta no tienes…

más que un pajarico muerto?

 

Este pajarico canta

cuando le dicen piropos…

este pajarico canta.

Pero, estando tú delante,

se acuesta y no se levanta.

Es que… la morriña del periodo pilaresco me lleva a añorar esos cantos a Aragón y a la libertad que recitaban año tras año José Antonio Labordeta y Joaquín Carbonell. Por desgracia ya no están (¡con la falta que nos harían en este loco mundo!), pero su música es eterna. Me salgo de la tangente para variar el “Somos” y el “Canto a la libertad”, y me quedo con una fusión de jota y blues que no tiene desperdicio: “Zarajota blues”. Disfrútenla.

Tres cosas encontrarás

si en Zaragoza te metes;

tres cosas encontrarás:

la envidieta, la locura

y un poco de libertad.

Que no cambian de chaqueta.

En Aragón hay tres cosas

que no cambian de chaqueta:

Buñuel, Francisco de Goya…

y la voz de Labordeta.

 Referencias: “Romancero gitano”, de Federico García Lorca; “Zarajota blues”, de La Bullonera.

Vídeo: https://youtu.be/3sU-7XWY8d0

Autoría: Pseudópodo (Depto. de Lengua y Literatura).

POR TIERRAS DE ESPAÑA

El hombre de estos campos que incendia los pinares
y su despojo aguarda como botín de guerra,
antaño hubo raído los negros encinares,
talado los robustos robledos de la sierra.
Hoy ve a sus pobres hijos huyendo de sus lares;
la tempestad llevarse los limos de la tierra
por los sagrados ríos hacia los anchos mares;
y en páramos malditos trabaja, sufre y yerra.
Es hijo de una estirpe de rudos caminantes,
pastores que conducen sus hordas de merinos
a Extremadura fértil, rebaños trashumantes
que mancha el polvo y dora el sol de los caminos.
Pequeño, ágil, sufrido, los ojos de hombre astuto,
hundidos, recelosos, movibles; y trazadas
cual arco de ballesta, en el semblante enjuto
de pómulos salientes, las cejas muy pobladas.
Abunda el hombre malo del campo y de la aldea,
capaz de insanos vicios y crímenes bestiales,
que bajo el pardo sayo esconde un alma fea,
esclava de los siete pecados capitales.
Los ojos siempre turbios de envidia o de tristeza,
guarda su presa y llora la que el vecino alcanza;
ni para su infortunio ni goza su riqueza;
le hieren y acongojan fortuna y malandanza.
El numen de estos campos es sanguinario y fiero:
al declinar la tarde, sobre el remoto alcor,
veréis agigantarse la forma de un arquero,
la forma de un inmenso centauro flechador.
Veréis llanuras bélicas y páramos de asceta
¿no fue por estos campos el bíblico jardín?:
son tierras para el águila, un trozo de planeta
por donde cruza errante la sombra de Caín.

                                             (Antonio Machado)

Se habla mucho de España, últimamente. En muchos lugares y ámbitos para alabar y enorgullecerse de este concepto, en otros para criticarlo o ponerlo en entredicho.  No quiero referirme ahora al origen etimológico del término ni siquiera al inicio del ente político o del Estado Español como tal, sino a ese sentimiento noventayochista que buscó un replanteamiento, una nueva visión de lo que estoy comentando. Algo que tendría un carácter mucho más actual de lo que pensamos.

Esta elección viene apoyada además, por las palabras de una figura como la de Machado o mejor dicho, Machado supone una base fundamental para  conocer el “corazón” de España.

Si preguntáramos a viajeros, turistas, y a buen seguro intelectuales extranjeros, muchos nos responderían que el gran representante del alma española, sería Lorca. El poeta más emblemático, la “quintaesencia de lo español”, pero ¿no sería una parte por el todo? En el fondo el Lorca “más jondo” (en realidad hay  “muchos Lorcas”), representaría  la idea más difundida de lo español. ¿Es menos “auténtico” por eso?, evidentemente no, pues esa España existe, pero ¿define bien al resto?

Sin embargo, el poema que he elegido es de Machado. Un andaluz como Lorca, pero que vivió en Castilla y se enamoró de ella. Castilla curiosamente se convierte entre los noventayochistas en algo parecido a lo que Andalucía sería para la visión idealizada de muchos extranjeros. Es decir, la esencia de España.

Realmente Machado no nos está hablando de un lugar en concreto, de un territorio determinado, sino de un país, una tierra genérica que podría sugerirnos no solo Castilla, sino esa España interior, esa España vaciada, profunda y quizá alejada de otras idealizaciones ¿o no?

El presente poema en cualquier caso, nos habla de un sentimiento muy actual. Una sobreexplotación de los recursos naturales, no tanto en el moderno sentido “ecologista”, sino en una especie de causa-efecto, de “venganza de la Naturaleza” o incluso de “castigo bíblico” por haber esquilmado de forma inconsciente los frutos que ésta brindó. Nos apunta, quizá, una explicación de la pobreza (no solo económica sino también moral) de aquellos nativos de esas tierras que ignorando una serie de “leyes naturales” se han convertido en depredadores sin conciencia que se han labrado su miserable destino,  un destino de retroceso.

Curiosamente Machado, está relacionando a los antepasados de estos hombres que abandonaron su tierra, que emigraron, con la ganadería, ¿recuerdos quizá de la crítica ilustrada hacia la Mesta?

Sabemos por supuesto que la ganadería es una de las bases del mundo rural, que fijan población (aun teniendo en ocasiones carácter itinerante) o hacen viajar y/o volver a ciertas comarcas de esa España interior.

Por tanto una lectura actual no vendría tanto por esa dualidad, esa rivalidad casi bíblica entre agricultura (o silvicultura) y ganadería, sino entre crecimiento sostenible y rapiña inconsciente que puede conducir finalmente a una pobreza moral y económica si todavía seguimos anclados en ciertos planteamientos.

Selección y reseña: Pedro Vizcaíno (Departamento de Geografía e Historia)

LA POESÍA DE LA SEMANA

“¡SUNION!”

¡Sunion! Te evocaré de lejos con un grito de alegría,
a ti y a tu sol leal, rey de la mar y el viento:
por tu recuerdo, que me eleva, feliz de sal exaltada,
con tu mármol absoluto, noble y antiguo yo como él.
¡Templo mutilado, desdeñoso de las otras columnas
que en el fondo de tu salto, bajo la ola risueña,
duermen la eternidad! Tú velas, blanco en la altura,
por el marinero, que por ti orienta su rumbo;
por el ebrio de tu nombre, que a través del desnudo carrascal
viene a buscarte, extremo como la certeza de los dioses;
por el exiliado que a través de oscuras arboledas te vislumbra
súbitamente, ¡oh preciso, oh fantasmal!, y conoce
por tu fuerza la fuerza que lo salva de los golpes de fortuna,
rico de lo que ha dado, y en su ruina tan puro.

                        (Carles Riba, Elegías de Bierville, Traducción de Ramón Gallart)

Carles Riba (1893-1959), poeta y traductor catalán de la primera mitad del siglo XX,  fue un granamante de la cultura clásica y también un prestigioso profesor de griego. Uno de sus mejores libros es Elegías de Bierville (1943), al que pertenece este bello y muy recomendable poema. A pesar del olvido generalizado que padece, la calidad como poeta de Riba es indiscutible, así como su independencia artística, aspecto muy destacable si consideramos que su vida transcurre en un entorno muy convulso desde el punto de vista político.  

Para el autor, Sunion y en particular el templo de Poseidón representan la perennidad de la belleza,entendida esta no solo en su dimensión más clásica y trascendente, sino también de un modo un tanto personal. Obsérvese cómo el sujeto poético evoca con un grito de alegría la presencia de un recuerdo tan particular como es la visión de un templo casi totalmente destruido. En este sentido, es muy significativa la identificación del autor con el mármol noble y antiguo, a pesar de su estado ruinoso. Ambos conservan su dignidad y belleza, aunque esta quede anegada, en parte, por las aguas, por el mar, sepulcro del tiempo en la poesía de Riba. En la pugna entre el arte y el tiempo, las columnas se muestran desafiantes ante la naturaleza, ante los terremotos, ante el viento, elementos naturales que acaban supeditados a la arquitectura, magna creación del ser humano. El mar cumple la misión de guardián de las columnas que ya han sucumbido al tiempo,  mientras las otras, representantes del arte más fuerte que la naturaleza, resisten.  

Habitualmente se suele relacionar el poema con las circunstancias vitales de Riba, en particular con su exilio tras la Guerra Civil, sin embargo, desde mi punto de vista, el exilio que  expresa el autor es más interior, más espiritual. En este sentido y a modo de ejemplo, podemos observar que el marinero utiliza como faro de referencia el bello templo, como si el autor, exiliado al igual que el marinero, también pudiera encontrar un cierto consuelo en la belleza de sus recuerdos, sacudidos por las olas, por el viento, por el paso del tiempo.

El lector que sepa valorar estos versos se situará cerca de la belleza, de lo clásico, de lo ejemplar, de lo sugerente, lejos de la superficialidad del fraude postmoderno.

Selección y reseña: Javier Ochoa (Departamento de Lengua Española y Literatura)

Sulema

Pitingo

https://www.youtube.com/watch?v=U8YyPtja50o

Cuando Sulema camina,
El polvo de sus sandalias
Levanta el siroco isleño
Desde su casa a mi casa,
Desde su alma a mi alma.

Es la nube volandera
Que llega hasta las Canarias,
Es la triste mensajera
Del destierro que la embarga,
Es la triste mensajera
De las penas de su alma.

En el cielo la Luna
Enamora una estrella,
Sueña, Sulema, sueña,
Que aquella luna que besa su cara
Besa la tierra donde naciera.

Cuando Sulema amasa el pan,
Va floreciendo la libertad,
Cuando Sulema baila al compás,
Sale la Luna en el Sáhara,

Cuando Sulema riega el plantal,
Va floreciendo la libertad,
Cuando Sulema sueña en la paz,
Sale la Luna en el Sáhara.

Sulema vive en Tinduf,
A la sombra de una jaima,
Tiene la piel de aceituna
Y los ojos de melaza,
Tiene la piel de aceituna
De las mujeres del Sáhara.

Sulema reza en las noches
Y espera en las madrugadas
A que venga su querer
Que se enamoró del alba,
A que venga su querer,
La llama de su esperanza.

En el cielo la Luna
Enamora una estrella,
Sueña, Sulema, sueña,
Que aquella luna que besa su cara
Besa la tierra donde naciera.

Hace unos días se celebró el día de Canarias, tierra donde nací y que hace que de vez en cuando sienta “magua” (nostalgia) por ver sus paisajes, su agitado mar y sus gentes, especialmente, a la familia. Sin embargo, si hay algo que caracteriza a cualquier pueblo y que te hace sentirlo más cerca, es su música. El folclore canario rico y variado se forja a partir de los antiguos pobladores, los guanches, pero ha ido siendo enriquecido por la confluencia de diferentes culturas llegadas a las islas tras la conquista, reconociéndose  influencias de los portugueses y centroeuropeos. Además,  la ubicación geográfica de las islas, en el noroeste de África, en frente de la costa del sur de Marruecos y del norte del Sáhara Occidental, ha propiciado que a lo largo de los siglos recalaran en el archipiélago influencias europeas, americanas y africanas, es por ello que la música de las islas está impregnada de ritmos de estas tierras lejanas, enriqueciendo sus sonidos con instrumentos como la mandolina, de origen europeo, el cuatro venezolano, procedente de Latinoamérica, o el «bucio«, instrumento de ascendencia aborigen (raíz africana). Además, es importante mencionar la adaptación y creación de nuevos instrumentos de origen íntegramente canario, como es el caso del timple.

Actualmente en las islas podemos encontrar numerosos grupos folclóricos que dan a conocer el bagaje musical del archipiélago, el grupo que hoy me gustaría darles a conocer es Mestisay,  un grupo formado en 1978 a partir de un conjunto de personas interesadas en el folclore y la música popular canaria. Desde entonces, ha tocado varios géneros y estilos musicales, pero siempre conservando la esencia de las islas, con melodías enriquecidas con variedad de instrumentos, donde toma especial protagonismo la percusión, cuyos ritmos te envuelven y trasladan a las raíces de las distintas culturas que han dejado parte de su legado musical en las islas.

Sulema, la canción que he elegido, habla de una realidad, que aunque no toca de lleno al pueblo canario, por la cercanía geográfica al Sáhara no puede pasar inadvertida. Nos traslada a Tinduf, región que limita con Marruecos al oeste, con el Sáhara Occidental al suroeste y Mauritania al sur, un lugar donde se ubican los campamentos de refugiados del Sáhara Occidental. Es una canción que me parece tremendamente esperanzadora y alegre, con toques de lucha y perseverancia, que recuerda la conexión que tenemos con el continente africano, tanto por nuestras raíces bereberes como por la calima que visita las islas cada cierto tiempo (reflejado en el polvo de las sandalias de Sulema), todo ello envuelto en ritmos que nos trasladan a la tierra y que nos llevan a mover irremediable los pies, y a darnos cuenta que las aspiraciones y sueños son compartidos por toda la humanidad, independientemente de dónde se encuentre los ojos que miran a la luna. Espero que la disfrutes.

Selección y reseña: Ana Palmero.

LAS CONCHAS

Cada concha incrustada
En la gruta donde nos amamos,
Tiene su particularidad.

Una tiene la púrpura de nuestras almas,
Hurtada a la sangre de nuestros corazones,
Cuando yo ardo y tú te inflamas;

Esa otra simula tus languideces
Y tu palidez cuando, cansada,
Me reprochas mis ojos burlones;

Esa de ahí imita la gracia
De tu oreja, y aquella otra
Tu rosada nuca, corta y gruesa;

Pero una, entre todas, es la que me turba.

(Paul Verlaine)

Casi nos despedimos, faltando una semana lectiva para la conclusión del curso, con un poeta del que, por ahora, y si mi memoria no me falla, no hemos publicado nada en esta sección: Paul Verlaine. Considerado uno de los padres del Modernismo, el poema seleccionado es una clara muestra, no exenta de humor, de ese erotismo que desprendía este movimiento literario en, sobre todo, su derivación hacia los voluptuosos corredores del decadentismo.

El autor de los Poemas saturnianos, que en España tradujera el gran Emilio Carrere, transforma la gruta en un singular «locus amoenus» donde la concha se transforma en objeto evocador, bien de los apasionados mundos interiores de los amantes, bien de sus más terrenales exterioridades.

Pero, el verlainiano (valga la palabra) toque radica en ese verso final, que cierra con picardía los cuatro tercetos anteriores, si bien pertenece al terreno del comedimiento, la fineza y la galantería.

Lean y disfruten de esta pequeña pieza de orfebrería, bien en su válida traducción, bien en su sonora lengua original: el francés, que como cierre de oro tengo a bien reproducir.

LES COQUILLAGES

Chaque coquillage incrusté
Dans la grotte où nous nous aimâmes
A sa particularité.

L’un a la pourpre de nos âmes
Dérobée au sang de nos coeurs
Quand je brûle et que tu t’enflammes ;

Cet autre affecte tes langueurs
Et tes pâleurs alors que, lasse,
Tu m’en veux de mes yeux moqueurs ;

Celui-ci contrefait la grâce
De ton oreille, et celui-là
Ta nuque rose, courte et grasse ;

Mais un, entre autres, me troubla.

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Española y Literatura)

“Mediterraneo” Joan Manuel Serrat

Quizás porque mi niñez
Sigue jugando en tu playa
Y escondido tras las cañas
Duerme mi primer amor
Llevo tu luz y tu olor
Por dondequiera que vaya
Y amontonado en tu arena
Guardo amor, juegos y penas
Yo, que en la piel tengo el sabor
Amargo del llanto eterno
Que han vertido en ti cien pueblos
De Algeciras a Estambul
Para que pintes de azul
Sus largas noches de invierno
A fuerza de desventuras
Tu alma es profunda y oscura
A tus atardeceres rojos
Se acostumbraron mis ojos
Como el recodo al camino
Soy cantor, soy embustero
Me gusta el juego y el vino
Tengo alma de marinero
Qué le voy a hacer, si yo
Nací en el Mediterráneo
Nací en el Mediterráneo
Y te acercas, y te vas
Después de besar mi aldea
Jugando con la marea
Te vas, pensando en volver
Eres como una mujer
Perfumadita de brea
Que se añora y que se quiere
Que se conoce y se teme
Ay, si un día para mi mal
Viene a buscarme la parca
Empujad al mar mi barca
Con un levante otoñal
Y dejad que el temporal
Desguace sus alas blancas
Y a mí enterradme sin duelo
Entre la playa y el cielo
En la ladera de un monte
Más alto que el horizonte
Quiero tener buena vista
Mi cuerpo será camino
Le daré verde a los pinos
Y amarillo a la genista
Cerca del mar, porque yo
Nací en el Mediterráneo
Nací en el Mediterráneo
Nací en el Mediterráneo

Joan Manuel Serrat, ha sido y es un referente musical en nuestro país. Graduado como Ingeniero Agrónomo, su verdadera pasión era la guitarra, de la que se ha acompañado también en sus reivindicaciones políticas.

Nacido en Barcelona en 1943, es conocido también como “El noi del poble sec” o el Nano. Fue uno de los pioneros de la Nova Cançó catalana y ha dedicado su vida a la música, llegando a convertirse en uno de los cantautores más populares, con obras tanto en castellano como en catalán. Galardonado con distintos premios musicales, como Latin Grammy y Premio Ondas a su trayectoria musical.

En los años 70 todo cantante que se preciase debía ser además galán en alguna película romántica. De esta manera y con bastante talento además, Serrat tuvo su incursión en el mundo del cine, probablemente a consecuencia de algún contrato y con la finalidad de promocionar un disco que incluía entre sus temas, qué casualidad, el título de la película, y en la cual obviamente el actor cantaba sus canciones. Sirva de ejemplo su primera película “Palabras de amor” (1968). Tres o cuatro títulos completan su legado cinematográfico.

Inspirado en poetas como Neruda, Machado o Rafael Alberti, sus canciones son un regalo para los oídos.
Con Mediterraneo consigue dar forma a la vez a una canción un poema y un himno. Qué bonitos versos para describir lo que ha significado y significa el mar Mediterráneo para él. Sus recuerdos de infancia y de juventud. Los míos también, pues yo también nací en el Mediterráneo y comparto ese agradable sentimiento de pertenecia a él. Su olor, su sabor salado, el frescor de sus aguas, el calor del fuego en las hogueras de San Juan. Qué bonito.

Pero Mediterráneo es mucho más, aunque no se sabe con certeza, hay leyendas urbanas que afirman que compuso esta canción hacia finales de 1970 en un encierro en un monasterio catalán junto con otros
intelectuales, como protesta contra a la pena de muerte, en un momento político delicado. Podría inspirar el mar esa falta de libertad que corría por esos tiempos.

A grandes rasgos, sin entrar en detalle, podemos decir que sus versos inspiran sentimientos de nostalgia
hacia el lugar que ha sido tan importante para él, su niñez y su “hacerse hombre”. Con su mar ha
compartido sus primeras experiencias y guarda mil recuerdos a los que acudir desde la distancia. Resalta su grandeza y su caracter histórico, distintos pueblos han estado y están ligados a él, desde Algeciras a Estambul, y sus aguas llevan un poco de cada uno de ellos. “Empujad al mar mi barca” como si de su cuerpo se tratase, no le importaría morir en él, pues es su mar añorado.

La guitarra de Serrat convierte esta poesía en una canción preciosa que merece la pena disfrutar. Te va
cautivando con sus palabras y su melodía, emociona, despierta sentimiento. No pasa de moda, y como
dije al principio, es poesía, canción e himno.

Espero que os guste.

Alicia López Cerezuela (Departamento de Biología y Geología)

LEOPOLDO MARIA PANERO (1948-2014)
A mi madre,
(reivindicación de una hermosura)

Escucha en las noches cómo se rasga la seda
y cae sin ruido la taza de té al suelo
como una magia

tú que sólo palabras dulces tienes para los muertos
y un manojo de flores llevas en la mano
para esperar a la Muerte
que cae de su corcel, herida

por un caballero que la apresa con sus labios brillantes
y llora por las noches pensando que le amabas,
y dice sal al jardín y contempla cómo caen las estrellas
y hablemos quedamente para que nadie nos escuche
ven, escúchame hablemos de nuestros muebles
tengo una rosa tatuada en la mejilla y un bastón con

empuñadura en forma de pato

y dicen que llueve por nosotros y que la nieve es nuestra

y ahora que el poema expira
te digo como un niño, ven
he construido una diadema

(sal al jardín y verás cómo la noche nos envuelve)

Poemas del manicomio de Mondragón, 1987

Correría el año ’95-96, cuando un profesor de la universidad, Túa Blesa, nos animaba
a acudir a una charla literaria que iba a dar el reconocidísimo Leopoldo Mª Panero. He
de admitir, que no me sonaba ni de lejos ni su nombre ni mucho menos su obra, pero
me pudo la curiosidad y el hecho de hacer algo “cultureta” que pegaba con ese estilo
de vida universitario al que queríamos conocer y en el que se nos reconociera como
tales universitarias.

No puedo olvidar el momento en el que entré al aula magna donde se estaba dando el
encuentro para no dejar de centrar mi atención en ese personaje al que dicho profesor
miraba con admiración a la par de con miedo por la que pudiera liar el mencionado
poeta.

Por aquel entonces se podía fumar en espacios cerrados y en el puesto de trabajo, así
que Leopoldo, además de beber Coca-cola sin parar, fumaba como un poseso.
Cuando empecé a escuchar su discurso, me asalto la duda de si la Coca-cola iba sola
o con algún tipo de misterio.

Ese discurso desordenado y caótico era a la vez un poema en sí, lleno de belleza, de
metáforas, hipérboles y giros que me atrapaban a cada instante. Entre reflexiones e
ideas espontáneas, recitaba alguno de sus versos…

Salí de ahí con unas ganas inmensas de saber sobre él, sobre su obra… y así
descubrí que este genio no era genio porque sí, venía de una saga de humanistas:
Era hijo del reconocido poeta Leopoldo Panero (1909–1962) y Felicidad
Blanc (1913–1990), hermano del también poeta Juan Luis Panero (1942–2013) y
de Michi Panero (1951–2004), sobrino del poeta Juan Panero (1908–1937) y primo del
periodista José Luis Panero (1975).

El joven Leopoldo María, al igual que tantos descendientes de los prohombres
del régimen franquista se sintió fascinado por la izquierda radical y su
militancia antifranquista constituyó el primero de sus grandes desastres y le valió su
primera estancia en prisión. Tuvo una formación humanista, estudió Filosofía y Letras
en la Universidad Complutense de Madrid y Filología francesa en la Universidad de
Barcelona. Me fascinaba un hombre con esa formación y esa deformación física. De
aquellos años jóvenes datan sus primeras experiencias con las drogas: desde
el alcohol hasta la heroína —a la que dedicaría una impresionante colección de
poemas en 1992—,​ ninguna le es ajena. Viajero incansable, anduvo por los caminos
del hippismo de los Setenta, una época en que era imprescindible pensar en la India y
visitar el fascinante mundo africano de Tánger y Marrakech.

Desde 1970 se le consideró dentro del grupo de los «Novísimos» (incluidos en la
antología Nueve novísimos poetas españoles de José María Castellet), aunque él se
sintió excluido del mismo, quejándose de haber sido el único poeta ausente en la
última cita de los «Novísimos» que, treinta años después de la aparición de la famosa
antología, se reunieron con motivo de su reedición.

En los años 1970 fue ingresado por primera vez en un psiquiátrico; había empezado a
desarrollar una esquizofrenia en la cárcel. Las repetidas reclusiones no le impidieron
desarrollar una copiosa producción no sólo como poeta, sino también
como traductor, ensayista y narrador. A finales de la década de los 80, cuando por fin
su obra alcanzó el aplauso de la crítica entendida, ingresó permanentemente en
el psiquiátrico de Mondragón.

Casi diez años después, se estableció, por propia voluntad, en la unidad psiquiátrica
de Las Palmas de Gran Canaria. Desde entonces, la Facultad de Humanidades de la
Universidad de Las Palmas se convirtió en su refugio, donde encontró la amistad de
algunos profesores y estudiantes que le convidaban a vivir sin sentirse un marginado
hasta su fallecimiento, el 5 de marzo de 2014.

En 2003 fue galardonado con el Premio Estaño de Literatura por la antología poética
de Túa Blesa publicada dos años antes; tres años después, en 2006, es galardonado
con el Premio Quijote de Poesía por el libro Poemas de la locura (2005).

A los pocos meses de su fallecimiento en 2014 aparece publicado el poemario Rosa
enferma. ​ En mayo de 2016 Huerga y Fierro Editores publica Acerca de un posible
testamento, una recopilación de ensayos, prólogos y artículos inéditos.
La biografía de este poeta y su entorno familiar siempre ha desatado interés en el
ámbito cultural, como muestra la película de Jaime Chávarri El desencanto (1976), un
documental que refleja cómo era su familia en plena desintegración del franquismo,
acomodada e intelectual, pero también desmembrada, autoritaria, y en la que la figura
de su padre pesaba incluso con su ausencia. En la década de los 90, Ricardo
Franco se fijaría de nuevo en «los Panero» para filmar Después de tantos años (1994),
pero esta vez sin la presencia de la madre, ya fallecida.

Criticado y reivindicado a partes iguales, su «malditismo» fue su seña de identidad. A
continuación, dejo enlaces a alguna de sus entrevistas en televisión más comentadas:
https://www.rtve.es/alacarta/videos/negro-sobre-blanco/negro-sobre-blanco-leopoldo-
maria-panero-1999/2431342/

https://www.youtube.com/watch?v=i50KjXAXWe4&ab_channel=ParadojaTemporal
https://www.rtve.es/alacarta/videos/programas-y-concursos-en-el-archivo-de-
rtve/poetas-fin-siglo-leopoldo-maria-panero-2000/2431651/

Su imagen revela el sufrimiento del gran poeta loco, que disfrazado con los girones de
los excesos interpreta la rabia y el desengaño que siente ante todo lo que le rodea.
Panero manifiesta en diferentes ocasiones que no se siente valorado en España a
pesar de haber publicado numerosos libros de poesía y que en otros lugares, como
París, lo admiran sin tener ninguno publicado en esa lengua.

En el poema que rescato, de una belleza apabullante y estremecedora, Panero no
muestra su lado más destructor y su continua negación. Quiere, a priori como indica
en el título, reivindicar la hermosura de su madre. Sin embargo, el homenaje es a la
belleza del encuentro de su madre con la muerte, la cual la acompaña como un
caballero, que acude a su cita montado en un corcel, y habla con ella de sus asuntos
más personales, y las estrellas los contemplan como testigos mudos y cómplices.
Solo en el principio del poema Panero (v. 1-6) describe a su madre, como una madre
abnegada, que recoge y hace las tareas domésticas cuando todos duermen y como
una mujer dulce que siempre tiene buenas palabras y espera a la Muerte con fe
cristiana. Para ello usa la 2ª persona del singular del imperativo “escucha”, incluyendo
a un receptor al que le cuenta como es su madre. Sin embargo, en el 4 verso ese “tú”
lírico es la propia protagonista a la que le reconoce su dulzura y a la que describe
físicamente con “flores en la mano”.

Estremece sobremanera al verse convertido al autor en el niño que fue (v. 16) para
despedirse de su madre y acompañarla a esa noche que los envuelve, a uno de pena
y dolor, a la otra con la muerte.

A pesar de la sobriedad del tema, el autor consigue un ritmo vivo apoyándose de
recursos como el polisíndeton y encabalgamientos. El poema es una sola oración
salvo la aposición del último verso que aparece entre paréntesis. De este modo, el
poema representa ese acompañamiento que hace a la madre hacia su muerte.
Característica de los novísimos es también la métrica y la rima, totalmente libre y sin
ninguna regla aparente.

Como vemos, el tipo duro que quiere representar Leopoldo Mª Panero, se deshace, se
desvanece ante un momento tan duro como es la despedida de una madre. Y en esta
ocasión, deja sus giros y su léxico grosero, duro, soez, directo… para dar paso a una
reivindicación de la hermosura en el momento más feo de la vida de un hijo, de un
niño.

Mª Carmen Moliner (Departamento de Lengua y Literatura)

”Voglio vederti danzare” es el inicio de una canción que despierta la alegría en el alma. Esta maravillosa canción y su no menos maravilloso videoclip lo he utilizado en numerosas clases, para hablar a mis alumnos de la unión que existe entre poesía y fonética (inseparables e intraducibles), de como el discurso lírico despierta sentimientos sin necesidad de ser plenamente comprensible (de hecho, muchas de las letras de Franco Battiato siguen perteneciendo a ese maravilloso terreno de lo enigmático). Además, en estos tiempos en los que el inglés tiene tanta importancia, la canción de Battiato venía que ni pintada para hablar de la belleza de la lengua italiana, para defender el esteticismo y la hondura de una de nuestras románicas hermanas. Y por si esto fuera poco, a los chavales les chocaba (cuando veíamos el videoclip) el aparente descuido con el que está hecho, la graciosa manera de bailar de Battiato y esos irrepetibles primeros planos de su singular y carismático rostro (en el fondo, subyace toda una pretensión de destruir las convenciones estéticas del mundo en el que vivimos inmersos).

“Voglio vederti danzare”, desde su arranque, se intuye como una oda que habla del amor a través de la luz que se desprende de algo que une a la humanidad toda: el lenguaje de la danza. El movimiento que trasciende, sin necesidad de lógica, tal que lo hacía la música de este maestro del pop que nos acaba de abandonar esta misma semana.

No hace falta comprender a Battiato, simplemente escucharlo, simplemente sentirlo… Ahí radica su grandeza, ahí es donde puede aplicarse ese maravilloso lema que dice: “La música llega allá donde las palabras no alcanzan”. “Voglio vederti danzare” es, quizás, una bonita manera de decir “te quiero”.

Se nos ha ido Battiato, uno de los grandes autores mediterráneos de la música de las últimas décadas. Se apaga su vida, que no su voz. Enigmático, solitario, practicante de la fe cristiana (incluso místico, decían algunos) marcha hacia el Parnaso, donde seguro que se encuentra con Elvis (Presley), Freddi (Mercuri), Leonard (Cohen), David (Bowie), y otros poetas de nuestra casi inmediatez.

Addio, caro amico!

Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Española y Literatura)

LO QUE DE VERDAD IMPORTA /–Doctor Loncho

Dicen que con solo una vida no basta

¿Quién quiere vivir dos veces? si jamás olio la pasta

tu infancia fue una mierda, siempre haciendo la chasta

yo cogí el camino largo y amargo, el que desgasta

la calle te ensena, leña, drogas y el valor

de perder a quien te quiere, y no creerte un perdedor y

yo cogí lo peor y lo mejor de cada etapa

no controlas lo primero, y lo segundo se te escapa

así aprendería: vivir al día es stress

cómo me hablas de futuro si no creo en un después

me ves como un ejemplo a seguir y yo reniego

me canse de darme hostias y no voy a dar consejos

por eso me veo como con catalejos

los días en el patio de recreo quedan lejos

las noches de los litros en la calle, ya han pasado

buscando el calor, agarrando un vaso helado

yo sigo en busca de una motivación

y cada vez tengo más claro que solo una canción

puede sacarme de este pozo, llamado depresión

un minero que camina a oscuras en un túnel de carbón

el dinero nunca fue mi obsesión, ni la fama

pero sé que yo no soy del montón, y mi llama,

no se apaga, pues nacido dragón

tengo una escama en cada estrella de esta constelación

el calor de la familia, la amistad verdadera,

el respeto de los tuyos, tener alguien que te quiera

hermanos, esta vida es muy corta,

y yo al fin he descubierto lo que de verdad importa

Unos empezaron pensando que esto era un juego

luego lo dejaron porque no vieron dinero

llevo mucho tiempo en esto y, ¿sabes lo que veo?

demasiadas fichas para un solo tablero

y de enero en enero veo a tanto rapero

que cada vez me veo menos metido en este agujero

de reos y fariseos, pimpines y mochileros

ligero vuelo tan lejos como puedo pa no veros

empiezo de cero, Manuel Gonzalez Cavero

soltero hasta que vino esta musa a mi cabecero

tecleo hasta que dejo el teclado como un tintero

y los dedos de mis manos manchados por lodo negro

celebro cada día que paso en este infierno

retraso los relojes con un solo pensamiento

hermanos veo cerca cuando me falta el aliento

Orfeo me dejo su lira su ira su arte y su lamento

unos tienen duende, otros talento

a mí se me bendijo con el don del trabajo bien hecho

un corazón que no me cabe en el pecho

y un alijo en el cerebro que me tiene del todo desecho

a tiro hecho voy derecho al final

en mi balanza vital el bien y el mal pelean y danzan

tan solo espero que en el lecho mortal

a quienes quiero me hagan heredero de su confianza

el calor de la familia, la amistad verdadera,

el respeto de los tuyos, tener alguien que te quiera

hermano, esta vida es muy corta,

y yo al fin he descubierto lo que de verdad importa.

El pasado martes 4 de Mayo alumnos de 1º, 3º y 4º de la ESO del Ies La Puebla de Alfin, asistieron a los talleres de Rap organizados por el Departamento de Música y dirigidos por Manuel González Cavero, más conocido en el mundo artístico como Dr. Loncho o Doctor Loncho.

Se distribuyeron en tres talleres diferentes de dos horas de duración cada uno. A cada taller asistió un curso diferente y trataron temas como la tolerancia, motivación y superación personal y “el arte del freestyle”.

Dr. Loncho es un artista de Hip Hop nacido en Zaragoza el 22 de diciembre de 1976. Se caracteriza por su estilo original y sarcástico, y por su camaleónica presencia en los escenarios.

Tras dos maquetas «Alter Ego Records» ( 2000) y «Evolución» ( 2002 ) fundo junto a Sergio Aragón Belmonte ( Dj Grime ) el sello discográfico Alter Ego Records, con el que editaron el recopilatorio «Zaragoza Realidad» 2003 en el que había temas inéditos de Violadores del Verso, Rapsusklei, Sharif , Cloaka Company, Dani Ro y otros artistas representativos de Zaragoza. A finales de ese año recibieron el Premio «A la Difusión de la Música Aragonesa» que otorgan «Los Premios de la Música Aragonesa».

En 2004 edita su primer LP «El Jesucristo de Las Películas» bajo el sello madrileño LAM records donde estaban sus paisanos Dani Ro y Rapsusklei. En 2005 tras actuar en el festival Viñarock aparece en el recopilatorio «Viñarap 05» del sello Latin Records. Durante 2005 y 2006 realizó una gira nacional cuyo nombre fue «Rapasedio Epico Tour» junto a los miembros de Cloaka Company Fuethefirst y Erik Beeler En 2007 debutó en el festival Internacional de Músicas del Mundo Pirineos Sur como Dr. Loncho y dos años más tarde en 2009 volvería con el proyecto de cooperación internacional «La Mirada del Otro» junto a un conglomerado de músicos europeos y africanos.

A finales de 2008 edita su segundo LP en solitario «El fantasma de las Ojeras», una especie de Opera Rap que tenía una presentación en la que además del CD incluía un comic, donde se narra una historia de misterio.

Tras varios años dedicándose exclusivamente al rap, en 2010 Dr Loncho se fusionó con la banda de música garage, Shepherd`s Bush para formar The Soul Brothers, donde fusiona música negra clásica, además de rock, soul, jazz y funk con el propio rap. Con esta agrupación, y bajo el sello Blackula Records, editó «La Casa Del Soul Naciente».

Su último trabajo hasta la fecha es el Maxi «El Libro de La Vida» con el que ganó el premio al Mejor E.P de Aragón en los «Premios de la Música Aragonesa» de 2014 Actualmente se encuentra trabajando en varios proyectos, musicales, literarios y en el área de la nueva educación.

Es amante del baloncesto NBA, llegando a ser el único artista que ha actuado en directo dentro del programa de Canal + , «Generación NBA +» con su tema «I Love This Game» para la programación del All Star Weekend. También ha colaborado escribiendo artículos para la web especializada «Basket 4 Us», además de escribir un relato para el libro de baloncesto «Transiciones Rápidas» editado en 2016 por Comuniter.

El rap es una forma musical que incorpora «rima, habla rítmica y jerga apoteósica», que se interpreta en una variedad de formas, por lo general sobre un acompañamiento musical. Los componentes del rap incluyen «contenido» (lo que se dice), «flow» (ritmo, rima) y «entrega» (cadencia, tono). El rap generalmente se interpreta sobre una pista instrumental, aunque también puede realizarse a capella. El rap forma parte de la música hip-hop, pero los orígenes del fenómeno son anteriores a la cultura hip-hop.

El precursor más temprano del rap moderno es la tradición griot del oeste de África, en la cual «historiadores orales», o «cantantes de alabanza», diseminarían tradiciones orales y genealogías, o usarían sus formidables técnicas retóricas para cotillear o «elogiar o criticar individuos». Las tradiciones de Griot se conectan con el rap a lo largo de un linaje de reverencia verbal negra que se remonta a las prácticas del antiguo Egipto, a través de James Brown interactuando con la multitud y la banda entre canciones. Por lo tanto, las letras y la música de rap forman parte del «continuum retórico negro» y pretenden reutilizar elementos de tradiciones pasadas al tiempo que se expanden por medio de «el uso creativo del lenguaje, los estilos y estrategias retóricas». La persona a la que se considera como creador del estilo de «pronunciar rimas sobre música extensa», que se conocería como rap, fue Anthony «DJ Hollywood» Holloway de Holly Springs, Georgia.

El rap se suele pronunciar sobre un beat, normalmente proporcionado por un DJ, un turntablista, un Beatboxer o una A capela sin acompañamiento. Estilísticamente, el rap ocupa un área gris entre el habla, la prosa, la poesía y el canto. La palabra, que es anterior a la forma musical, originalmente significaba «golpear ligeramente», y ahora se usa para describir el habla rápida o la réplica. La palabra había sido utilizada en inglés británico desde el siglo XVI. Fue parte del dialecto afroamericano del inglés en la década de 1960 que significa «conversar», y muy pronto después de eso en su uso actual como un término que denota el estilo musical. Hoy en día, el término rap está tan estrechamente asociado con el hip-hop que muchos escritores incorrectamente usan los términos indistintamente. No se debe confundir la cultura hip-hop con el rap, cultura que engloba al rap, dado que el hip-hop no es un movimiento musical.

En cada uno de los talleres, Dr. Loncho explica que hay que ir formando estrofas de 4 versos, creando el primer verso de cada una y buscando la unidad temática y rítmica a partir de este primer verso.

Los alumnos pudieron descubrir que no es fácil enfrentarse al papel, que no es fácil expresar lo que se siente y que ponerse delante de un público se hace cuesta arriba aunque se trate de nuestros amigos.

A pesar de todo, hicieron sus pinitos dando lugar a estribillos con mucho gancho y mucho Flow.

Dr. Loncho nos regaló, al final del taller de 1º y para terminar la mañana, su actuación a capellade su tema más personal “Lo que de verdad importa”. La canción incluye, según me explica el propio autor, una interpolación al principio y que no figura en la letra escrita (ya que se considera parte instrumental) está extraída de un capítulo de una de sus series favoritas de los 90, «Mas Allá del Límite». Eran capítulos autoconclusivos que presentaban diversas distopías futuristas y otros temas filosóficos en clave de ciencia ficción, al final de cada capítulo, la voz en off siempre se despedía con una reflexión relacionada con el tema tratado: «No hay sonido, ni voz, ni llanto en todo el mundo; que pueda ser oído, hasta que alguien lo escuche».

En la letra de este tema, un Dr. Loncho maduro, hace un recorrido y reflexión sobre lo que ha sido su vida. Se define como luchador, trabajador, desprendido y amante de su familia y amigos, que es lo que considera más importante.

En esa lucha por alcanzar el éxito que no la fama, se reconoce trabajador y con duende. Por eso, por creer en el mismo y en lo que hacía, no se rindió y siguió demostrando, a pesar de los que abandonaron, que los sueños, con perseverancia y esfuerzo, se cumplen.

Dr. Loncho deja en su letra otros mensajes no menos importantes y que no podemos dejar escapar:

Sabe que puede ser ejemplo para jóvenes, pero reconoce haber cometido errores y no se cree quién para dar consejos.

Las drogas nunca ayudan. Siempre destrozan.

El camino de la música no es fácil, ¿pero cuál es fácil?

Lucha por ser respetado en lo que hagas, lucha por ser respetado por los que quieres, la amistad verdadera, el sentirse amado, el calor de la familia.

No está mal para acabar la mañana ¿verdad?

Gracias, Doctor Loncho.

Carmen Moliner (Departamento de Lengua Española y Literatura)

A Dafne huyendo de Apolo, de Francisco de Quevedo.

“Tras vos un Alquimista va corriendo,

Dafne, que llaman Sol ¿y vos, tan cruda?

Vos os volvéis murciégalo sin duda,

pues vais del Sol y de la luz huyendo.

Él os quiere gozar a lo que entiendo

si os coge en esta selva tosca y ruda,

su aljaba suena, está su bolsa muda,

el perro, pues no ladra, está muriendo.

Buhonero de signos y Planetas,

viene haciendo ademanes y figuras

cargado de bochornos y Cometas”.

Esto la dije, y en cortezas duras

de Laurel se injirió contra sus tretas,

y en escabeche el Sol se quedó a oscuras.

No hace mucho tiempo publicamos en la sección una reseña de un soneto de francisco de Quevedo: “A Apolo siguiendo a Dafne”. Os traemos ahora su poema-espejo, con los consejos del poeta a la ninfa, para que podáis compararlos, cumplir con la paridad, ahora que se insiste tanto…

Si recordáis la escena, la joven huye despavorida mientras Apolo trata de alcanzarla; cuando consigue rozarla, Dafne se está transformando ya en laurel.

En este soneto, sin embargo, todo el protagonismo recae sobre la chica, al que un “alquimista” (alguien que presume de volver la flecha de plomo de Cupido en oro amoroso) va persiguiendo de manera ridícula. Quizá el poeta va dejando puyitas hacia destacados miembros de la corte conocidísimos por sus aficiones alquímicas, como el propio Conde Duque de Olivares, al que detesta.

El segundo endecasílabo la muestra huyendo del sol, del tórrido amante, pero “cruda” – atentos a esta cosificación de la mujer como pura “carne- por haber rechazado sus intenciones, en una metáfora culinaria que repite más abajo. La metáfora fácil del murciélago, que huye del sol nada más barruntarlo, cierra el cuarteto. No te pierdas el contraste fónico entre las vocales abiertas de los dos primeros versos y esa oscura “u” de “cruda”, “murciégalo”, “duda”, “huyendo”, “ruda”, “muda”…

El quinto verso, favorecido por efecto del acento rítmico en el duro “gozar”, explora por fin la causa de la huida: La aljaba que suena de Apolo (caja portátil para las flechas que esconde también una alusión sexual) contrasta con su bolsa (la del dinero), que está muda, porque no piensa pagar por los favores de la joven. Por si no queda claro, lo reitera: “El perro, pues no ladra, está muriendo”, y es que “dar perro muerto” es un expresión muy vulgar que aún se conserva en Chile o Perú con el significado de “irse sin pagar la comida o la bebida”, vamos lo que hoy llamamos “hacer un simpa”. En nuestro Siglo de Oro, el significado estaba más restringido: “irse sin pagar tras consumar relaciones sexuales con una prostituta”.

Para el primer terceto, y quizá otra alusión más para los aficionados al ocultismo y la astrología, se ofrece un “buhonero” gesticulando,  “haciendo ademanes y figuras” mientras su “bochorno” muestra a las claras sus intenciones. ¿Sabías que “buhonero”, persona que vende informalmente cosas de poca calidad, proviene de “bufón”? El desprecio a Apolo es tan absoluto que ni siquiera aparece su nombre, sino un insultante “que llaman Sol”, un alquimista, un buhonero.

Como remate, la voz poética nos recuerda: “esto la dije, y en cortezas duras / de laurel se injirió contra sus tretas”. Y pongo “injirió” porque me parece más adecuado en su contexto. Injerir, de “inserere” significa “injertar una planta”, aunque verás en muchas versiones del soneto que aparece la forma “ingerir”, de “ingerere” (Introducir por la boca la comida, bebida o medicamentos) que también combina con la metáfora culinaria del último verso. La historia ya sabes cómo acaba; “ y en escabeche, el Sol se quedó a oscuras”, una antítesis de libro. Por si no cocinas demasiado, recuerda que al escabeche hay que echarle, siempre, muchísimo laurel…

Miguel Ángel Aragüés (Departamento de Lengua Española y Literatura)

Y ha llegado el momento de dedicar nuestra sección a las tres voces líricas ganadoras de nuestro concurso “Colados por la poesía”. A continuación proporcionamos foto del original y transcripción. ¡Enhorabuena!

Primer premio: Jimena Alonso (1º de Bachillerato)

Y aunque la muerte

tentaba mi vida

con  solo mirarte

aquella sensación huía.

Accésit: Rebeca Toro (4º de ESO)

Puntadas seguras pero delicadas

Así perfumaba su piel

Efímeras historias expresadas

Portadoras de un sentimiento fiel.

Accésit: Diago Casaos. (2º de ESO)

ALFAJARÍN

A mi pueblo Alfajarín

cuatro cosas lo realzan,

el toro junto al castillo

nuestra ermita y La Portaza.

El río Ebro lo riega,

los Montesblancos lo admiran,

monte y huerta lo decoran

y el casino lo vigila.

Orgulloso de mi pueblo

he creado este poema,

Aljarín es su nombre,

y lo llevo por bandera.

LA POESÍA DE LA SEMANA

ALFAJARÍN

A mi pueblo Alfajarín

cuatro cosas lo realzan,

el toro junto al castillo

nuestra ermita y La Portaza.

El río Ebro lo riega,

los Montesblancos lo admiran,

monte y huerta lo decoran

y el casino lo vigila.

Orgulloso de mi pueblo

he creado este poema,

Aljarín es su nombre,

y lo llevo por bandera.

(Diago Casado)

Mientras los miembros del Grupo de Biblioteca siguen decidiendo las obras ganadoras de nuestra particular “Colada por la Poesía”, dedicamos de nuevo nuestra sección a algunos originales trabajos que nos llamaron especialmente la atención. En esta ocasión os reproducimos Alfajarín, una bonita oda con cierto tono jotero que seguro os va a gustar tanto como a nosotros, ya seáis o no de ese precioso pueblo que da nombre a la composición.

Y la próxima semana… más.

LA POESÍA DE LA SEMANA

De libélulas

Mi amor flota con nenúfares en un estanque de libélulas azules.

El tuyo es un trío de golondrinas en un bosque de papel.

Centellas negras atravesando nubes.

Mi amor será agua del vapor de un barco, carboncillo en tuyo. Pulido anaquel para colgar platos.

Para colgar platos con lindos dibujos de árboles floridos. Para nuevas noches cálidas de olvidos.

El amor es de luz que pasa por ojos de puente romano.

Luz cambiante que acarició sus sillares con las manos que los tallaron.

Nuestro amor es busto de arcilla de bella liberta con pendientes.

Es de hojas blancas de te de aromas húmedos de los orientes.

Mi amor flota con nenúfares en un estanque de libélulas azules.

Castillo es, tejado de golondrinas en un bosque de papel.

Abandonadas ruinas bajo las nubes.

El arpa da notas, trémula de rosas, y un tu breve boca refila la flauta, viruta de brozas.

De broza de rizos, limaduras de ángel, de tu aliento dulce mazapán en bucles y anisillo en gotas.

Quemaré desde hoy mis rastrojos a diosas terrenales

Y en las noches sin luna, candiles votivos de buenos augurios a los nuevos amores.

No será más, mi amor, mano firme de anillo de mimbre ajustado.

Ya por siempre será de fierro argentino, su vaina de cuero gastado.

(Manolo García)

Nacido en Barcelona, el 19 de Agosto de 1955, Manolo García es un conocido artista polifacético. Cantautor, compositor y amante de la pintura y de la naturaleza.Aunque principalmente es conocido en el mundo de la música también ha publicado en el mundo de la literatura, como por ejemplo con su libro de poesía «El fin del principio» en 2020.

Grabó su primer disco como vocalista del grupo de rock Los Rápidos en 1981, que debe su nombre a la premura con la que se configuró  la banda.

En 1983, junto con Quimi Portet (guitarrista) y otros componentes, forma Los Burros, y grabarían su disco «Rebuznos de amor» que incluye temas tan conocidos como «Huesos» y «Mi novia se llamaba Ramón».

Debido al poco éxito comercial el grupo Los Burros se deshace  y es entonces cuando Manolo García y QuimiPortet se establecen como un dúo musical en «El último de la fila«, que llegaría a ser uno de los más importantes en el rock español en los 80 y 90. La discografía de «El último de la fila» la componen  siete discos, entre ellos «Enemigos de lo ajeno»  1986, y «Astronomía razonable»  1993,  que incluyen sencillos como «Insurrección» y «Como un burro amarrado a las puertas del baile».

Tras una carrera exitosa, en 1998 el grupo anuncia su disolución y Manolo García se dedica a trabajar en nuevos temas más personales, inicia su carrera en solitario y publica «Arena en los bolsillos» del cual es el autor y compositor de todos los temas (“Pájaros de barro”, Zapatero, “Prefiero el trapecio”, etc.) todos ellos muy populares.

En 2004 con su tercer disco en solitario, «Para que no se duerman mis sentidos», Manolo García ofrece su versión más serena y romántica; el amor o el desamor giran en torno a cada canción, y  así llega el sencillo «En un estanque de libélulas» o «De libélulas» (versión acústica) que es motivo hoy de esta reseña.

Elegir este tema no ha sido fácil, me he sentido como una niña a la que se le pide que elija una sola entre todas las golosinas o caramelos de una tienda de chuches. ¿Cuál escoger cuando hay tantas que te encantan?

Finalmente he escogido «De Libélulas» por lo que me trasmitió la primera vez que la escuché. Quedé enamorada de esta canción. Si la letra ya es bonita, cada acorde de guitarra española y cada nota de piano, consiguen, como pretende Manolo García,  que no se duerman nuestros sentidos.  Esta obra nos acerca a la idea del amor en toda su amplitud a través de bellas metáforas, mi favorita… «El amor es la luz que pasa por ojos de puente romano».

Pulido anaquel, sillares, bella liberta, trémula de rosas, refila la flauta… Manolo García hilvana una canción romántica con un hilo de palabras poco usuales en el lenguaje de calle, dando más complejidad y belleza a sus versos, y consiguiendo una canción de amor sin tópicos ni frases hechas tan comunes en otros tantos sencillos de los grupos o bandas de actualidad. De este modo nos permite ser libres en la interpretación y disfrutarla con la intensidad que cada uno/a necesita en ese momento.

El amor puede flotar entre nenúfares, ser un trío de golondrinas, o puede ser el agua del vapor de un barco, centellas negras atravesando nubes, luz cambiante, busto de arcilla, ruinas bajo el cielo, etc. y es que cuando se ama, todo se impregna de ese amor, y hasta el mimbre puede «transmutarse» a fierro argentino.

Alicia López Cerezuela (Dpto. Biología y Geología)

En esta ocasión vamos a dar prioridad a la creatividad de nuestro alumnado, ofreciendo una serie de fotografías que muestran algunos de los trabajos confeccionados para conmemorar “El día de la poesía”.

Dada la actual situación sanitaria, hemos tenido a bien dar un enfoque distinto a nuestra tradicional colada poética. En esta ocasión hemos cambiado el trabajo grupal en nuestra biblioteca por el concurso lírico, de carácter individual, si bien respetando las plantillas habituales: jerséis, pantalones, botas, camisas, vestidos y alguna que otra prenda algo más ligada a la intimidad.

Así las cosas, desde poemas con toques modernistas hasta versos libres que parecen evocar la poesía de la experiencia. De todo, y para todos los gustos.

Tras las vacaciones daremos a conocer los tres textos ganadores y entregaremos a sus autores sus merecidos premios. Mientras tanto, sirva como aperitivo esta pequeña selección de lo mucho que hemos ido recibiendo.

¡Felices vacaciones!

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Gracias a la vida

Gracias a la vida, que me ha dado tanto
Me dio dos luceros, que cuando los abro
Perfecto distingo, lo negro del blanco
Y en el alto cielo su fondo estrellado
Y en las multitudes el hombre que yo amo

Gracias a la vida, que me ha dado tanto
Me ha dado el sonido del abecedario
Con él las palabras que pienso y declaro
Madre amigo hermano
Y luz alumbrando, la ruta del alma del que estoy amando

Gracias a la vida, que me ha dado tanto
Me ha dado la marcha de mis pies cansados
Con ellos anduve ciudades y charcos
Playas y desiertos, montañas y llanos
Y la casa tuya, tu calle y tu patio

Gracias a la vida, que me ha dado tanto
Me dio el corazón, que agita su marco
Cuando miro el fruto, del cerebro humano
Cuando miro el bueno tan lejos del malo
Cuando miro el fondo de tus ojos claros

Gracias a la vida que me ha dado tanto
Me ha dado la risa y me ha dado el llanto
Así yo distingo dicha de quebranto
Los dos materiales, que forman mi canto
Y el canto de ustedes que es el mismo canto
Y el canto de todos que es mi propio canto
Gracias a la vida, gracias a la vida
Gracias a la vida, gracias a la vida

                    (Violeta Parra y Mercedes Sosa)

Aprovechando que la pasada semana la comenzamos con el día de la mujer, parece una buena opción escoger una canción atemporal, compuesta por una mujer, en este caso Violeta Parra, y que fue interpretada durante mucho tiempo por otra gran cantante, Mercedes Sosa. Es posible que ninguna de ellas les sea familiar, por ello, vamos a hacer una pequeña presentación de cada una.

Violeta Parra fue una artista chilena, reconocida como una de las principales folcloristas en Latinoamérica y fiel divulgadora de la música popular de su país.

Mercedes Sosa fue una cantante de música folclórica argentina, se la considera la mayor exponente de dicho género, fundadora del “movimiento del nuevo cancionero”, cuyo objetivo fue impulsar el desarrollo de un cancionero en renovación permanente, que fuera capaz de superar el enfrentamiento entre tango y folclore, y evitar las creaciones puramente comerciales. Este estilo musical tuvo un gran boom en la década de los 60 y se mantuvo en las décadas siguientes, en las que brotaban de diversas partes del planeta, y especialmente de Latinoamérica, auténticos himnos de libertad, tolerancia y humanidad, que tanto en los años anteriores como actualmente invitan a leer entre líneas o escuchar entre estrofas, profundizar en su mensaje y reflexionar sobre el mismo. Entre sus interpretaciones más conocidas se encuentra: Alfonsina y el mar, Al jardín de la República, Canción con todos, Como la cigarra, Zamba para no morir, Sólo le pido a Dios, La maza o Duerme negrito. Una de las últimas colaboraciones que realizó fue con René Pérez, más conocido como Residente, con la canción “Hay un niño en la calle” cuya letra es de Armando Tejada Gómez, otro argentino que llegó a diputado pero que en su infancia vivió de primera mano lo que era ser un niño de la calle.

“Gracias a la vida” es un canto a vivir con mayúsculas, a ser agradecidos, a valorar las pequeñas cosas y disfrutar de lo sencillo del día a día. Siguiendo el planteamiento de Luis Castellanos, hace un juego de palabras precioso, que si conseguimos habitarlas, cobrarán todo el sentido y nos harán darnos cuenta de lo afortunados que somos, simplemente dándole valor a esas pequeñas cosas, que poseemos y de las cuales disfrutamos cada día, pero el torbellino diario, nos hace ir de forma tan autómata, que ni siquiera caemos en la cuenta de que podríamos no tenerlas o quizás un golpe de mala suerte nos la podría arrebatar. Sin más, les invito a disfrutar de la canción y como no, de la VIDA.

Ana Palmero (Departamento de Biología)

Te espero sin plazo ni tiempo.

No temas noche, neblina ni aguacero.

Acude con sendero o sin sendero.

Llámame a donde tú eres, alma mía.

Y marcha recto hacia mí, compañero.

(Gabriela Mistral)

En esta ocasión dedicamos nuestro lírico espacio a la poetisa chilena Gabriela Mistral (seudónimo de Lucila Godoy Alcayaga) a la que, con total seguridad, encontrareis en los manuales de Historia de la Literatura vinculada al Modernismo: movimientos artístico de carácter rupturista, que va a desarrollarse (más o menos) entre 1880 y 1917.

Sin embargo, y como suele ocurrir, la realidad siempre es mucho más compleja y fascinante de lo que las clasificaciones suelen reflejar, y en el poema seleccionado no nos encontramos un texto de carácter escapista subrayado por una estética decadente, si bien su métrica sí que parece obedecer a las innovaciones propias del susodicho movimiento. Antes al contrario, la claridad y la sencillez domina cada uno de los versos, aproximando la voz lírica a unos usos lingüísticos coloquiales, accesibles, para todo tipo de público. Y ahí radica la grandeza, en la versatilidad de la autora para desandar el camino, para despojarse de la afectación, abrazando la llaneza.

Poesía es decir poco con mucho. Que la palabra, ajustada a escueta métrica, sea capaz de crear una experiencia o, como es el caso del texto que nos ocupa, transmitir un sentir… un deseo: la llegada del amante, lo que vincula la poética de Gabriela Mistral con la lírica tradicional medieval, concretamente con las “albadas”, que eran canciones, también dominadas por la voz femenina, que hablaban del encuentro con el amado en la noche; las mismas en las que San Juan de la Cruz se inspiró para componer su magistral Noche oscura del alma.

Así las cosas, tal y como ocurre con todo texto clásico, el poema de Gabriela Mistral (la primera mujer iberoamericana en obtener el premio Nobel de Literatura) pertenece a toda una tradición secular de poesía amatoria, si bien resulta de una señalable actualidad al incluir como final de texto ese “compañero” que hace mucho más cercano, accesible y amigable, al deseado varón, haciendo que esos cinco versos estén mucho más cerca de las canciones populares que escuchamos hoy por hoy en cualquier emisora de radio que del corpus lírico que ocasiona su génesis.

Selección y reseña: Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Española y Literatura)

SELENITA

La noche

es un desliz

de la mañana.

Un tormento

para la luna

que siendo de naturaleza

apagada

se ve obligada

a brillar.

(Cecilia Vicuña)

La luna, esa eterna compañera de nuestras noches, ha ejercido siempre una especial influencia en las almas de los artistas, apareciendo como elemento protagónico en multitud de obras de órdenes tan diversos como la pintura, la escultura o, como es el caso del poema que hoy hemos elegido, la lírica.

Sus antiguas representaciones nos llevan hasta la mitología antigua, esa diosa Selene (hija de Hiperión y Tea) a la que hace referencia el título del poema, que en la mitología romana ya adoptará el nombre con el que hoy por hoy conocemos a tan popular astro: luna.

Indudablemente, el Romanticismo, con su gusto por el paisaje arrebatado, plagado de sombras y nocturnidades utilizará la susodicha luna hasta la saciedad, llegando incluso, tal y como hace este poema, a transformarla en inalcanzable dama, fantasía imposible, a través de una de las más bonitas leyendas de Gustavo Adolfo Bécquer: El rayo de luna. Y de aquí pasará, como lógica evolución, a la literatura fantástica y de terror, que influirá de manera decisiva en la iconografía del cine de género: esas lunas que veremos en, por ejemplo, los grandes clásicos de las películas de la Universal: Frankenstein, Drácula y, por supuesto, El hombre lobo.

Pero, hablando de cine, no puedo dejar de mencionar la simpática y humanizada representación que de la luna hizo George Méliès en su magistral adaptación de la novela de Julio Verne: Viaje a la luna.

Así las cosas, esta breve pero bonita composición de la poetisa chilena Cecilia Vicuña se inserta perfectamente en una tradición milenaria. Pero su sencillez, y el uso del verso libre, lo acerca a tendencias de vanguardia; de hecho nos recuerda a una de aquellas ocurrentes greguerías de Ramón Gómez de la Serna, pues en el fondo estamos ante una definición de la noche, una original metáfora prolongada a lo largo de nueve versos. La imagen visual que la autora evoca, sobre todo con el juego de contrastes del final, es una de las peculiaridades más identificables de su estilo, puesto que Cecilia Vicuña es también una reconocida artista en el campo de la plástica y del cine.

Selección y reseña: Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Española y Literatura)

A Apolo siguiendo a Dafne

Bermejazo Platero de las cumbres
A cuya luz se espulga la canalla:
La ninfa Dafne, que se afufa y calla,
Si la quieres gozar, paga y no alumbres.

Si quieres ahorrar de pesadumbres,
Ojo del Cielo, trata de compralla:
En confites gastó Marte la malla,
Y la espada en pasteles y en azumbres.

Volviose en bolsa Júpiter severo,
Levantose las faldas la doncella
Por recogerle en lluvia de dinero.

Astucia fue de alguna Dueña Estrella,
Que de Estrella sin Dueña no lo infiero:
Febo, pues eres Sol, sírvete de ella.

                        (Francisco de Quevedo)

Francisco de Quevedo (1580-1645) fue uno de los poetas más populares del Barroco español. Su producción narrativa es extensa: El Buscón, los Sueños, tratados morales, filosóficos, ascéticos, el género epistolar… pero fueron su genialidad lírica, sobresaliente también en el tono sublime, y su talento para retratar la sociedad los que hicieron de este poeta uno de los mayores genios del Siglo de Oro español. Sus obras satíricas y burlescas (entre las que se encuentra el poema que leemos hoy) le granjearon pronto una gran popularidad.

El soneto “A Apolo siguiendo a Dafne” es una muestra de su punzante ingenio y forma pareja con otro: “A Dafne huyendo de Apolo”, que también es una maravilla de agudeza y que os animo a disfrutar. Ambos son arquetipos de lo que algunos han llamado el contrafactumburlesco. Quevedo sigue la línea de muchos otros autores barrocos españoles,  dar la vuelta a los mitos clásicos (están ya muy vacíos, se vienen replicando desde la época Clásica hasta la caricatura) para suscitar la carcajada. El desengaño y la burla son una constante en la España en crisis del XVII,  en la que solo un niño o un loco confundiría el oro y el oropel.

Pero pongámonos en situación: el conocidísimo mito de Apolo y Dafne proviene de Grecia, pero se populariza en las Metamorfosis de Ovidio. Apolo, dios del Sol, la Música y las Artes, después de una afortunada sesión de cacería en la que mata a la serpiente Pitón, se burla de Cupido, el caprichoso y voluble niño que juega con arcos y flechas.  Este, irritado por la petulancia de Apolo, fabrica dos flechas para darle una lección: una de oro, que hace arder de pasión amorosa a quien alcanza y otra de plomo, que causa rechazo y desapego. La flecha de oro alcanzó el corazón de Apolo, pero el angelote lanzó la de plomo hacia una bella ninfa, Dafne, que huyó despavorida suplicando auxilio ante los insistentes requerimientos del dios.  Exhausta, a punto de  ser alcanzada, la ninfa rogó a gritos a su padre, Peneo, dios del río del mismo nombre, que no permitiera el ultraje y este, compadecido, la convirtió en laurel. Mientras su cabello se tornaba hojas, sus brazos ramas y sus pies raíces, Apolo solo pudo prometer, desolado, que como tributo a los méritos de Dafne el laurel sería desde entonces símbolo de la virtud y  del triunfo, adornando con sus hojas la cabeza de los vencedores.

Un mito bellísimo que nos ha dejado joyas en la literatura española, como el famoso soneto XIII de Garcilaso De la Vega:

A Dafne ya los brazos le crecían

y en luengos ramos vueltos se mostraban;

en verdes hojas vi que se tornaban

los cabellos que el oro escurecían;

de áspera corteza se cubrían

los tiernos miembros que aun bullendo estaban;

los blancos pies en tierra hincaban

y en torcidas raíces se volvían.

Aquel que fue la causa de tal daño,

a fuerza de llorar, crecer hacía

este árbol, que con lágrimas regaba.

¡Oh miserable estado, oh mal tamaño,

que con llorarla crezca cada día

la causa y la razón por que lloraba!

Pero el paso del tiempo todo lo desgasta. Trillado el mito por mil poetas de variado pelaje desde Grecia y Roma, y rebajado a común y rutinario ejercicio en el Renacimiento, de la belleza inicial solo queda la cáscara. Y ni lo más sagrado se libra de la burla acerada de Quevedo. En Apolo siguiendo a Dafne, el poeta se enfrenta directamente al propio dios  con un vocativo, proponiendo desde el primer verso un duelo en el que Apolo solo puede ser el perdedor. Así, desde la superioridad del que aconseja, se dispone como un cirujano a la disección del mito:

“Bermejazo platero de las cumbres…”

En un comienzo deliberadamente solemne (un endecasílabo melódico, de ritmo lento y sonoro), con una imponente distribución rítmica, lo que podría pasar por un epíteto glorificador, un elogio al dios del Sol, que con su color rojizo colorea y dora con su luz las cumbres con su sola presencia es, por el contrario, una terrible burla.

Quevedo   está  deslizando unas insinuaciones que todos reconocerían en su época. “Bermejazo”, con un clarísimo sufijo despectivo, no puede ser un epíteto bien recibido, y no lo es, porque el color rojo lleva aparejadas connotaciones muy negativas. Desde muy antiguo, el cabello pelirrojo se asociaba con la traición, y las representaciones de judíos incluían frecuentemente personajes pelirrojos (se dice que el mismo Judas, que vendió a Cristo por treinta monedas de plata, lo era). Dicho color se asociaba también desde antiguo a la lujuria, porque las prostitutas romanas se teñían frecuentemente los cabellos de rojo, y el  propio enrojecimiento de la cara se apareja aun hoy al deseo sexual (nuestro “ponerse colorado”). Desde hace siglos, dicha coloración ha tenido esas connotaciones, ya se sabe, ni perro ni gato de aquella color…

Por si alguien tiene dudas, la profesión de “platero” también se asociaba a los judíos. En El Criticón, de Gracián, sospechan del origen judío de un personaje “porque dora, y adora un arca”. Por último, como broma final de Quevedo, como el golpe que sobraba cuando el contrincante ya no puede defenderse, ese “platear de las cumbres” es un tópico relacionado con la vejez y el paso del tiempo. ¿Insinúa Quevedo que Apolo no es más que un judío viejo, mal teñido, y además un avaro consumido por una loca pasión?

Con un lentísimo endecasílabo sáfico que se relame en el insulto, “a cuya luz se expulga la canalla”, Quevedo apuntilla, pues señala con su dedo que su divina luz ya solo sirve para que la gente ruin y baja (la canalla) se deshaga de las pulgas al amanecer (habrás sospechado que los acentos rítmicos que recaen justamente en la vocal cerrada -u-, subrayando la importancia de “luz” y “espulga”, no son casualidad). Para acabar el cuarteto, se insinúa que la ninfa escapa de esa luz (“se afufa” es un término muy vulgar que viene a significar “huir apresuradamente haciendo ruido con las faldas”) como en un juego amoroso en que ella ya no es la recatada víctima que huye, sino la que juega de tú a tú en complicidad con el perseguidor. La imagen queda subrayada por la aliteración de la –f-, donde casi oímos ese escapar ruidoso y fingido.  Y Dafne incita, sí, porque hace como que huye, pero “calla”,  al contrario que en el mito original. Por si Apolo, torpe amador, no ha visto las señales, es hora del primer consejo:

“Si la quieres gozar, paga y no alumbres.”

Habrás observado un fuerte acento antirrítmico en “paga”, el primer  término monetario de un campo semántico que puedes rastrear como ejercicio en todo el soneto.  El consejo a Apolo es que deje de “alumbrar”, de ser quien es, y directamente asuma el pago por la relación que pretende. Como Quevedo no apunta en balde, la palabra “alumbre”, como sustantivo, es un dardo que todos asociarían con un material que en la época era muy común para variados usos, el sulfato potásico: para los plateros, permitía decapar y ablandar materiales previamente calentados, y también era un socorrido cosmético, eficaz rejuvenecedor y común para fijar los tintes…

Y continúa el segundo cuarteto con el consejo de ahorrar (parece ser la verdadera causa de la huida silenciosa, porque el dios aún no ha entendido o no accede al juego de la ninfa), e insta a Apolo con el epíteto “Ojo del cielo” -conociendo a Quevedo y su producción escatológica, es más insulto que piropo, y más restallando en un endecasílabo enfático-  a que varíe su estrategia: “Trata de compralla”. El acento en sexta sílaba, prioritario en el soneto clásico, hace sobresalir al imperativo.

¿Por qué todo un Apolo había de hacer caso al poeta? ¿Hay precedentes de tal bajeza en un dios olímpico? Pues en el enlace entre el segundo cuarteto y el primer terceto se apuntalará el consejo: Los dos siguientes versos ridiculizan a Marte, ya que nos traen a la mente a todo un dios de la guerra que empeña su armadura (malla) para gastarla en confites (dulces) y azumbres (una medida de vino) en su afán por acostarse con Venus.

“En confites gastó Marte la malla,
Y la espada en pasteles y en azumbres.”

En efecto, recordarás que Zeus ya sospechaba que la inusual belleza de Afrodita (Venus) había de ser motivo de disputa entre los dioses varones, de modo que resolvió casarla con Hefesto (Vulcano), el dios del fuego cojo y deforme, pero temible. La diosa, insatisfecha, le fue infiel innumerables veces con dioses y aun con mortales, pero la más famosa es su aventura con Ares (Marte). Ambos se acostaban mientras Vulcano trabajaba en su fragua, de noche, alejados de la luz del sol (Febo, nuestro Apolo), porque es quien todo lo ve, y no es confidente fiable. Por eso mismo Marte se compinchaba con el joven Alectrión, que le avisaba puntualmente del fin de jornada del marido. Una vez, el jovencito se rindió al sueño y no dio la voz de alarma. Cuando el sol salió, sorprendió a los amantes desnudos y abrazados y le faltó tiempo para acudir a la fragua y soltar la bomba:

Y en este famoso cuadro de Velázquez tenemos capturado el momento en el que Febo, Apolo, coronado de laurel, da la terrible noticia ante el estupor de jefe y trabajadores. ¿Qué mejor manera de aconsejar a Apolo con un hecho del que fue testigo de cargo? La carcajada olímpica fue de órdago entonces, pues el resabiado Vulcano tejió una finísima red de oro donde atrapó a los amantes y los suspendió, apelotonados y desnudos, para escarnio del personal. ¿Qué peor imagen para un dios de la guerra como Marte que verse desnudo sin sus atributos divinos -su armadura- y atrapado en una red para pajarillos?

​Sin duda, la escena debió ser un chisme risible desde su inicio, porque es cuento de corrillo desde su popularización con Ares y Afrodita en la Odisea y aparece ya en frescos de Pompeya con ánimo ridiculizador, y tampoco perdió gracia hasta el Barroco. Hay un lienzo de Botticelli de 1483 donde se recrea esta escena, con ambos amantes desnudos y un Marte borracho y rodeado de faunos con cuernecillos. No es de extrañar, porque estos eran asociados casi siempre con Baco, dios del vino (de ahí esos azumbres del soneto), y quizá por ello el italiano recreó para Marte y Venus una escena que recordaba de un sarcófago antiguo y que representaba en origen a Baco y Ariadna y el poder embriagador del vino como facilitador de las relaciones.

¿Que si el tema era una asociación común y era objeto de burla? Basta con que busquemos un cuadro icónico donde Tintoretto en 1555 coloca a Vulcano inspeccionando ridículamente la ropa interior de su esposa, desnuda en la cama, mientras Marte se esconde bajo la cama rogando por que un perrillo no lo delate. Y si quieres ver a ese Marte derrotado, en paños menores, como un soldado sin paga de Flandes, borracho y por eso más peligroso, busca cómo lo retrató Velázquez y verás, como Quevedo, un hombre duro que da más lástima que miedo. Ese es el dios del Barroco.

El primer terceto comienza con una paranomasia: “Volviose en bolsa”, y recrea oro mito al que se le da la vuelta, el de Dánae y el mismo padre de los dioses, Júpìter.

“Volviose en bolsa Júpiter severo,

Levantose las faldas la doncella

Por recogerle en lluvia de dinero.”

Según este mito, Acrisio, casado con Aganipe, no tenía herederos varones; su hija era Dánae, pero no se resignaba (eran otros tiempos) y consultó al oráculo. Su respuesta fue demoledora: “No tendrás hijos varones y tu nieto te matará”.

Así que el padre confinó a la niña en una torre de bronce inaccesible, con puertas de bronce y unos perros salvajes a la entrada. A pesar de las precauciones, Zeus (Júpiter) se enamoró de la doncella y consiguió engendrar con ella un hijo (Perseo, que sin saberlo mataría a Acrisio en un torneo, cumpliendo así la profecía) transformándose en una finísima lluvia de oro que se coló entre las vigas del tejado. Aquí, os invito a que investiguéis lo ingenioso que fue el padre de los dioses para conquistar a cualquier hombre o mujer de quien se encaprichara, desde Europa hasta Leda, Temis, Mnemosine, Ganímedes…

​Hay representaciones de Dánae desde el siglo V a. C., primero recibiendo inocente al dios en forma de gotas que caen del techo (una imagen muy pura, que la primitiva Iglesia asociaba incluso a la Anunciación de María), y pronto se incluirán a su lado más personajes; Eros (Cupido), angelotes con flechas y generalmente una sirvienta. También, con el paso de los siglos, Dánae va perdiendo ropa hasta quedar, en el Barroco, ya completamente desvestida y al parecer más plácida y dispuesta. Por supuesto, del techo ya no caen rayos de luz, ni oro líquido, sino monedas contantes y sonantes que una dueña o sirvienta se apresura a recoger ahuecando la falda.

Así, mientras Polifilo, Mabuse o Correggio seguían respetando la pureza original, Tiziano y Rembrandt la presentan ya como una prostituta asistida por una celestina. Un siglo más tarde, Tiépolo sitúa la escena directamente en un burdel, Dánae tiene sobrepeso y Júpiter es ya un viejo asqueroso.

​Quevedo asistió al proceso de hundimiento del mito en las galerías de arte de Italia, y tuvo acceso a la serie de cuatro cuadros que Felipe II encargó a Tiziano para su gabinete, solo accesible para hombres, donde el tema ya es solo apto para chistes.

Si Marte y el mismo padre de los dioses hubieron de pagar, Apolo solo tiene una solución:

“Astucia fue de alguna Dueña Estrella,
que de Estrella sin Dueña no lo infiero:
Febo, pues eres Sol, sírvete de ella.”

Ahora ya sabemos que la huida de Dafne ha sido urdida seguramente por una dueña o celestina, pues no puede haber “buena estrella” sin servirse de una, y ese “no lo infiero” -única vez que aparece el yo poético- implica que Quevedo aconseja con un argumento de peso, por experiencia propia.

Selección y reseña: Miguel Ángel Aragüés (Deparatamento de Lengua Española y Literatura)

EL ROCK

¿Quién no se ha desmelenado bailando con ACDC o Guns&Roses? ¿Quién no ha coreado las palmas del mítico We will Rock You?¿Quién no conoce el Rock?

Pues alrededor de 1920 este género todavía no había nacido, pero es en estos felices años 20 cuando surge el Blues y casi inmediatamente el Jazz, masa madre de la cual nace casi la inmensa mayoría de la música popular del siglo XX  y XXI. Aunque increíble, todo lo que circula in streaming  en variopintas plataformas, llamense YouTube o Spotify, surge de estos cantos de trabajo afroamericanos, de este Blues, de este Jazz.

Como no, el Rock también encuentra en estos géneros su origen. Nace en la década de los 50 como Rock&Roll, de la mano de los famosísimos Elvis Presley o Chuck Berry, utilizando la base de guitarra, bajo, voz y batería como primeros componentes a los cuales poco a poco se les fue añadiendo otros muchos.

Es en los 60 cuando alcanza gran popularidad y difusión y en esto contribuye en gran medida Reina Unido que se pone a la cabeza del género con dos grupos míticos donde los haya: Rolling Stones y Beatles.

De ahí,el boom. En los 70 grupos como Queen o Pink Floyd llevan el género al sinfonismo, mientras Ramones, Black Sabath o Led Zeppelin derivan hacia el punk o el heavy metal. Y miles de combinaciones van surgiendo: blues rock, hard rock, folk rock… 

Y suma y sigue. En los 80, 90, 2000 el rock continúa su eterna evolución ( o revolución) creando mezclas imposibles que surgen y funcionan y haciendo que grandes nombres de la música como Bruce Springsteen, ACDC, Elton John o los mismísimos Rolling sigan aún hoy llenando escenarios junto a nuevos artistas como LinkinPark y Aerosmith o en nuestro país donde por ejemplo pequeños grupos como los zaragozanos Hérpes del Silencio o la propia Amaral han llevado el género a la excelencia del poprock en castellano.

Un crisol eterno de experimentación y evolución porque EL ROCK NUNCA MUERE.

https://youtube.com/playlist?list=PLIBzJYkyPzFwUD-0Tejt1N0e5nWeUvPgT

LISTA DE REPRODUCIÓN  DE GRANDES TEMAS DEL ROCK ELABORADA POR 1ºESO C

Selección y reseña: Elsa Bermejo y alumnos de 1º de ESO C.

Discurso de Leonard Cohen al recibir el premio de Poesía de la Fundación Principe de Asturias del año 2011

Este año se cumplen los diez años desde que se le entregó el premio Principe de Asturias de Poesía a Leonard Cohen. Con motivo de este pequeño aniversario me atrevo a escribir unas palabras que no tienen por objetivo más que honrar la memoria del cantante y su distinguido discurso.

Pocas veces a lo largo de mi vida he podido escuchar como los agradecimientos de un premiado expresan certeramente las emociones que en el afortunado ganador se han despertado. Menos veces aun que puedan superar en entidad y envergadura el premio recibido. Desde mi humilde punto de vista Leonard Cohen lo consigue, y devuelve con sus palabras no un reconocimiento ya por el premio, sino hacia un país que en el año 2011 estaba sumergido en lo más profundo de una brutal crisis.

Su discurso es como una canción que ilumina lo mejor de España en sus momentos mas oscuros. Que en mitad de la locura de los despidos, las miserias y las lagrimas ponía voz a la cultura, el arte y la inspiración de un país hundido. Obviamente el jurado conocía la obra del autor y su intima relación con España. No es difícil. Desde estas reseñas publicadas semanalmente también nos hemos referido a su especial conexión con Federico García Lorca. Algo mas inadvertida era la historia de su guitarra Conde, una marca española que fabrica instrumentos de alta calidad para musicos de todo el mundo. Leonard nos habla de ella como si de su hija se tratara, nos expresa su peso, su olor, su tacto… todo ello con la alegría de un niño que piensa en su juguete favorito.

En el momento de recibir el premio ya tenía 77 años. Siempre he sentido cierta envidia hacia el aplomo y la lucidez que algunas personas son capaces de transmitir cuando llegan a una vejez dulce, es decir, en perfectas condiciones. Puede ser porque me evoca a mi propia familia perdida y esos momentos que como adulto no pude compartir con ellos. También me hace pensar que la sociedad de hoy en día va muy rápida, y que ellos ​a su ritmo representan un alto en el camino que sirve de reflexión y mensaje “no hace falta correr tanto”, “no te olvides de mirar hacia los lados”. Una voz paternal que calma y anima a seguir adelante con tranquilidad y sosiego. Aunque no sé exactamente como describirlo en sus formas hay una educación diferente, de mejores tiempos, respetuosa y honesta, sutil e inteligente que parece correcta al oirle como se expresa. Hay algo que veo y oigo, que reconozco pero yo no tengo. Algo que yo no sé.

Lo que sí sé es que nos encontramos ante un gran maestro de las palabras. Un contador de historias. Como toda buena canción que tiene una verdad escondida detrás, la cual transmite un mensaje más profundo y coge al oyente desprevenido, él guarda un secreto para la audiencia. Un pensamiento vital que nadie sabía de su existencia y que vuelca sobre el público inesperadamente 50 años después de comenzar a componer. Su tercera conexión con España. De la misma importancia que nuestra guitarra y nuestro poeta. Su tercer motivo por el que darnos las gracias. Personalmente no me atrevo a expresarlo con mis propias palabras, así que, os animo a leer o reproducir el artículo o video aquí expuestos para que juzgueis por vosotros mismos. El agradecimiento de Leonard Cohen es un regalo que no tiene precio, es poesía pura.

Selección y reseña: Jorge Franco (Departamento de Geografía e Historia)

ACERCA DE EMILY DICKINSON

El escritorio de Emily no es gran cosa, en realidad es pequeño, unos dos palmos de ancho, pero es el lugar donde sucede la magia, se puede convertir en una misteriosa puerta que da directamente al jardín o puede ser un barco que zarpa rumbo a Buenos Aires o Perú; allí escribe poemas a la luz del quinqué, cientos y cientos de ellos cuando el mundo ya  duerme. Todo esto a lo largo de su vida, desde que era niña y no deja de hacerlo nunca. “¿Qué las mujeres solo sirven para quedarse en casa? ¡No, no y mil veces no!” grita Emily, quien no está de acuerdo con esta idea: ¡ella quiere ser poeta! (Cita del libro)

Destacan las guardas donde están dibujadas muchas flores, distribuidas como en un herbolario ya que Emily también quería ser botánica, pero al final llego a ser poetisa, así como las ilustraciones con una precisión y colorido que llaman la atención.

David Aceituno (Badalona, 1977) es el escritor de una serie de cuentos infantiles. Destacan libros como Regálame un beso, Ensueños, Encantadas y La vida de los monstruos. Con este libro David Aceituno pretende acercar a Emily Dickinson, personaje importante de la historia,  al público infantil y quiere hacerlo usando como punto de partida un objeto que le represetne y que evoque toda su historia, el escritorio.

Esther Gili es una de las ilustradoras más populares actualmente. Tiene un buen número de títulos infantiles y juveniles publicados, como El lenguaje de las olas, Olivia y las plumas o La maceta encantada. En 2019 publicó Azul, el arte de Esther Gili.

Sobre Emily Dickinson (Amherst, Massachusetts, 10 diciembre de 1830 – Amherst, 15 de mayo de 1886)

Este álbum ilustrado nos adentra en la fuerte personalidad de Emily Dickinson y en su afán de alcanzar su sueño: ser poetisa. Procedía de una familia de prestigio y poseía fuertes lazos con su comunidad aunque vivió gran parte de sus vida recluida en su casa. Sus vecinos la consideraban excéntrica; tenía predilección por vestir siempre con ropa blanca y era conocida por negarse a saludar a sus invitados y en los últimos años de su vida, por ni siquiera salir de su habitación. Nunca se casó y la mayoría de amistades que tenía dependían completamente de la correspondencia.

En la intimidad de su hogar Dickinson era una prolífica poeta; sin embargo, durante su vida no se llegó a publicar ni una docena de sus casi 1800 poemas y los que se publicaban eran alterados significativamente por los editores, adaptándolos a las reglas y convenciones poéticas de la época.

Los poemas de Dickinson son únicos en comparación con los de sus contemporáneos: contienen líneas cortas, por lo general carecen de título, contienen rimas consonantes imperfectas y una puntuación poco convencional.  Muchos de sus poemas se centran en temas relacionados con la muerte y la inmortalidad, dos temas también recurrentes en las cartas que enviaba a sus amigos.

El poeta español y Premio Nobel de Literatura Juan Ramón Jiménez, fue el primero en apreciar y difundir versos de esta autora en España. En su obra Diario de un poeta recién casado (1916), traduce e incorpora en su poema CCXVIII, los poemas 674, 1687 y 308 de la autora.

The heart asks pleasure first

The heart asks pleasure first,
And then, excuse from pain
And then, those little anodynes
That deaden suffering.

And then, to go to sleep;
And then, if it shoud be
The will of its Inquisitor
The liberty to die.

(Traducción al español)

El corazón pide placer primero

El corazón pide placer primero,
y luego, excusa para el dolor
y luego esos pequeños calmantes
que atenúan el sufrimiento.

Y luego, ir a dormir;
y luego, si debiera ser
la voluntad de su inquisidor
la libertad de morir.

      (Emily Dickinson, c. 1862)

Selección y reseña: María Dolores Ibáñez (Maestra del Colegio Público “Los Albares”).

El hombre que casi conoció a Michi Panero

Es hora de recapitular

Las hostias que me ha dado el mundo

Hoy querrán oír mi último adiós

Bien. Poco a poco van llegando

Y yo los recibo en batín

Y unos me llaman chaval

Y otros me dicen caballero

Alguno no se ha querido pronunciar

Yo una vez tuve un amor

Pero si he de ser sincero

Dije no en el altar

Y cuando digo no es no

Fracasé una vez, fracasé diez mil

Y aun así alzo mi copa hacia el cielo

En un brindis por el hombre de hoy

Y por lo bien que habita el mundo […]

Nunca fui en nada el mejor

Tampoco he sido un gran amante

Más de una lo querrá atestiguar

Pero si algo hay capital

Algo de veras importante

Es que me voy a morir

Y cuando digo voy es voy

Lo he pasado bien

Y casi conocí en una ocasión a Michi Panero

Y es bastante más de lo que jamás

Soñaríais en mil vidas

[…]

(Nacho Vegas)

Enlace al videoclip: https://www.youtube.com/watch?v=cfl8OyjIUiQ

Ignacio Gonzáles Vegas, más conocido como Nacho Vegas es un cantante reputado por sus cuidadas composiciones en las que explora desde el sentimiento más íntimo del ser humano hasta los problemas de la sociedad actual.

Aunque este cantante asturiano ha formado parte de numerosos grupos (quizás Manta Ray sea el que más aceptación ha conseguido de la crítica internacional) es en su carrera en solitario donde más ha destacado.

Para muchos, uno de sus primeros éxitos musicales apareció en forma de sencillo en el año 2005, con la canción El hombre que casi conoció a MichiPanero. A ese éxito se unieron grandes canciones que ofrecían reflexiones intimistas y tranquilas (como Ocho y medio o El ángel Simón) o furiosos gritos contra las injusticias sociales (La gran broma final). Además tiene interesantes colaboraciones con Enrique Bunbury y con Christina Rosenvinge (fruto de esa colaboración tenemos canciones inolvidables como Me he perdido).

Su música, que resulta intensa pero huidiza, tranquila pero vertiginosa, muestra reconocidas influencias como Nick Cave, Bob Dylan o Leonard Cohen y sus textos recurren a referencias de otros artistas, ya sean músicos, escritores o cineastas. Precisamente es lo que vemos en esta canción en la que Nacho Vegas se apoya en la figura de Michi Panero.

El hombre que casi conoció a Michi Panero es una canción que trata de hacer una valoración de la vida al borde mismo de la muerte, haciendo un balance del paso del protagonista por este mundo. A pesar del tema de la canción no hay tristeza, incluso se percibe cierto aire festivo que asoma tras la derrota.

Y nos sorprende la alusión al hijo pequeño de Leopoldo Panero (conocido como el poeta del régimen franquista). Michi Panero conocido por muchos como el escritor sin libros siempre decía que “Lo peor que se puede ser en esta vida es un coñazo”, y dedicó toda su vida precisamente a eso, a no serlo y a vivir al máximo todas las situaciones siempre a la sombra de sus dos hermanos (escritores de gran talento). El magnetismo de la personalidad de Michi y su protagonismo en la vida bohemia de la noche de Madrid le hacen aparecer como símbolo de la dulce derrota y que bien se puede identificar con el film El desencanto (1976).  En esta película documental los tres hijos y la viuda de Leopoldo Panero narran sus vivencias, recuerdan buenos y malos momentos y se cruzan varios ataques de una familia en plena decadencia y que refleja a la perfección el desmoronamiento del régimen franquista.

La figura de Michi Panero, fallecido en el año 2004, es recuperada y homenajeada en esta canción del genial compositor asturiano a modo de símbolo de la vida, la muerte y la derrota. Una figura interesante y recordada pero siempre a la sombra de los demás Panero.

Selección y reseña: Sebastián Solana (Departamento de Lengua Española y Literatura)

Diamonds & Rust​ by Joan Baez

Well, I’ll be damned
Here comes your ghost again

But that’s not unusual
It’s just that the moon is full

And you happened to call

And here I sit
Hand on the telephone

Hearing a voice I’d known
A couple of light years ago

Heading straight for a fall
As I remember your eyes
Were bluer than robin’s eggs
My poetry was lousy you said
Where are you calling from?
A booth in the midwest
Ten years ago
I bought you some cufflinks
You brought me something
We both know what memories can bring

They bring diamonds and rust
Well, you burst on the scene

Already a legend
The unwashed phenomenon

The original vagabond
You strayed into my arms
And there you stayed Temporarily lost at sea
The Madonna was yours for free

Yes, the girl on the half-shell

Could keep you unharmed
Now I see you standing
With brown leaves falling all around

And snow in your hair
Now you’re smiling out the window
Of that crummy hotel
Over Washington Square
Our breath comes out white clouds

Mingles and hangs in the air
Speaking strictly for me
We both could have died then and there

Now you’re telling me
You’re not nostalgic
Then give me another word for it
You who are so good with words
And at keeping things vague
‘Cause I need some of that vagueness now

It’s all come back too clearly
Yes, I loved you dearly
And if you’re offering me diamonds and rust

I’ve already paid.

En esta canción, Joan Baez le canta a su antiguo amante Bob Dylan, recordando con cariño su aventura de los sesenta. Lanzada como single, esta pista se convirtió en su mayor éxito propio (cantado y compuesto por ella misma). Es una pieza extraña llena de melancolía que realiza un repaso a la relación sentimental que mantuvieron en la decada de los 60, diez años antes de que fuera escrita (1974). El punto de partida es una llamada de teléfono que Dylan realiza a Joan que reaviva parte del amor que ella le había profesado. El romance entre Dylan y Baez fue mitificado como una de las grandes parejas del momento y les catapultó a leyendas. Sin embargo, dejando de lado su importancia dentro de los estandares del corazón, ambos consiguieron transformar sus carreras gracias a él.

Joan Baez conoció a Dylan por primera vez en 1961, en Greenwich Village. En ese momento, ella ya gozaba de una gran popularidad como cantante. Mientras, Dylan era un chico nuevo de ciudad que estaba creando gran revuelo antes de grabar su primer álbum. Pasarían dos años antes de su encuentro en el Festival Folk de Monterey en 1963. Joan ya se encontraba en su cenit como «Reina del Folk», habiendo sido portada de la revista Time. Dylan, empujaba con fuerza y estaba empezando a hacerse conocido por sus propias canciones. Con su segundo album en 1963, Dylan había compuesto ya varios de sus clásicos mas conocidos: «Blowin ‘in the Wind», «A Hard Rain’s A-Gonna Fall»…

Una vez contactaron enseguida comenzaron a realizar colaboraciones. Las canciones de Dylan le dieron a Joan una nueva visión propia. Joan comenzó a escribir sus propios temas y poco a poco se fue convirtiendo en una «cantante política», lo que, dados los acontecimientos históricos que estaban ocurriendo en ese momento (luchas de derechos civiles, Guerra de Vietnam…) le proporcionó una nueva dimensión a la hora de comunicar y conectar con su público. Dylan, cada vez mas famoso, se encontraría con todas las puertas abiertas gracias a la fama de ella. En medio del caos de los conciertos, la voragine emocional y su evolución musical comenzaron una relación. Su papel como «reyes» de la música folk americana era incuestionable. Sin embargo, muy pronto la relación se desequilibraría en contra de Joan Baez al ir alejandose poco a poco Dylan de ella.

En el momento de su gira conjunta por Estados Unidos a principios de 1965, su relación personal estaba casi acabada, sus agendas se distanciaban inexorablemente. Dylan rompió simbólicamente sus lazos como «rey» del folk con una actuación mas «eléctrica» ​​en el Festival de Folk de Newport. Mientras tanto, Joan se presentaba cada vez mas involucrada como activista política. El brillo de su tiempo juntos se había apagado.

El broche final ocurría poco después cuando ambos artistas dieron conciertos por separado en Londres. El público se sumió en una pequeñá depresión intentando compartir la pena por el fin de una relación que los había marcado. En el momento de la composición de esta canción la melancolía y la sinceridad de la letra ayudó a recuperar y cerrar una herida que nadie sabía que todavía seguía abierta. La voz y el acompañamiento de guitarra de Joan Baez relatan el desencuentro con una dulzura que todavía hoy transmite a sus oyentes. Sus dudas y vulnerabilidades se expresan de tal foma que ni su matrimonio ya roto ni su hijo pudo compensar.

Selección y reseña: Jorge Franco (Departamento de Geografía e Historia)

Por vuestros ojos juro, Elisa mía

-así con larga paz el cielo amigo

pueda volver de nuevo a ser testigo

de aquel morir, do vida se incluía-,

 

   que así cesó del monte el alegría

desque cesasteis vos de estar conmigo,

como va por nocturno y sin abrigo,

cuando alto siente, el causador del día.

 

   Y yo, por dar más fuerza a mi cuidado,

juré de siempre estar con baja frente

y a nunca ver mi cara me dispongo;

 

   tal que, si alguna vez traigo el ganado

para abrevarlo en clara y fresca fuente,

los ojos cierro y nuevo curso impongo.

      (Francisco de Aldana)

Francisco de Aldana fue otra de las más notables plumas de ese maravilloso periodo, el siglo XVI. Su labor queda así unida a la de otros autores del periodo, perfectamente reconocibles, como Garcilaso de la Vega, Juan Boscán o Diego Hurtado de Mendoza, si bien la Historia de la Literatura suele relegar su nombre a posiciones menos célebres y privilegiadas.

Nacido en Italia, cuna del Renacimiento, Francisco de Aldana flirteó tanto con las letras como con las armas (ostentando el cargo de capitán y perdiendo la vida en 1578, en la campaña africana del rey Don Sebastián). Esa doble vertiente, singular desde nuestra actual perspectiva, era tremendamente habitual en la época, tal y como es el caso de otros autores como Miguel de Cervantes, quien de ello va a dejar constancia incluso en el célebre discurso de las armas y las letras de su Quijote.

El poema elegido es clara muestra de la sensibilidad del periodo al que perteneció Aldana. Su tema (el amor) sirve al característico decoro renacentista (un soneto de mesurada elegancia), trayéndonos la Elisa del primero de los versos el recuerdo de la Laura de Petrarca. La voz lírica en primera persona, cuita amorosa que, gracias a algunos elementos naturales presentes (el cielo, el monte, la fuente y el ganado) se enmarca en los parámetros del género pastoril, tan de moda también en aquella época.

Selección y reseña: Alberto Jiménez (Departamento de Lengua Española y Literatura)

EL ESPÍRITU DEL HAIKU

Primera nieve:

las hojas del narciso            

casi curvadas.

(Matsuo Basho)

Los amigos de la sección de poesía nos reuniremos hoy, para variar, no frente a una reseña de un poema, ni a un repaso de una trayectoria literaria, ni ante un subgénero de éxito, sino a las puertas de una revelación íntima de la conexión entre la sensación sensorial, un  goce puramente personal, con lo trascendente.

El esquema tradicional del haiku japonés, que hoy en día ya no es respetado en su forma original, porque no se ajusta a la prosodia de otras lenguas y limita sus inmensas posibilidades, supone una extremada brevedad: En su origen, el poemita solo podía constar de 17 sílabas, distribuidas en tres versos de 5, 7 y 5 sílabas, respectivamente.

La pequeña estrofa (antes llamada hokku) era un patrón de composición de un poema mucho más extenso llamado renga, que consistía poemas de 36, 50, o 100 versos que se componían en grupo, tras la propuesta inicial de un maestro. El primer alumno, estudiada la propuesta del maestro, debía escribir 3 versos, de 5-7-5 sílabas. Después, el segundo, tenía que hacer dos versos de 7-7 y dar el paso a los demás, hasta componer un texto armónico que, volviendo en círculo a la máxima propuesta en un principio, pareciera escrito por una sola mano.

Este ejercicio puramente escolar se acabó trasladando a la corte, donde se planteaban certámenes de considerable éxito, aunque la redacción múltiple y el mero lucimiento personal desvirtuaban el verdadero propósito del ejercicio: alcanzar una verdad, pero la verdad única, y ante eso sobran demasiadas palabras, y sobra el individualismo. ¿Para qué mil voces, si solo hay una voz cierta, y ha de ser comprensible al instante, y en solo tres versos?

Cuando esta estrofita inicial se independizó, comenzó a llamarse haiku o hai-kai, y adquirió un sentido puramente personal.

​La temática de un haiku es muy rigurosa. Debe inspirarse en un marco bucólico, estar ligada a una estación del año (el kigo, que no supone nombrar necesariamente un mes  o una estación, pero sí un elemento asociado a ella, como el florecer de un árbol, la escarcha o la cosecha) o a un elemento de la naturaleza, preferiblemente contraponiendo dos imágenes que nuestro cerebro debe relacionar, conectándonos en una descarga instantánea con una realidad superior a la sensación individual, en verdadera unión con la esencia universal.

Tregua de vidrio                    El mar ya oscuro                    Un relámpago

el son de la cigarra                los gritos de los patos           y el grito de la garza,

taladra las rocas.                   apenas blancos.                     hondo en lo oscuro.

Se considera que el verdadero creador del haiku como expresión total es Matshuo Basho, hijo de un samurái de segundo nivel y que prefería, al contrario que su padre, la comodidad del palacio al rigor de las campañas. Dicen las crónicas que fue un notable cocinero, y habitual entre los intectuales de la corte.

Tras desprenderse de la condena que supone atar las sensaciones propias a las ajenas, a las ligaduras de lo comunitario, Basho decidió también desligar esa primera estrofa (hokku) y creó el auténtico haiku. Esta separación no solo manifestará, desde este momento, momentos intrascendentes, puramente observaciones casuales; sin renegar de una situación simple, ligada a la observación de la naturaleza, subirá al escalón de una progresiva y refinada espiritualización, la misma que se abre al propio poeta mientras se consagra al budismo zen en su vía de ascetismo y renuncia. Un camino místico hacia la iluminación.

Pareciera que el sapo
va a expeler
una nube

   (Kobayashi Issa)

​Basho compondrá más de seiscientos haikus, acompañados de ilustraciones a pincel. El uso de un formato tan breve es el vehículo adecuado para la expresión de budismo zen, que busca la serenidad por el medio de mostrar el conflicto entre los contrarios. En contraposición con la mística occidental, no estamos ante un Dios representante de una Bondad absoluta, que presencia una naturaleza fallida, pálido reflejo de una creación que precisa ser purificada y perdonada de sus pecados originales; la mística oriental convive pacíficamente con la existencia del mal, con las tentaciones de la carne, con lo mundano y lo impúdico, sin luchar jamás con lo diabólico, porque absolutamente todo –bueno y malo, precioso y desagradable- es muestra de la esencia divina y reflejo de la totalidad.

Piojos, pulgas                                                 Carranca acerba:

y un caballo que orina                                  su gaznate hidrópico

junto a mi almohada.                                    la rata engaña.

Solo la renuncia a lo material, el desprenderse de lo superfluo, permite al individuo encontrar la armonía de lo que nos parece opuesto. No es el estudio metódico de larguísimos textos sagrados, sino la iluminación repentina del instante, lo que nos acerca al verdadero zen. Por ese motivo, una antigua práctica de los maestros consistía en enfrentar a sus discípulos a argumentos absurdos y contradictorios, cuando no completamente desprovistos de sentido (koans), animándolos a descubrir la armonía de la totalidad en busca de una espiritualidad superior en la cual alcanzarán siempre sentido. La siguiente traducción de  Octavio Paz y Eikichi Hayashiya, que trata de imitar la onomatopeya final (también lo era en japonés), es muestra de lo sorprendente de alguno de estos poemas:

Un viejo estanque:

salta una rana ¡zas!

chapaleteo.

A la quietud primera, al remanso placentero de la pintura japonesa del primer verso, se une un elemento inesperado. Una rana, en un movimiento instantáneo, deshace la calma. Un tercer verso, ahora desarmados, nos enfrenta al ruido asombroso de un instante que no se repetirá por mucho que observemos, y que precede sin embargo a la restauración del orden inicial. Tras el chapoteo, todo quedará en la calma absoluta.

Esa es la esencia del haiku. El tiempo no existe, y la realidad puede ser intuida solo por las pequeñas revelaciones de un instante, de un cambio que, si no es observado, desaparece como clave de lo absoluto. Es una reivindicación de los pequeños detalles de lo cotidiano, de lo aparentemente discordante, que son los verdaderos destellos de la divinidad, lo único constante. Solo la aparente pequeña imperfección del presente, no el pasado ni el futuro, es muestra de la grandeza de la trascendencia.

Lluvia de flores
Un cuervo busca en vano
su nido

Vestido de escarcha
cubierto de viento
un niño abandonado

En la comprensión instantánea de un instante fugaz, de un presente rabioso, y en ese paso feliz e intenso, aunque brevísimo, del alma a la conexión con lo divino reside para el poeta el Nirvana, donde todo se conecta, donde no hay contrarios, donde no existe el bien ni el mal, la riqueza material ni la posición social. Solo existe el infinito, los detalles y compañeros que encontramos en cada instante, y ante ellos sobran las palabras.

Señalan con la mano.

En puntillas los niños

la luna admiran.

Es mi lago interior.

En la sombra merodea

un tigre negro.

Mañana de otoño me miro en el espejo

y veo a mi padre.

Estos poemitas, de origen japonés, llegaron a occidente a principios del siglo XX gracias al interés de los referentes literarios de la época. Ezra Pound y los surrealistas Paul Éluard y Apollinaire descubrieron el gusto a estas brevísimas composiciones a la intelecutualidad europea e iberoamericana.

En castellano, fue el mexicano José Juan Tablada el primero en componer haikus, que llamó “poemas sintéticos”. Aquí tenemos uno, de 1919, donde se observa que ya no se respeta la pausa silábica:

Tierno saúz,

casi oro, casi ámbar,

casi luz . . .

(José Juan Tablada)

Claro está, esto es más fruto del exotismo modernista propio de finales del XIX y del ambiente parisino, del Orientalismo en boga, que de un verdadero conocimiento de la literatura oriental. A las letras hispánicas, el haiku llega siempre con un perfume demasiado estético, alambicadamente falso, muy francés.

Muy pronto, la literatura iberoamericana del XIX, muy pendiente de las modas europeas, los aceptó con entusiasmo, y los practicaron entre otros, con desigual fortuna, Jorge Luis Borges, Mario Benedetti, Octavio Paz, o Leopoldo Lugones. Mucho más tarde, en 1979, renacerá el interñes por el haiku gracias a la publicación de “Senda de Oku”, una obra escrita por Matsuo Basho, que fue traducida por Octavio Paz en colaboración con HayáshiyaEikichi en 1957.

¿Es un imperio
esa luz que se apaga
o una luciérnaga?

(Jorge Luis Borges)

Hecho de aire
entre pinos y rocas
brota el poema.

(Octavio Paz)

Tiembla el rocío
y las hojas moradas
y un colibrí.

(Mario Benedetti)

Incluso en nuestro país, se acercaron tímidamente Juan Ramón Jiménez, Federico García Lorca, Luis Cernuda o Antonio Machado.

Está el árbol en flor

y la noche le quita, cada día

la mitad de las flores.

(Juan Ramón Jiménez)

Muchos han querido ver en el Machado puramentemodernista, simbolista, el anterior a 1907, el verdadero precursor del haiku en España, pero quizá solo sea una feliz coincidencia.

Junto al agua negra

olor de mar y jazmines.

Noche malagueña.

(Antonio Machado)

En su búsqueda de espiritualidad, de sencillez extrema y de referencia al símbolo, a Machado le resultó útil unir el viejo (y novedoso y parisino) modelo japonés con una tradición hispánica de referencia: la seguidilla, de composición muy similar (versos de 5-7-5-7), que añade muy a menudo elementos naturales y cuya referencia, obligada por su brevedad, la hace intensa en contenido. Lo cierto es que la seguidilla hunde las raíces en la Edad Media, y está íntimamente ligada al cante, como vemos en Lorca:

Hacia Roma caminan

dos peregrinos,

a que los case el Papa,

porque son primos.

(Federico García Lorca. Los peregrinos)

Hoy, no podemos explicar sin recurrir al haiku algunos poemas memorables, como estos de Juan Ramón Jiménez o Luis Cernuda:

Está el árbol en flor,

y la noche le quita, cada día,

la mitad de las flores.

¡Ay, el aire yerto,

campana en el frío,

ojos en la escarcha!

No sé con qué decirlo,

porque aún no esté hecha

mi palabra.

Tú, palabra de mi boca, animada

de este sentido que te doy,

te haces mi cuerpo con mi alma.

Es verdad ya. Mas fue

tan mentira, que sigue

siendo imposible siempre.

iQué lejos, azul, el cielo,

de la tierra pobre! Pero

los dos son el día bueno.

¿Sabes lo que espera

el pájaro quieto

por la rama seca?

Lo raro es que al mismo tiempo

Conozco que tú no existes

Fuera de mi pensamiento.

Como un pájaro de fuego

La luna está entre las ramas

Del enebro.

Negro es el cuerpo del árbol

Y gris el aire nocturno,

Oro el astro.

Dios por lo visto hace muestra

Que ha oído alguna estampa

Japonesa.

​Después de los años 70, las nuevas generaciones poéticas renuevan su pasión por el haiku, y lo cultivarán poetas como Félix Arce, Elías Rovira, Toñi Sánchez, María Victoria Porras, Verónica Aranda, Frutos Soriano, José Luis Parra, o Isabel Pose. Si estáis deseando leer más haikus, podéis acercaros a antologías muy recomendables: “Aldea poética”, “Alfileres”, “Poetas de corazón japonés”, “Tertulia de haiku” o “Un viejo estanque”. También hay asociaciones muy implicadas en su difusión: la “Asociación de la Gente del Haiku en Albacete” (AGHA) o la revista HELA. Si preferís acercaros desde la red, podéis consultar algunas páginas digitales que os ayudarán a componer y disfrutar estos poemas: “El Rincón del Haiku”, “Paseos.net”.

Dicen que el maestro Basho dedicó sus últimos días a deambular sin rumbo por caminos no transitados, sonriendo y deteniéndose a observar al azar una flor que despierta, un insecto sorprendido, o el oscilar de una caña con la leve brisa. Quizás había alcanzado el Nirvana.

Mi cuenco de mendigar
Acepta hojas caídas.

(Taneda Santoka)

Selección y reseña: Miguel Ángel Aragüés (Departamento de Lengua Española y Literatura)

TANTO GENTILE